Chácharas...

Constructor de recetas

2011-11-25T13:00:00.001-04:30

El placer por la gastronomía, poco a poco, fue alejando a este ingeniero civil de las construcciones de vigas y cemento y lo acercó a otro tipo de obras: sabores, aromas y texturas fundados en platos. Sin proponérselo, dejó a un lado sus intereses para asumir, con criterio y seriedad, un papel trascendental en la historia de la cocina de Venezuela al rescatar parte de nuestro patrimonio cultural, sea a través de la creación de la Academia Venezolana de Gastronomía o del que, quizás, es uno de sus aportes más significativos: ese compilado de más de 700 recetas criollas conocido popularmente como “el libro rojo de Scannone”

Por Manuel Linares

De cómo un ingeniero civil terminó construyendo recetas”. Fácilmente, este podría ser el título de la biografía de Armando Scannone, un hombre cuyo temperamento sereno no debe malinterpretarse: es contundente a la hora de dar su opinión o de refutar un argumento, especialmente si el tema a tratar es gastronomía.

Aunque al graduarse en la Universidad Central de Venezuela empezó a moverse entre obras y construcciones, desde hace un buen tiempo su hogar –una amplia y silenciosa casa donde el arte es inherente a la atmósfera– es su centro de operaciones.La gastronomía lo ha absorbido, y eso lo tiene claro. Ocurrió de forma natural: desde que era un niño estaba atento a degustar y apreciar la comida, tanto, que iba haciendo una especie de repertorio mental. Con el correr de los años, el ingeniero Scannone vio con preocupación cómo se estaba perdiendo la comida criolla y, para alguien que puede comer asado negro siete días seguidos sin aburrirse, eso era una tragedia. Entonces, recordando los sabores de su infancia y basándose en su memoria sensorial, comenzó una cruzada, que aún no termina, por salvar nuestro recetario, acompañado de Magdalena Salavarría, cocinera que ha trabajado en su casa desde hace más de 40 años.

Y si bien el inicio de esa historia lo marcó la aparición de su célebre libro rojo de recetas –que él mismo revisó, preparó y ajustó a la perfección– su labor ha ido más allá. Continuamente viaja para conocer propuestas culinarias foráneas, fue fundador de la Academia Venezolana de Gastronomía y, por supuesto, ha seguido armando recetas en papel, como las que editó recientemente, bajo el título de Mi cocina ligera a la manera de Caracas, y que ya se conocen como “el libro verde de Scannone”.

—¿Por qué un libro de cocina ligera?

—Fue una petición de la Fundación Seguros Caracas. Una de las prioridades de la Fundación es la diabetes; ellos han encontrado que el 6% de la población venezolana es diabética y que eso tiende a aumentar, especialmente en niños y adolescentes. Me pidieron un libro de recetas para diabéticos y yo preferí hacer uno de menús. Quise ofrecer algo más a la gente que, bien sea por obesidad, diabetes, problemas cardiovasculares o porque quieren rebajar, tienen que hacer una dieta especial, y esa dieta se reduce a siempre a un consomé, un pollo a la plancha y una fruta.

Este es un libro de comida ligera para cualquier persona que tenga restricciones en su alimentación. Hice un libro de menús con información nutricional completa e indicaciones de las raciones apropiadas para un adulto normal y corriente. Es para diabéticos, pero para ser usado por toda la familia, y he tratado que sea una comida agradable, placentera y, básicamente, cocina venezolana.

—Desde hace unos años hay una suerte de auge de la cocina criolla, gracias a iniciativas como el CEGA y chefs como Mercedes Oropeza o José Luis Álvarez. ¿Qué opina de estas propuestas? ¿Realmente ha resurgido el interés por nuestra cocina?

—Yo creo que sí, que hay interés de los jóvenes especialmente, no tanto de los cocineros adultos. Los cocineros adultos están muy ocupados para aprender cocina venezolana o aumentar su repertorio, tienen que atender sus propios restaurantes. Pero entre los jóvenes, los que están yendo a escuelas de cocina hoy en día, sí hay interés y las escuelas lo han captado y tratan de enseñarles.

Esos que me has citado son cocineros que practican cocina venezolana tradicional y con mucho éxito. Se pensaba que un venezolano no iba a ir a un restaurante a pagar por comida venezolana teniéndola en su casa, y en realidad no la tenía en su casa, tenía un repertorio muy limitado. Sí hay un enorme mercado potencial para la comida venezolana, además, es muy rentable porque es una cocina que no tiene ingredientes especialmente costosos.

—¿Qué le parece la oferta de gastronomía gourmet de nuestra capital?

—No sé qué quieren decir con eso. Creo que cuando hablan de comida gourmet están hablando de lo que acostumbran llamar cocina de autor, en la que el cocinero, precisamente por no conocer a fondo la cocina venezolana y la cocina en general, inventa cosas, introduce cosas orientales. Yo diría que, en cierto modo, es una manera de escapar al no saber, al no conocer a fondo.

—Y, en su opinión, ¿quiénes no buscan escapar a ese no saber?

—Si me preguntas qué restaurantes pienso que tienen mejor comida o que son más honestos, te diría Alto, que es una comida un poco con acento catalán muy buena; Vizio, que también es excelente; Le Gourmet es un restaurante que ofrece ciertas características de ambiente, atmósfera, servicio y también tiene una comida cuidada; Mokambo, que tiene ciertos toques venezolanos y, por cierto, su chef, Ana Belén Myerston es Tenedor de Oro 2010. También Bar Basque, es una comida muy honesta, y Chez Wong.

—¿Le gusta la cocina molecular?

—Si te refieres a la espuma, las infusiones, las esencias y esas cosas de Ferran Adrià, no estoy de acuerdo con eso. Para mí la comida es algo muy concreto y el placer es importantísimo a la hora de comer, cada plato que tienes por delante debe ser un momento estelar. Yo no creo, por ejemplo, que una espuma de melón reemplace a un pedazo de melón ni en sabor ni en satisfacción, ni siquiera en el aspecto; para mí, la espuma es una falsedad.

Ferran Adrià, quien es la persona que puso eso de moda, es un genio de la cocina, pero no por su cocina misma, sino porque introdujo el asombro como parte integral de la comida. Cuando comes en Ferrán Adrià, sientes algo más que curiosidad, no te explicas cómo fue que hizo eso, pero cuando tienes la ocasión de comer el mismo menú dos veces, te das cuenta de que el asombro dura sólo esa primera vez, entonces te queda sólo la comida y en ese caso no la puedes comparar con la de los grandes, como Robuchon o Alain Doucasse. Creo que hoy los cocineros en general buscan asombro; todas esas cosas que llaman cocina de autor, fusión, es buscando novedad.

Por Manuel Linares

—¿Qué receta define la idiosincrasia del venezolano?

—El pabellón y la hallaca, porque son dos platos muy peculiares, pero muy complejos. El venezolano no es muy sencillo de analizar, es una personalidad un poco compleja que no puedes asegurar cómo va a responder en ciertas situaciones. Lo mismo es la hallaca y el pabellón: son muy complejos y tú nunca vas a estar seguro de cómo te van a resultar.

—La modernidad, la tecnología, el ritmo acelerado de vida le han restado tiempo a la mesa, a las reuniones familiares en torno a la comida, a la sobremesa. ¿Es posible mantener esa costumbre en estos tiempos?

—Sí. Si hay algo que creo que no va a desaparecer, es el concepto familiar. Es posible que la reunión de la familia no sea tan frecuente, es decir, que no sea las tres veces al día, pero tengo la impresión de que en Venezuela empieza a haber la necesidad de ser un poquito más familiar. Creo que la familia se ha descuidado un poco en ese aspecto, ese carácter, esa manera de enseñar valores, porque los valores no se aprenden en la escuela, los valores se transmiten en la familia.

—¿Cómo queda la dieta del venezolano con los precios y la escasez de alimentos? ¿Hoy es una utopía pretender hacer platos bien elaborados y con ingredientes de calidad?

—Hoy día la tendencia es comer y preparar lo que hay, lo que se encuentra. Yo no estoy seguro, por ejemplo, con todas las expropiaciones que han habido en el área del campo, si vamos a tener cebolla dentro de 3 o 4 meses, o tomates o ajoporros, y los precios que han alcanzado esos productos que te acabo de citar, han sido espantosos. Pero la comida venezolana no creo que necesite ingredientes extraños, ni especialmente costosos.

—Cuando editó el libro rojo, ¿estaba consciente de la magnitud de ese documento, del alcance que podría tener?

—No tenía absoluta idea. Te digo con toda franqueza, yo lo que quería era salvar la cocina venezolana, pero básicamente para mí. Me imaginaba que serían 100 o 150 recetas, máximo, no pensé que se iba a llegar a más de 700, y tampoco pensaba que sería un libro. Llegó un momento en que tenía un paquete de recetas escritas a máquina sin clasificar y cada vez que le pedía alguna a mi cocinera, era tan complicado encontrarla que le dije: “Mira Magdalena, vamos a tener que hacer un libro”. Entonces fue cuando me di cuenta de la magnitud, de lo importante que era, porque el libro rojo no la cubre toda y en eso fui muy cuidadoso, no lo llamé cocina venezolana sino Mi cocina a la manera de Caracas. Te voy a decir algo, olvidándome de México, donde hay una gran herencia gastronómica, dudo que cualquier otro país latinoamericano tenga un repertorio de la magnitud del nuestro, inclusive Perú.

—¿Otra pasión que no tenga que ver con el paladar?

—Me gusta mucho oír música y disfruto muchos los conciertos. Hoy en día tenemos un privilegio grandísimo en Venezuela y es que, gracias al Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles, todas las semanas tenemos un concierto a la altura de las mejores salas del mundo. Tenemos una orquesta, unos músicos y unos directores extraordinarios. Nuestros conciertos no tienen nada que envidiarle a los del Carnegie Hall o de la Filarmónica de Berlín. Y tenemos una diferencia: además de tocar música, son muchachos que entregan energía, pasión porque están casi empezando y tienen un desafío cada vez que enfrentan un concierto. Creo que esa es una de las cosas que hacen que sean tan queridos en cualquier parte en donde se presentan.

—¿Cuál es el ingrediente esencial en su vida?

—Te diría que la tranquilidad y la soledad. Disfruto mucho la soledad, no en el sentido de que no me guste la gente, sino porque me gusta tener momentos míos. Creo que más que la soledad es la independencia.

Scannone en páginas

En total son cinco los libros dedicados a la cocina venezolana realizados y editados por Armando Scannone, cada uno con sus particularidades. El más reciente es el verde, de cocina ligera, que tuvo un lanzamiento de 6.000 ejemplares que en 15 días desaparecieron de las librerías. Antes había hecho el azul, sobre comida criolla actual; el amarillo, que ofrece menús y recomendaciones de vinos para cada uno, y dos tomos del más célebre: el rojo.

Mi cocina a la manera de Caracas, nombre completo de esta obra imprescindible para quien quiera conocer la tradición culinaria local, apareció en el mercado en 1982 y contiene 742 recetas. Las primeras ediciones se hicieron en España porque en Venezuela el proyecto no interesó a ningún editor.

Scannone se arriesgó al encargar 5.000 ejemplares. Entre producción, impresión, distribución y libreros, tuvo pérdidas: el precio era 245 bolívares cuando realmente debía ser más 600. Sin embargo, en 15 días se vendieron todos los ejemplares y empezaron las reediciones que continúan hasta hoy –van más de 25. Las ventas se calculan en alrededor de los 200.000 ejemplares y, contrario a lo que su autor pensaba cuando lo editó, sus principales compradores son gente joven.

Perfil de Armando Scannone Tempone

Lugar y fecha de nacimiento: Caracas, 22 de agosto de 1922

Plato favorito: El mondongo

Estilo de cocina favorito: francés e italiano

Chef a quien admira: Jöel Robuchon

Aficiones no gastronómicas: Viajar, conocer, pasear

Ciudad preferida: Nueva York, Madrid y París

Sitio para surtir su cocina: El mercado de Chacao y el de Quinta Crespo

Publicado en la revista PRODUCTO, edición noviembre 2010

Leones en el jardín

2011-11-08T11:32:00.000-04:30

Había escuchado hablar de los Jardines Topotepuy, también había visto algunas fotos que te dejaban con ganas de visitarlos lo más pronto posible, pero fue hace poco más de una semana cuando, al fin, tomé la decisión de ir a conocerlos. Tenía la mejor de las excusas: la exposición de los cuarenta leones que intervinieron artistas plásticos y niños en julio, cuando comenzó C4R4C4S, la celebración de los 444 de la capital que, luego de actividades, exposiciones y variedad de eventos alusivos, finalizó el domingo con la subasta de las piezas, a beneficio de Socieven (Sordociegos de Venezuela).

Caracas es una ciudad de contradicciones, creo que quienes la habitamos, la vivimos y la sufrimos a diario, lo sabemos bien. A la par del desorden, el deterioro, la hostilidad y el miedo están lo encantador, lo bello, lo singular, lo irrepetible, lo peculiar de esa ciudad con la que tenemos una relación bipolar. Sí, aquí podemos pasar del odio visceral al amor absoluto en un respiro. Y pisar Topotepuy es de esas experiencias que te hacen totalmente consciente de esos contrastes de los que hablo.

Al sur de la ciudad, en una zona llamada El Volcán en Oripoto –cerca de El Hatillo-, están los Jardines Ecológicos Topotepuy; su símbolo es un colibrí y no es de gratis: desde que entras hasta que te despides, puedes verlos revolotear por allí, de lejos, de cerca, de cualquier forma. Al terminar de bajar las escaleras de piedra que te llevan a los jardines, comenzaba la ruta de los leones; allí mismo, silencio, verde y cielo infinitos hacen que te enamores perdidamente del lugar.

A algunos leones ya me los había topado por allí, en espacios públicos, en plazas, en el Museo de Petare… Verlos a todos, integrados a ese paisaje arrebatador, fue grato, divertido y, sobre todo, lúdico: uno de mis dos acompañantes es un pequeño de tres años que, a su paso, iba descubriendo y reinterpretando cada león. Ver su reacción y escuchar su “veredicto” cada vez que se paraba frente a alguno, lo detallaba y lo acariciaba –y me pedía que lo dejara montarse en su lomo-, fue tan interesante como la exposición en sí.

Abilio Padrón, Adrián Pujol, Anita Reyna, Argelia Bravo, Carlos Fonseca, Carola Bravo, Carolina Arnal, Efraín Ugueto, Enay Ferrer, Felipe Herrera, Félix Molina, Francisco Bassim, García Volcán, Isabel Cisneros, Iván Darío Hernández, Jason Galarraga, Javier León, José Campos Biscardi, José Joaquín Figueroa, José Vivenes, Julio Pacheco Rivas, Luis Romero, Macjob Parabavis, Onofre Frías, Pájaro, Paul Parrella, Pedro León Zapata, Ramsés Larzábal, Ricardo Benaim, Samuel Baroni, Santiago Pol, Teresa Gabaldón, Valentina Álvarez, Vladimir Da’Costa, Waleska Belisario y Zulay Mendoza son los creadores que jugaron a su antojo con las piezas realizadas por Semíramis Alvarado en fibra de vidrio blanca. También había leones pintados por niños de El Hatillo, con la orientación de Daniel Fonseca; Petare, junto a Amarilis Hannah, Propatria y Catia, con William Veloz, José Quintero y Francisco Moré como facilitadores, y de Socieven, de la mano de Miguel Prypchan y Vladimir Da’Costa. La diferencia de géneros y edades entre los encargados de intervenir los leones no sólo se hizo evidente al mirarlos en conjunto, creo que también enriqueció la muestra, cada uno tenía estilo y personalidad propia, cada uno transmitía algo diferente, algo que bien podría ser ternura, sofisticación o rabia. Las lecturas de Pablo, mi hijo, también fueron diversas: león tigre, león pinchudo, león que puya, león de círculos, león pajarito, león ojos de gato…

Y sí, a Pablo le gustaron todos, pero sólo uno lo emocionó tanto que le pidió a su papá que le tomara una foto, “por favor”: el león verde que colocaron en el área de Provita –el de Ana Isabel Reyna-. Ese rincón fue su paraíso personal: le regalaron libros para colorear y libritos sobre animales, en la mesa de exhibición se encontró con Los rostros de la extinción –uno de sus libros favoritos- y para completar, por supuesto, el gran león de árboles.

Belleza callejera

2011-03-30T12:25:00.017-04:30

Claudio Napolitano logra una serie fotográfica que, al contraponer realismo extremo y una cuidada estética al estilo de las campañas del prêt-à-porter internacional, cuestiona las diferencias sociales e invita a la introspección

El look de estas imágenes remite de inmediato a un editorial de moda de Vogue, un aviso de Armani o un especial de Fashion TV; eso obvio y no es casual. Ciertamente, la producción de la sesión fotográfica buscaba emular todo el glamour que emana de este deslumbrante mundo, pero con una salvedad: los sujetos a retratar no serían top models, rockstars, celebrities ni socialités, sino personas que han hecho de la calle su hogar.

La idea tuvo su origen en el inevitable cuestionamiento que se hacía su autor, Claudio Napolitano, sobre su trabajo publicitario y la necesidad de realizar algo con contenido social que le aportara algo más. Conversando con colegas, el fotógrafo definió lo que quería hacer y, tras conceptualizar bajo la premisa “Haz que la indigencia pase de moda” –sugerencia de Bobby Coimbra-, empezó a trabajar en Street Beauty, con José Antonio Duque a cargo de la producción.

La plaza de Las Tres Gracias fue el punto de contacto con los potenciales rostros a retratar. El acercamiento no fue fácil: lo usual es que, si alguien intenta hablarle a un indigente, sea para agredirlo. Sin embargo, al conocer el plan, se animaron a posar para Napolitano, sin maquillaje ni cambio de ropa, en sesiones individuales de 15 minutos, los mismos 15 minutos a los que aludía Warhol. Para los singulares modelos fue una fiesta de luces y flashes, un momento lúdico que vivieron a plenitud –más adelante, el fotógrafo supo que dos de ellos fueron asesinados en la calle-.

Street Beauty es una serie para observar, disfrutar y reflexionar. La experiencia de Napolitano es garantía de un material de alto nivel técnico, estético y artístico, si se quiere. La identidad de los modelos envuelta en esa atmosfera glamorosa es contrastante. Y el conjunto, en principio, es grato e interesante; luego, el juego de ironías lleva a la inevitable introspección, y de eso se trata.

Esta producción sobre bellezas callejeras y paradojas significó un hito en la carrera de Napolitano al separarse del trabajo publicitario que había realizado en los últimos 20 años y acercarse a lo social, “desde ahí comencé a rebelarme contra mi propia formación que, básicamente, había estado centrada en recrear un mundo ideal y perfecto”, dice. Esta una búsqueda personal que terminó tomando forma al colocar a los olvidados frente al lente e intentar “captar su esencia y plasmar el alma, que es lo único que les queda”.

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Street Beauty se presenta del 30 de marzo al 8 de mayo en los espacios de Roberto Mata Taller de Fotografía (La California Sur).

Imagen #1: Like a Prayer - Modelo: Ricardo

Imagen #2: All about Valentino - Modelo: Guaica

Imagen #3: Glam - Modelo: Carmen

Las vírgenes de Capuano

2011-03-16T21:37:00.009-04:30

No suelen gustarme mucho las ilustraciones híper realistas, mas toda regla tiene su excepción y, en este caso, me refiero a las de Eduardo Capuano. Diseñador, publicista, creativo, ilustrador… cualquiera de esas etiquetas aplican; para mí es una mente que no para de generar ideas y sus manos son la mejor herramienta para convertirlas en realidades.

La virgen de las Causas perdidas y la de la Perpetua duda son de sus trabajos más recientes. Elocuentes por demás, poseen una interesante lectura de símbolos –con la que fácilmente se puede identificar cualquier mortal en estos días- realzada por el contraste de colores y texturas y ese realismo extremo que caracteriza su trabajo.

Pero la obra de Capuano no se ha encasillado y en su portafolio podemos encontrar todo tipo de sorpresas, como súper héroes reinterpretados, muñecas, cómics old-style, signos zodiacales, el mundo de Oz, animalitos con eco-mensajes y hasta su propia versión de El Principito. Lo mejor es que parte de su invención está registrada en franelas, cuadernos y afiches de la marca que creó junto a su esposa: Stella Blu Cose D’arte.

Si quieren ver más, revisen acá:

http://stellablu-art.blogspot.com/

Lucius y Ivy

2011-03-03T09:01:00.004-04:30

—Yo no me preocupo por lo que va a pasar, sino por lo que necesito hacer. ¿Cómo supiste que estaba aquí?

—Te vi desde la ventana… No, no voy a decirte tu color. Basta de preguntas. Cuando nos casemos, ¿bailarás conmigo? Encuentro al baile muy agradable… ¿Por qué nunca puedes decir lo que está en tu cabeza?

—¿Por qué tú no paras de decir lo que está en la tuya? ¿Por qué debes guiar, cuando yo quiero guiar? Si quiero bailar, te pediré bailar. Si quiero hablar, abriré mi boca y hablaré. Todo el mundo está siempre molestándome para hablar más. ¿Por qué? ¿Qué hay de bueno en decirte que estás en todos mis pensamientos desde el momento en que despierto? ¿Qué de bueno puede ser para mí decirte que algunas veces no puedo pensar con claridad o hacer mi trabajo correctamente? ¿Qué gano con decirte que la única vez que siento el miedo del que hablan los demás es cuando pienso que pueden hacerte daño? Y eso es por lo que estoy en este porche, Ivy Walker. Temo por tu seguridad antes que por la de nadie. Y sí, bailaré contigo en nuestra noche de bodas.

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Hace unos días vi por segunda vez The Village de M. Night Shyamalan; la primera fue en 2004, cuando la estrenaron. La conversación entre Lucius Font y Ivy Walker me sigue conmoviendo, poética, tajante, esencial y suerte de espejo que me devuelve un reflejo conocido. La historia -que no es de las más aclamadas del director- también me sigue resultando hermosa, a veces como una crítica social planteada tan sutilmente que no parece tal, y otras, como una auténtica e intensa declaración de amor en todas sus dimensiones.

Actor comprometido

2011-02-15T15:50:00.008-04:30

A sus 33 años, Edgar Ramírez ha logrado lo que muchos no alcanzan en toda una vida: una sólida carrera en cine que incluye prestigiosos reconocimientos internacionales y compartir créditos con celebridades, además de trabajar a favor de los derechos de los niños como Embajador de Buena Voluntad de Unicef. Lejos de convertirse en una superestrella inaccesible, el equilibrar ambos roles ha significado la plenitud personal que añoraba y permanecer con los pies en la tierra para seguir cosechando sueños

"Hoy el NY Times me incluyó en su lista de los actores que deberían ser nominados al Oscar como Mejor Actor! Wow! Arrancamos el año con todo!”, se lee en la cuenta de Twitter de Edgar Ramírez el 2 de enero de 2011. Para ese momento también había mencionado las nominaciones que dieron a su actuación en Carlos –realización del francés Oliver Assayas sobre el mítico Ilich Ramírez Sánchez– a los premios SAG, César y Globo de Oro, así como los reconocimientos de la Crítica de Francia y el Círculo de Críticos de Londres o su mención en la lista de Jóvenes promesas de la revista Time.

A través del citado espacio virtual, el actor actualiza a sus casi 77.000 seguidores –escribiendo en español, inglés, francés y, a veces, italiano– sobre sus logros; allí también ha ofrecido información sobre cómo ayudar a los damnificados por las lluvias en Venezuela o la importancia del auto-examen de seno. El tema humanitario es una de sus prioridades, tanto, que a finales del año pasado fue nombrado Embajador de Buena Voluntad por Unicef Venezuela, hecho que puede traducirse como un sueño hecho realidad.

De niño, transformaba la casa de sus abuelos en La Grita –estado Táchira– en un gran set donde cada día recreaba viajes imaginarios. “Quiero viajar mucho, hablar idiomas, hablar con mucha gente y arreglar los problemas del mundo”, decía el pequeño cuando le preguntaban sobre su futuro. Hoy, atribuye el despertar de su interés por lo social a los tantos viajes internacionales que hacía por ser hijo de un agregado militar y al encuentro temprano con Mafalda.

Pese a aquellos anhelos de infancia, Edgar Ramírez terminó graduándose de Comunicador Social y comenzó a actuar en cortos, novelas y películas. Cacique Chacón, el personaje que interpretó la telenovela de Leonardo Padrón Cosita rica (2003), le dio popularidad entre el público venezolano y, un par de años después, Tony Scott le abrió las puertas de Hollywood al darle el papel de Choco en su película Domino.

Semejante hoja de vida puede dibujar a un hombre inaccesible, de ego hinchado. De hecho, la idea de estrella distante se fortalece cuando irrumpe ataviado de negro de pies a cabeza con lentes oscuros. Entonces, el actor comienza hablando despacio, mide sus comentarios; luego, acelera las palabras, se atropella, para pronto parecer un muchacho venezolano común y corriente, de mirada franca. La estampa implacable se ha disipado y queda al descubierto que Edgar Ramírez tiene poco o nada de divo: es sencillo, espontáneo y, sobre todo, un gran conversador.

—¿Son necesarios los premios o, al final, no hacen diferencia?

—Los premios son maravillosos porque son una manera de que sientas que alguien está apreciando tu trabajo, de que llegó a algún lugar, de que gustó; la gente te invita, te dan besos, te abrazan, son bellos… Pero no puedes vivir por los premios, esa no puede ser la motivación porque es como colocarse un edificio de ocho pisos encima de los hombros, eso es como el pintor que se despierta todos los días queriendo pintar su obra maestra; te podrás imaginar el nivel de estrés, yo no podría vivir así. Esta ya es una carrera que produce niveles de ansiedad suficientes como para que, encima, te pongas más porque “yo voy a hacer esto porque me quiero ganar un premio tal”.

—¿Hollywood era su norte? ¿Su llegada a la meca del cine tiene que ver con suerte o es solo talento?

—Tengo una concepción de la suerte muy personal, creo que es una combinación de preparación, talento y sentido de la oportunidad y de sincronía, es decir, estar preparado para la oportunidad en el momento en que la oportunidad aparece. Yo soy un vitalista y me gusta trabajar por las cosas que hago. No es por arrogancia, pero es que siento que creer que las cosas que te pasan son sólo por suerte o por mala suerte es como entregar la responsabilidad que tienes para impactar tu vida a algo abstracto. También se te presentan personas que son como ángeles, que son inspiración intelectual, artística, anímica, y yo los tengo todos. Es gente que ha creído en mí, desde mi abuela, que fue la primera que quiso que fuera actor, hasta mis padres, Guillermo Arriaga, Leonardo Padrón, Tony Scott, Olivier Assayas… Al final, son herramientas, y si uno sabe identificar la oportunidad y estás abierto, además, a que esta se presente, pues, ¡colócame en la puerta que de lo demás me encargo yo!

—¿Cuál es el proyecto o personaje que le ha dado más satisfacción?

—Va a sonar como políticamente correcto, el problema es que todos te la brindan porque creo que actuar es como decía Louis Pasteur: Una vez que el cerebro se abre a un conocimiento, jamás vuelve a su estrechez anterior. Una vez que uno ejercita los músculos emocionales a través de un personaje, pues tú mismo te ensanchas y tus capacidades se ensanchan. Obviamente, ha habido personajes clave: Pedro de Punto y raya, que fue mi primera película; Cacique Chacón de Cosita rica, un personaje que me permitió conocer el país, tomarle el pulso; Cyrano Fernández, en la película de Alberto Arvelo, también fue un personaje maravilloso y, por supuesto, Carlos, el último que hice y me ha traído enormes satisfacciones.

—Parece que 2010 fue un año clave en la historia del cine venezolano, ¿qué opinión tiene al respecto?

—Maravilloso. Hay que continuar el esfuerzo que se inició. Cuando yo empecé a hacer cine, hace diez años aproximadamente, se estrenaba una película por año, dos con mucha suerte; ahora se está estrenando una película casi cada mes, en promedio, y eso es maravilloso.

—¿Y qué le parece el material que se está produciendo?

—El nivel ha mejorado, se están contando mejores historias y se logró captar la atención del público local hacia las producciones domésticas, hasta el punto de que hemos superado películas tradicionalmente taquilleras de Hollywood y Estados Unidos con películas nacionales. Esa atención se ha logrado porque se están haciendo mejores películas, el público está ilusionado, las temáticas han comenzado a variar, hay diferentes estilos. Yo estoy muy contento con todo lo que está pasando, los números que estamos teniendo en Venezuela son, además, envidiables en otros países del mundo. Hay películas argentinas que no llegan a meter la cantidad de gente que meten en las salas las películas nuestras acá; a pesar de que allá se hace un promedio de 60 películas al año, no logran los números que alcanzamos nosotros acá, y no desde 2010, lo estamos haciendo desde el 2005.

—¿Qué significa ser Embajador de Unicef? ¿Qué expectativas tiene en esta nueva faceta?

—Un Embajador de Buena Voluntad es una persona que tiene acceso a los medios de comunicación, que cuenta con un nivel de impacto en estos para poder llamar la atención sobre el mandato de la organización, que es la defensa y fortalecimiento de los derechos de los niños, niñas y adolescentes. Expectativas, tengo todas. Este es un camino de largo alcance, un trabajo de vida en el que intentaré, junto al resto de los embajadores, todo lo que esté a mi alcance por promocionar la defensa de los derechos de la niñez y servir como vinculador, como vehículo de reconciliación, de encuentro, porque nuestro trabajo consiste en servir como puente entre los actores o factores de cambio.

—¿Piensa continuar alternando el trabajo social y la actuación? ¿Cómo ve la combinación de estos roles a futuro, uno podría desplazar al otro?

—Es curioso, justamente en mis palabras durante el acto cuando fui nombrado Embajador de Buena Voluntad, decía que durante muchos años traté de fomentar mis dos grandes intereses en la vida, que eran el trabajo humanitario y social y el mundo de las artes y mi oficio actoral, y siempre lo hacía con el miedo de que escoger uno implicaría la negación del otro.

La actuación se reveló ante mí una vez que estaba en la universidad. Yo no fui el niño que creció soñando con ser actor, con toda honestidad. Si me preguntaban qué quería ser de grande, nunca dije que quería ser actor, sin embargo, no había acto cultural, tamunangue, coro de villancicos, grupo de gaitas o de teatro escolar en el que no participara. Al final, decidí dejar que el lado artístico se expresara, aterrado, pero confiando en que en algún momento se encontraría con este otro gran interés, y sucedió. Y me di cuenta de que puedo colaborar de una manera hasta más potente como artista. Con la visibilidad que, afortunadamente, estoy teniendo gracias a mi carrera, vi la combinación perfecta entre mis dos grandes pasiones.

—¿Cómo transcurre la vida de Edgar Ramírez cuando no está delante del lente ni a la luz de los reflectores?

—Cuando no estoy involucrado en cosas que tienen que ver con el trabajo humanitario y mi carrera, por lo general, duermo. Hay mucho mito sobre la vida de los artistas, es decir, no es para nada extravagante. Yo tengo una vida ordinaria con un trabajo extraordinario, eso lo dijo Julia Roberts una vez, se lo escuché en una entrevista y me pareció maravilloso, me di cuenta de que lo definía muy bien. Al final, intentamos hacer cosas que hace todo el mundo, hago cosas muy normales, voy al cine, salgo a tomar un café con mis amigos, duermo, veo películas, hago ejercicio –para mí es importante mantenerme saludable para aguantar este ritmo de vida–, medito todos los días y, bueno, también postergo cosas.

—Su vida es nómada, ¿le afecta la soledad o se ha acostumbrado?

—Sí, claro. Creo que mi vida es mucho más sola de lo que la gente se imagina, sobre todo, cuando estás filmando. La parte de estar de hotel en hotel, la gente puede creer que estás de fiesta y sí, hay lugares maravillosos que visitas, pero muchas de esas cosas las haces solo, porque al final en una película tienes compañeros de trabajo, y no todos son tus amigos. Hay relaciones diarias interpersonales, pero no necesariamente tienen que ser íntimas, no todo el tiempo está todo el mundo hablando de arte, de películas y de cosas sublimes, estamos trabajando.

—¿Le hace falta anclar en algún lugar?

—De vez en cuando pega el desarraigo, sí pega y, conforme vas teniendo más edad, te vuelves más rígido, la tendencia es que te haga más falta la familia, tu casa, que te vuelvas un poco más maniático. Pero, al mismo tiempo, yo lucho todos los días por no volverme un maniático y ser cada vez más flexible y abrazar en toda su extensión las cosas maravillosas que me pasan, aun cuando, a veces, me haga falta mi familia y me haga falta algún respiro.Vivo una vida de enormes privilegios, sobre todo porque tengo la dicha de hacer lo que me gusta y de trabajar en lo que me gusta. Independientemente de ser actor, tengo un privilegio que pocas personas tienen en el mundo: trabajar en lo que les gusta, poder vivir de la combinación de sus dones y de sus voces.

Biografía de Edgar Filiberto Ramírez Arellano

Fecha y lugar de nacimiento: 25 de marzo de 1977 en San Cristóbal, estado Táchira.
Comida: Pizca andina
Bebida: Café marrón
Película: E.T.
Actor: Sean Penn
Libro: Pedro Páramo de Juan Rulfo
Ciudad para vivir: “Me encanta Caracas, amo mucho esta ciudad”

Por los niños y para el mundo

La labor de Edgar Ramírez como Embajador de Unicef se centra en fomentar el buen trato a niños, niñas y adolescentes concentrando sus esfuerzos en diversos programas diseñados para tal fin, como es el caso de Educación en equidad. Esta es una innovadora propuesta dirigida a empresas públicas y privadas que, a diferencia de otras campañas, involucra a los empleados de manera que sean ellos mismos quienes transmitan la importancia de la defensa de los derechos del niño en sus casas y círculos donde se desenvuelven.

“En Venezuela tenemos una de las leyes de protección al menor más modernas del mundo, eso existe y está avalado por Unicef; aquí el problema es la implementación, es invitar a la gente a que implemente esas leyes”, explica el Embajador. Aunque el programa fue totalmente diseñado en el país, se trata de un plan ambicioso que pretende abordar la falla interna del sector a escala global. “Me conmueve mucho poder poner mi grano de arena y poder ser portavoz oficial de un mensaje tan importante, tan urgente, porque en cada niño nace la humanidad, cada niño es una oportunidad que tiene el mundo de sanarse”.

Mílitza Zúpan

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Entrevista publicada en la revista PRODUCTO, edición de enero de 2011.

Fotos de Edgar Ramírez y Pablo Sanguinetti Zúpan tomadas por Manuel Linares.

Fino universo femenino

2010-10-27T20:54:00.007-04:30

Una historia que le apasione y libertad para plasmarla en imágenes, esas son las dos condiciones indispensables para Fina Torres cuando se trata de hacer una película. Como la cineasta venezolana más internacional, Fina es fiel a sí misma, siempre supo que lo suyo era la gran pantalla y, tras estudiar en Francia, no escatimó esfuerzos para llevar a ella lo que en la década de los cincuenta parecía tan solo un sueño de niña. Armada de una experiencia integral que le confiere el conocimiento profundo de todo el proceso de realización cinematográfica, en sus producciones, depuradas y sin improvisaciones, abre una ventana a los vastos territorios que conforman el sentir de la mujer

"Mamá, papá, quiero hacer cine”. Con esa afirmación sorprendió Fina Torres a su familia en los años cincuenta. En principio la vieron como una pequeña soñadora, pero a medida que pasaba al tiempo y su empeño no decaía, más de uno comenzó a asumirla como la oveja negra, como alguien a quien le falta un tornillo.

Convencida, sin detenerse ante opiniones adversas, Fina aprendió fotografía, se inscribió en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello, consiguió trabajó en El Nacional, se marchó a Francia a estudiar y, una vez graduada en Cine, recogió cables, fue asistente de montaje, de script y de cámara; en resumen, aceptó cualquier tarea que la acercara a ese deseo que tenía entre ceja y ceja. Entonces, aún nadie la tomaba en serio y sus allegados pensaban que estaba desvariando, hasta que logró hacer su primera película: Oriana.

Hoy, Fina Torres es una menuda mujer de 59 años, de suave hablar y mirada serena, que alterna sus días entre su Caracas natal y Los Ángeles, ciudad donde montó su centro de operaciones hace diez años. Los últimos meses han sido movidos: ha estado promocionando intensamente su nuevo largometraje, Habana Eva, por lo que su rutina se ha caracterizado por viajes, entrevistas, llamadas telefónicas y reuniones vía Skype. Al final del día, aún le queda tiempo para conversar con su madre, en persona o virtualmente.

La película en cuestión ha sido muy bien recibida por la crítica, fue premiada en el Festival de Cine de Nueva York y en el de Cine Latino de los Ángeles. Sin embargo, Habana Eva no sólo es un acierto más en su carrera, también ha sido una lección de humildad. Fina, que siempre había trabajado en formato 35 milímetros y se negaba a hacerlo en alta definición, tras una guerra con los productores accedió. Para su sorpresa, terminó siendo una experiencia enriquecedora con la que aprendió mucho y se dio cuenta de que las nuevas tecnologías pueden tener la misma calidad que las técnicas tradicionales.

—En estos tiempos han proliferado los proyectos cinematográficos nacionales, muchos gracias al apoyo de organismos públicos como Villa del Cine. ¿Se vive una nueva era en el cine venezolano?

—Efectivamente. La Villa ha financiado muchos proyectos, y el CNAC también. Pocas películas se hacen realmente independientes de la plataforma; casi todas las películas venezolanas, de una u otra manera, han recibido el apoyo del Estado. Lo que he visto me ha parecido muy bueno. Vi Hermano, me pareció excelente; vi parte de Taita Boves y me pareció extraordinaria, a nivel estético, de propuesta; me pareció muy buena Cheila, una casa pa’ maita, de muy alta factura, muy conmovedora. Y lo que más me fascina es que las películas que están en estos meses en cartelera son cosas totalmente diferentes: un melodrama, una tragedia, un drama, una comedia… Hay diversidad.

—¿Qué opina de la labor de la Villa del Cine?

—Hace como cuatro años, cuando se fundó, me entrevistaron para saber qué opinaba, porque su creación generó una cantidad de críticas. Yo siempre defendí la idea de la Villa como institución porque es un privilegio para un país tener algo así; quisieran los demás países tener algo como una Villa del Cine. Que si tenía un fin político o no, eso estaba por verse. Pero la idea de tener un estudio apoyado por el Estado para que los venezolanos pudieran hacer cine, me parecía una idea absolutamente fantástica, sobre todo como cineasta que soy, con 30 años de experiencia, sabiendo las vicisitudes que tiene un director para montar una película, para poder conseguir financiamiento.

Ahora estoy viendo el resultado de estos últimos años en los que el Estado venezolano ha invertido en el CNAC, Amazonia y la Villa del Cine. Yo solamente puedo medir por los resultados, y si bien al Gobierno se le pueden criticar muchas cosas, a veces, algo bueno hace. A mí me han criticado mucho gente muy radical, porque supuestamente les estoy haciendo propaganda, y no estoy en absoluto de acuerdo; siempre voy a dar mi apoyo a las instituciones de cine de mi país.

—En Habana Eva puede interpretarse que, de alguna manera, cuestiona el tema de las libertades en Cuba. ¿Es cierto?

—Yo no voy a ser tan específica. Creo que más bien habla de un espacio para la libertad para la mujer. Creo que Eva se rebela contra las limitaciones internas y externas, defiende siempre valores, y no lo hace estúpidamente. Hay una búsqueda, una inconformidad, un deseo de superarse.

Hay dos tipos de películas: las que dan todo y tú no tienes que pensar porque tienes preguntas y respuestas, y otras que ponen las preguntas, pero dejan los espacios para que completes las respuestas. Mis películas Oriana, Mecánicas celestes y Habana Eva son de las que dejan siempre puertas abiertas. Me gusta mucho ese tipo de cine porque te hace pensar. En el caso de Habana Eva, tú decides: ¿Qué significa Eva? ¿Qué significan las dos opciones? ¿Qué metáforas hay? ¿Qué hay entre líneas?

—Asumiendo que sí hay quienes interpretan la película como una crítica al sistema cubano, ¿cómo logró el apoyo de la Villa del Cine?

—Justamente, eso es lo interesante. Supuestamente dicen que si haces una película con la Villa del Cine tú no puedes decir lo que tú quieras sino lo que alguien quiere, y resulta que eso no es verdad. Las únicas limitaciones que tuve fueron económicas, porque en cine uno nunca termina haciendo todo como quiere, siempre hay imprevistos y presupuestos que te limitan, pero a nivel de expresión, de mi visión como artista, no tuve ninguna limitación. Que la gente lo interprete como quiera, ahí está la película. Ese proyecto vino de Francia. Unos productores me ofrecieron el guión, pero yo quería darle mi toque. Negociamos los derechos, nos metimos en Ibermedia, una asociación que apoya el cine iberoamericano, y nos salió una ayuda, como una subvención. Con este aval nos fuimos a ver si lo metíamos en el CNAC o en la Villa, y la Villa inmediatamente respondió, entonces hicimos una co-producción.

—Con tantas dificultades para conseguir recursos, ¿alguna vez pensó en tirar la toalla?

—Nunca. Es tan difícil hacer cine y conseguir financiamiento, que en 25 años sólo he hecho cuatro películas. No es por falta de proyectos, en estos años he tenido como 23 proyectos y a varios le he metido dos o tres años de mi vida y al final se han caído por falta de presupuesto.

—¿Entonces haber realizado sólo cuatro películas fue únicamente por falta de dinero?

—No. Al principio fue por un tema psicológico. Lo de Oriana fue tan fuerte… El hecho de ganar la Cámara de Oro, de haber estado en la selección oficial del festival de Nueva York, que es importantísimo, el de Chicago, ganar 12 premios internacionales con una primera película es una barbaridad. Y cuando te empiezan a decir: “hay que ver la próxima”, tú sientes algo así como “esta la pegué de chiripa, ¿cómo voy a hacer una mejor?”. Las expectativas son tan altas que te aterran. En ese tiempo tenía un proyecto llamado Tierra de sombras, un drama interracial. Entonces un par de personas me dijeron: esa es Oriana número dos, y yo pensé: ¡no me puedo repetir! La verdad era que estaba asustadísima. Para romper con eso hice Mecánicas celestes, una comedia. Pero me costó. En esos diez años que tardé en hacer otra película todo cambió, la comedia se volvió más comercial, creo que era más fácil y todo el mundo quería hacer una. Después de Mecánicas me ofrecieron Woman on Top en Estados Unidos y me llamó la atención ver cómo era la industria cinematográfica americana por dentro. Nunca quise ir a Hollywood, el cine europeo era lo que me interesaba, pero me llamó la atención por la diferencia, y todo parecía tan fácil allá, porque cuando estás arriba en la ola todo el mundo te quiere. Puedes decir “el cielo es azul” y te dicen que eres un genio.

—¿Y qué tal resultó la experiencia hollywoodense?

—Realmente, prefiero hacer mis películas independientes. A mí me trataron muy bien, pero la industria americana, por la crisis, también se ha cerrado mucho y el cine independiente está menos independiente. Ahí sí estás bajo la férula de los productores, ahí sí tienes control y no es ideológico, es comercial, que es mil veces peor. Con un control ideológico tú puedes meterte entre las rendijas y tener metáforas, pero con un control económico no hay nada qué hacer. ¡Quita eso porque no es comercial! Eso es muy doloroso para uno como artista.

—Ha explorado temáticas totalmente opuestas a las que suelen asociarse al cine nacional –violencia, miseria-, ¿se planteó romper esquemas con trabajos de corte intimista?

—Nunca me planteé romper con nada. Uno cuenta las historias que tiene por dentro, de su propia experiencia de vida, de sus costumbres, de su visión de mundo, de lo que le emociona a uno. Sí conocía los barrios porque cuando estaba en la universidad hice trabajo allí, pero nunca sentí que los conocía lo suficiente como para poder expresar algo. Ahora, Oriana es algo que me es profundamente personal. Yo nací en los cincuenta, todavía en esa época quedaban rezagos de esa Venezuela, por mis abuelos, por mis tías abuelas… Mi familia Torres era una familia muy venezolana, eran de Coro, muy tradicionales. Oriana era algo absolutamente marcado en mis genes, en mi memoria.

—¿En que se inspira para desarrollar personajes tan disímiles como Oriana, Celeste o el Jorge de Habana Eva? ¿Observación, pura ficción o hay algo de su propia vida en ellos?

—Hay una frase que me fascina de Borges, que es uno de mis escritores favoritos, y es que la imaginación no es más que una función de la memoria. La Celeste de Mecánicas celestes era un personaje que yo conocía, claro, yo la exagero. Me inspiro a veces en un personaje o de la confluencia de varios personajes y hago uno; por supuesto, le agregas cosas, pero esas cosas siempre vienen de alguna parte.

—El universo femenino está presente en todas sus películas, ¿casualidad o es ese el lado en el que desea profundizar como realizadora?

—La respuesta es súper simple: Yo soy mujer y uno quiere expresar sus realidades, sus frustraciones, sus inquietudes, sus preguntas. Además, yo de chiquita sufrí mucho porque mis hermanos varones, que eran mayores, podían hacer una cantidad de cosas y yo no. ¿Por qué? Porque ellos son hombres y tú, mujer; me daba una rabia, entraba en crisis porque era injusto y tenía apenas unos cinco o seis años. Me imagino que en mis películas está la búsqueda de esas respuestas.

—¿Cómo definiría su estilo para dirigir? ¿Da libertad a los actores o sigue el guión al pie de la letra?

—Soy súper estricta. Hago mucho trabajo de mesa, cada cual lee y voy tomando nota de las frases que suenan bien escritas, pero que cuando las pones en boca no sirven; allí afinamos el guión y una vez que está montado tienen que seguirlo. Me disgusta esa tendencia del naturalismo, que no sirve para nada en cine, eso de que le agregan coletillas antes y después a las frases. Un diálogo tiene mucho más impacto cuando es simple y puro, y ese es el reto del cine, hacer que parezca natural y normal y cotidiano, pero que no lo sea, que sea bien depurado y bien limpio.

—¿Qué temas de Venezuela cómo país le parecen interesantes para reflejarlos como escenarios de sus historias?

—Estoy trabajando en un guión que sucede en el siglo XIX, durante la guerra de independencia, pero no es un fresco histórico ni una película épica; es un drama psicológico, muy intimista, muy abstracto, pero con un personaje de ese período. Justamente, ahora que ya trabajé en Estados Unidos, que hice una película de una venezolana en París, una brasilera, una habanera, tengo muchas ganas de trabajar la realidad venezolana. Creo que tengo suficiente tiempo afuera como para regresar y tener una visión más profunda y más integral.

Perfil de Josefina Torres Benedetti

Fecha de nacimiento: 9 de octubre de 1951.

Lugar de nacimiento: Caracas.

Estudios realizados: Fotografía, Comunicación Social en la Universidad Católica Andrés Bello (dos años) y Cine en Institute des Hautes Etudes Cinématographiques de París, Francia

Primer trabajo: Foto-reportera en Séptimo día (El Nacional) junto al periodista Plinio Apuleyo Mendoza, a quien considera un maestro.

Filmografía: Oriana (1985), Mecánicas celestes (1994), Woman on Top (2000), Habana Eva (2010).

Hobbies: tenis, lectura (literatura venezolana y universal), asistir a conciertos de música clásica.

Cine preferido: de lo clásico, Ingmar Bergman, Michelangelo Antonioni y Fritz Lang; de lo contemporáneo, prefiere el cine independiente chino, escandinavo o hongkonés.

Actriz favorita: Meryl Streep, por su versatilidad e inteligencia.

Última película que la conmovió: Precious.

Mílitza Zúpan

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Entrevista publicada en la revista PRODUCTO (

www.producto.com.ve), edición de agosto de 2010.

Imagen: Fina Torres en el set de Woman on Top, tomada de allmoviephoto.com

El hombre de los retratos

2010-09-01T09:57:00.012-04:30

Posee una de las miradas más interesantes de la fotografía venezolana y un extenso archivo de imágenes sobre la cultura latinoamericana; tras casi 40 años dedicados al oficio, Vasco Szinetar continúa inmortalizando figuras con su lente, creando discursos visuales, haciendo memoria y compartiendo experiencias, sus ideas parecen no agotarse

El nombre de Vasco Szinetar parece ser inherente a la palabra retrato: no puede hablarse de uno sin pensar en el otro. Aunque en un principio ni siquiera él mismo tenía claro que era esa su vocación y había hecho estudios de cine en el International Film School de Londres, sin buscarlo, empezó a hacer fotos para El Nacional y ya son casi 40 años dedicados a inmortalizar a personajes nacionales e internacionales del mundo político y cultural dentro de un cuadro.

Reconoce que, de alguna manera, el entorno familiar en el que creció influyó en sus inclinaciones. “Desde pequeño estuve muy vinculado al mundo de la política, de la cultura y para mi eran como unos arquetipos, unos personajes de admiración. Yo comencé a hacer retratos porque decidí retratar a los escritores de este país. Era gente que yo admiraba, yo escribía, quería hacer cine y me parecían una maravilla. Me dije: voy a retratarlos”.

Joan Manuel Serrat, Mario Vargas Llosa, Geraldine Chaplin, Salman Rushdie, Jon Anderson Lee, Antonio López Ortega, Sergio Dahbar, Rolando Peña, Luis Britto García, Yolanda Pantin, Eugenio Montejo, Rafael Caldera, Carlos Rangel, Sofía Imber, Jacobo Borges, Gego, Carlos Fuentes, Fernando Savater, Rosa Montero, Tomas Eloy Martínez, Teodoro Petkoff, Ramón J. Velásquez y César Miguel Rondón son sólo una pequeña muestra de la variedad que ha posado frente a su lente. “La vida me ha permitido centrarme en eso, hacer una obra y tener un archivo de la memoria sumamente importante para el país y para Latinoamérica”, dice.

La fotografía y hacer retratos, más que un oficio, han sido un modo de vida. Szinetar recuerda que en una época iba a todos lados con una tela para crear situaciones; hoy no la lleva, pero saca provecho a cualquier elemento que encuentre en escena. También confiesa sentir fascinación por los muros porque tiene la idea de que seguro le van a “servir” para algo. En su opinión, el fotógrafo construye un discurso con imagen, por eso dirige a sus retratados y no deja espacio a la espontaneidad. “La gente tiene un imaginario de cómo debe salir en la foto. ‘¿Me río?’, me preguntan. ‘No, no haga nada’, les digo. Cuando haces un retrato te enfrentas a la posteridad”.

La irreverencia también ha sido un rasgo del trabajo de Szinetar, quien rompió esquemas con Frente al espejo, una de sus series más celebradas, no sólo por la calidad de los personajes fotografiados: él mismo es protagonista de sus imágenes. Cuando empezó a realizar este trabajo en los años setenta, le decían que lo que quería era estar entre famosos, pero luego se hizo evidente que tenía un propósito. “Creo que es una forma de dar testimonio de uno mismo a través del tiempo, como un diario, una biografía; es como un periplo a través de mi mismo. Al verme siento que me deterioro, pero me siento muy bien conmigo mismo”.

El modus operandi en Frente al espejo es llevar a su “víctima” al baño más cercano y juntos posar de cara al reflejo. Es difícil imaginar cómo un desconocido con una cámara puede haber convencido a Jorge Luis Borges, Dizzy Gillespie, Marcel Marceau o José Saramago de que lo acompañaran en su travesura; él se reserva el secreto, “es un acto de seducción”.

Aunque Vasco Szinetar pertenece a una generación que se formó con película y revelado, no tuvo ningún prejuicio al cambiarse al formato digital: para ser un buen profesional hay que ajustarse a la tecnología y dejar la nostalgia en otros derroteros. Más que con técnica, para él la fotografía tiene que ver con expresión y discurso.

“El hecho de que se tomen fotografías no quiere significar que todos son fotógrafos o artistas. Al final, termina prevaleciendo el mundo de los profesionales, ése es el que se mueve en el mercado”, dice sobre el auge fotográfico que ha surgido gracias a los avances tecnológicos. “El hecho de que existan miles de cámaras maravillosas, no quiere decir que existan miles de profesionales. Todo el que tiene una cámara puede tomar maravillosas fotos porque el ser humano desarrolla la mirada. Un niño puede tomar una foto maravillosa, cualquier persona lo puede hacer, pero realizar una obra es otra cosa. Eso es establecer un discurso y no tiene que ver con que tomes buenas fotos, la obra no se da en función de eso, sino en base a la complejidad, al discurso, a otra serie de valores y elementos”.

Desde hace un buen tiempo es uno de los directores de la Fundación para la Cultura Urbana -organismo que es parte de Econoinvest y vive “un momento muy particular”-, y hoy sus días transcurren entre Caracas y Mérida. Tras dar clases en la Universidad de Los Andes, se ha animado a desarrollar un seminario, soportado en el tema del retrato, para darlo en ambas ciudades y así compartir la experiencia de la fotografía con estudiantes.

Pero, si bien el retrato ha sido su fuerte a lo largo del tiempo, hay otras búsquedas. Justo ahora trabaja en un proyecto conceptual en el que mezcla fotos familiares o tomadas por él y las interviene con textos. Por ejemplo, la foto de su tío Alirio Ugarte Pelayo, “que fue un político importante de los 60 y en una rueda de prensa pide un permiso y se suicida”, la ensambla con cartas familiares, hojas de diarios, textos de Cesare Pavese o una frase de Marguerite Yourcenar. “Sí, hay otro tipo de trabajos que están allí y se están desarrollando de una manera silenciosa”.

En un tiempo, para Szinetar exponer era una experiencia emocionante y la vivió en importantes salones nacionales e internacionales; era significativo porque sentía que su obra dialogaba con otras obras y se iba abriendo un camino. En la actualidad no tiene tantas expectativas al respecto: exponer es más normal y menos sorprendente.

“Para mi en estos momentos lo más importante son los libros. Los libros tienen una mayor posibilidad de circulación; las exposiciones terminan siendo eventos efímeros, en cambio, el libro tiene una mayor perdurabilidad. Tienes una lectura más silenciosa, tranquila, puedes reflexionar”.

Sesenta retratos, imágenes de la literatura venezolana (Monte Ávila, 1987), Re-tratados. España, 1974-2003 (FCU, 2004) y Periodistas (Cyngular, 2009) son los títulos que ha publicado hasta ahora, además de haber hecho innumerables colaboraciones editoriales. “Ahora estoy desarrollando varios proyectos de libros. Uno es para Colombia; desde el año 79 estoy retratando a los colombianos, a los grandes escritores, artistas y políticos, como Fernando Botero, Álvaro Mutis, César Gaviria, Antanas Mockus, Gabriel García Márquez”. Otro de sus planes es llevar al papel Frente al espejo, y ya lo propuso a una editorial.

Puede creerse que, una vez publicado, se cerrará el ciclo de Frente al espejo, sin embargo, Vasco Szinetar aun fantasea con llevar al baño a uno de los personajes que más admira: Woody Allen. También sigue lamentando las carencias de la serie, esas personas que pudo tener frente al espejo y no lo concretó, como Samuel Beckett, a quien un amigo le iba a presentar estando en Francia, pero él tenía que irse a España y perdió el chance; “es de esas cruces que llevo en mi corazón”.

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Reflexión

Esta entrevista fue publicada en la edición aniversario de la revista PRODUCTO (julio 2010), y la he elegido para retomar el blog, tras un período de descanso, por varias razones. Desde hace tiempo admiro el trabajo de Vasco Szinetar y, luego de conocerlo, escucharlo y conversar con él, me pareció un sujeto súper interesante y, especialmente, sencillo, cosa que no necesariamente ocurre con todos los entrevistados que me generan expectativas.

Por cosas de la vida, tengo algunos años vinculada al tema fotográfico y sí, desde mi posición de espectadora-no fotógrafa, he conocido y disfrutado muchos trabajos en los que hay mística, disciplina, experiencia, inquietudes, profundidad. Últimamente, desde ese mismo punto de vista, también me he vuelto algo crítica sobre el asunto: creo que la tecnología y sus facilidades han hecho que los fotógrafos se reproduzcan como conejos y ahora cualquiera que domine cierta técnica se autoproclama profesional.

La fotografía es mucho, muchísimo más que lograr imágenes estéticamente perfectas o reflejar alguna polémica que haga ruido. Así como cualquier otro arte, tiene que ver con la esencia del individuo, convicciones, impronta y, sobre todo, con compromiso. Por eso me entusiasma tanto que la cabeza de alguien como Szinetar esté llena de proyectos.

Las imágenes, por supuesto, son de Vasco Szinetar: auto-retrato, con Miguel Otero Silva (1984) y con Fito Páez (1994)

Trazos ochentosos

2010-06-14T21:50:00.004-04:30

Mi mamá estuvo organizando su oficina el fin de semana y se encontró con esta sorpresita añeja: un dibujito que le hice en una de esas tardes en las que me llevaba de visita. Hoy lo escaneó y me lo envió, y me ha hecho recordar lo divertido que era ir a pasar el rato jugando allí con todas las maravillas que había: marcadores, engrapadoras, sellos, hojas de contabilidad, abrehuecos, máquinas eléctricas, carpetas, resaltadores, tijeras, cinta adhesiva, calculadora... y lo mejor era que te sentías "grande". ¡Ir al trabajo de mi mamá era lo más!

Mi gran obra no tiene fecha pero, por la estética ochentosa, presumo que la haría a mis 9 o 10 años.

Los contrastes de Pavel Bastidas

2010-05-25T19:26:00.004-04:30

Es de hablar disperso, sobre todo si se trata de conceptualizar; las palabras no son su fuerte y él lo sabe, por eso evita las entrevistas. Con el lenguaje de las imágenes es otra cosa; allí si es perfectamente capaz de decir con precisión lo que está en su cabeza y De mentiras y realidad es prueba de ello.

A Pavel Bastidas le molestan las imágenes manipuladas, esas mismas de las que se vale la publicidad para vender a los simples mortales todo tipo de bondades empaquetadas o milagros posibles. Para él los retoques son tan descarados que, más que embelleciéndolas, terminan deformándolas. Pero esta historia no comenzó con la era del photoshop, sino mucho antes.

Por los años ochenta Bastidas comenzó un proceso de observar, explorar y profundizar en ese asunto de mostrar seres perfectos en avisos y vallas y de cómo los seres comunes y corrientes, esos que andan en cualquier calle o avenida, ansiaban esa perfección que jamás alcanzarían. Porque esa es la verdad: los “normales” nunca serán como los protagonistas de los anuncios publicitarios.

La tarea que se asignó lo levó a recorrer calles de San Francisco, Barcelona, Madrid, París y Caracas, entre otras ciudades, siempre con el lente en mano esperando el momento justo, ese en el que se encontraran frente a frente las mentiras y la realidad. Luego de años pisando el obturador, revelando y copiando –es de los que aun son totalmente fieles a la película-, armó una serie de fotografías en las que se vive esa contraposición.

Con el nombre de De mentiras y realidad se presentan 20 imágenes en blanco y negro que no sólo hablan del choque entre lo irreal y lo terrenal, también dicen mucho de su autor: Un fotógrafo que busca realismo, paradojas y contrastes en la calle, sin poses, sin planificación, simplemente aprovechando oportunidades.

Abierta hasta el 9 de junio en Oro Café Bistró Galería (Av. San Felipe, Torre Coinasa, MZ, La Castellana).

Culpable

2010-05-25T17:58:00.003-04:30

Las ropas en el suelo, las lágrimas en su rostro, el alcohol en su piel… la escena de siempre. Hace 10 años habría saltado a consolarla al encontrarla así, habría entendido su dolor y llorado junto a ella, pero hoy la vergüenza, la rabia y el desprecio me paralizan. Ni siquiera este viaje –idea suya, por cierto-, el hotel con las cinco estrellas y la ciudad por conocer le han hecho olvidar y pensar un poco en mí.

“¡Nos vamos de vacaciones darling!”. La recuerdo mirar mapas, cuadrar itinerarios, hacer reservaciones, contagiarme con su entusiasmo. “Un viaje sólo para los dos mi amor, ese que tanto nos merecemos. Sólo tú y yo, darling”. Siempre confío en ella, en sus ojos, en su sonrisa -esa que me seduce-, y por eso aquí estoy, viviendo ese déjà vu que no me abandona en mi habitación de hotel.

La memoria sabe hacer jugarretas; los años de manipulaciones, gritos, decepciones y sufrimientos se me escondieron, aún no sé en dónde. Ella es la mujer que no puede ser feliz, y yo soy el tonto que la perdona y le da otra oportunidad. Y eso no cambia, no es posible.

Mirarla me da nauseas. Su cuerpo ya no es el mismo, aunque ella se empeña en no notarlo: la gravedad y los años hacen de las suyas. Las sábanas contrastan con su maquillaje y las manchas de vino. La cama parece tragarse ese amasijo de cabellos, piel y sudor que se retuerce mientras gime, maldice y me reclama, porque sí, porque yo soy el culpable de todo… mejor dicho, él y yo.

A pesar de su “felicidad” y del desfile de amantes, sus lágrimas son de él, de ese que no la valora, que no quiere verla, que no la respeta y que tiene 17 años sin llamarla –y nunca volverá a hacerlo-. Y yo que también lo odiaba por lo que nos hizo, pero, ¿cómo no querer escapar de la miseria que le esperaba?

Ella está atrapada en el tiempo, aferrada a lo que no fue. Ahora es cuando lo comprendo y la claridad me aturde. Mañana cumplo 18 años, quizás es tiempo de comenzar mi propia vida, sin ella, sin sus complejos. La miro, abro la puerta, titubeo, me devuelvo, le alcanzo una manta, la cubro y me siento a su lado a consolarla. Sí, soy el cobarde que no se atreve a decir “hasta nunca mamá”, y eso no cambia, no es posible.

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Ejercicio #3: Un adoslecente llega a su cuarto en un hotel y encuentra un cuerpo desnudo; sin calificativos, tiempo presente.

Imagen: Mujer llorando, Fernando Botero

Tchaikovsky por siempre

2010-05-07T12:33:00.008-04:30

Tchaikovsky es uno de mis primeros acercamientos a la música clásica o académica. Tendría unos 2 o 3 años cuando ya me emocionaba con sus acordes, mientras Vladimir, mi tío, me narraba las historias que significaban. Por supuesto, El cascanueces era uno de los momentos más esperados de cada Navidad.

Aun disfruto escuchando La bella durmiente y, especialmente, El lago de los cisnes, y de este último guardo intacto el recuerdo del montaje que disfruté hace unos 10 años en el Teresa Carreño. En aquella oportunidad, el ballet tuvo como invitado especial al bailarín español Igor Yebra, quien vistió la piel de Sigfrido, el príncipe engañado por el mago Rothbart.

A propósito del motivo que adorna el home Google hoy: 170 años del compositor ruso.

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Imagen: El lago de los cisnes representado por English National Ballet en Taipei, 2006. La foto es de Reuters

Pequeños a la moda

2010-04-29T09:59:00.020-04:30

Los padres que estaban cansados de vestir a sus hijos con modelos convencionales y que si querían ropa y accesorios diferentes tenían que comprarlos fuera del país, ahora tienen atractivas opciones a su alcance. Diseñadores venezolanos han emprendido proyectos que se alejan de los típicos rosados y azules o balones y florecitas, arriesgándose con piezas que, sin ser más de lo mismo, tienen encanto y, muy importante, son infantiles. Se trata de propuestas bien diferentes entre sí, pero todas tienen algo en común: la dedicación con que las realizan, el cuidado que les ponen a los detalles, ingenio y calidad

Para niños irreverentes
KÚA

Buscando dar una respuesta a quienes quieren cosas diferentes a la hora de vestir a sus hijos, surge Kúa. “Es una marca urbana, bien trendy, que está dirigida a quienes tienen un gusto especial, no tradicional. Es alejarnos un poco del rosado, de los ositos, de todas esas cosas”, dice Natalí Marcano quien es una de las artífices del proyecto, junto a su hermana Tania y su amiga Sandra Vidal.

La naranja mecánica, Bob Marley, un joystick y audífonos de DJ son algunos de los motivos que protagonizan sus franelas, las cuales, en el tiempo que llevan en el mercado –hace poco más de un año- han causado furor, y eso no es casual: Antes de crear la marca, las tres se dedicaron a buscar información entre padres sobre sus inquietudes en materia de moda, y se dieron cuenta de que muchos, para tener algo diferente, tenían que comprarlo afuera.

El hecho de que las tres estén relacionadas al diseño –Tania y Natalí al de moda, Sandra al publicitario- ha aportado versatilidad a la marca, y a su primera producción de franelas y sweters han ido sumando piezas, como falditas tipo tutú y morrales, loncheras y carteritas. Pronto lanzarán una nueva colección, también confeccionada con ingenio, materiales de calidad y cuidando todos los detalles. “La idea es que se sientan cómodos vistiendo ropa divertida”.

kuaonline@gmail.com
0424.1374536
FB Kua ropa para niños

Diversión hasta en la hora de dormir
BURUNDANGA

Un nombre que a nadie resulta indiferente y diseños llamativos en colores contrastantes son las características del proyecto que crearon los diseñadores Daniel Rinaldi y Alyna Izquierdo hace tres años: BurunDanga Design. Su intención era hacer productos originales y de buena calidad para chicas, niños y niñas.

“Los niños son un medio que nos encanta. Era un mercado que no había atacado ninguno de los diseñadores y nos arriesgamos, ya que es un público que está sujeto a muchas críticas y no es fácil. ¡Pero hemos tenido buena receptividad!”, cuenta Daniel.

Las franelas y pijamas con pollitos enormes como figura principal han cautivado a grandes y chicos a primera vista; también los tienen en chapitas y calcomanías. Más adelante lanzarán una nueva colección, prefieren tomarse su tiempo y hacer algo novedoso y atractivo, “así que nos esmeraremos en la selección de diseños y en la presentación de los nuevos productos”.

www.burundangadesign.com
burundangadesign@gmail.com
FB burunDANGA

Pasitos con personalidad
HOT CHOCOLATE DESIGN

Decir Hot Chocolate Design en voz alta puede significar locura femenina colectiva, pues sus zapatos, mejor conocidos como “Chocolaticas”, vienen desatando pasiones desde hace 6 años. Hace unos meses la locura se extendió hasta las pequeñas con la aparición de las flamantes Minichocolaticas, pero la historia no termina allí, y en cuestión de días las bebés también delirarán por las suyas cuando lancen las Baby Chocolaticas, el invento más reciente de la marca.

Detrás de HCD, marca pionera en lo que hoy se conoce como el movimiento de diseño venezolano, están Carolina Aguerrevere y Pablo Martínez, diseñadores, esposos y padres de un bebé; ser padres ha enriquecido su visión y, próximamente, también tendrán piezas para varones. “Queremos abrirnos a otras cosas, ahora entendemos más ese mundo y nos gustaría hacer franelitas, monitos, baberos diferentes a lo que puedes encontrar en las tiendas normales. Estamos en eso”, explica Carolina.

www.chocolaticas.com
FB Hot Chocolate
@HotchoColateD

Diseños poderososSTELLABLU

Eduardo Capuano es diseñador e ilustrador, y es común verlo haciendo trazos en cualquier papel. En mayo del año se decidió a materializar todas esas formas cuando, junto a su socia, Berna Labartino, creo Stella Blu, marca que, por ahora, produce franelas. Su meta es crecer y producir lencería para chicos, juguetes, sweters, piezas utilitarias… “todo lo que se nos ocurra y encaje en el concepto”.

“Cuando la gente vio las franelas de adultos nos preguntaba que si teníamos tallas de niños, y ya en el segundo lote incluimos modelos infantiles”, dice Capuano. Y es que con echar un vistazo a los diseños de Stella Blu es suficiente para darse cuanta que estamos frente a algo poco convencional: han creado una serie de animales que llevan mensajes de paz, además de hacer reinterpretaciones de personajes como Batman, Wolverine, Spiderman y el Mago de Oz.

Lo mejor es que se han notado cómo los pequeños quedan enganchados con sus imágenes. “A los niños les ha gustado muchísimo. De hecho, cuando hemos estado en ferias, muchas ventas se han hecho porque, la mamá sigue de largo, pero el niño se queda pegado viendo. Nos hemos dado cuenta que a ellos les gusta el estilo de lo que hacemos”.

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stellablu-art.blogspot.com

En sintonía con la naturaleza

BARADUO

“Un dúo hecho de la nada”. Esa podría ser la traducción de BaráDuo, diseños inspirados en la naturaleza realizados por Adriana Rodríguez, quien comenzó la aventura de hacer ropa hace seis años; en el proyecto la acompaña su madre, Xiomara Magdaleno de Rodríguez, encargada de todo lo que se refiere al manejo del negocio.

Recientemente, muchas de las piezas de BaráDuo aparecieron en pequeños formatos, “surgió cuando empecé hacer camisas para embarazadas y allí pensé, ¿por qué no hacer ropa para la mamá y la hija?”. Inicialmente la idea era hacer los mismos diseños para que las chiquitas pudiesen vestirse igualitas a mamá, sin embargo, Adriana ha incorporado motivos infantiles, especialmente con animales. De esta manera, las nenas pueden lucir pañoletas, sombreros, bufandas, sweters, vestidos y, muy pronto, faldas.

Esa oda a la naturaleza que Rodríguez viene haciendo través de sus diseños busca sensibilizar un poco a quienes los usen, “no es lo mismo una pieza que te cuente algo a una que te pongas y ya. Es recordar todos esos elementos que podemos tomar de ella, como una protesta pacífica”. Y ahora las más pequeñas también serán participes del mensaje.

Taller-Tienda: calle Herrera Toro, Qta. Fontanarosa, Los Naranjos de Las Mercedes.714 31 33www.BaraDuo.com
FB BaráDuo Indumentaria

Accesorios dinámicosMAMAMA

Motivadas por su maternidad, hace dos años las hermanas Claudia y Valentina Delgado, educadora y administradora respectivamente, crearon una moderna línea de accesorios de bebes llamada mamama. “Cuando una es madre por primera vez, descubre un mundo maravilloso que era totalmente desconocido, y así fue”, recuerda Valentina.

“Somos muy prácticas y no nos sentíamos muy identificadas con los accesorios de bebés que vimos en el mercado; en ese momento empezamos a pensar en piezas que fueran prácticas, diferentes y modernas, que las usáramos con entusiasmo, que nos provocara lucirlas”, y mamama es el reflejo de esas necesidades. Hasta ahora han diseñado cambiadores de bebe, baberos, bolsitos para chupón y bolsos de coche, y en los próximos 2 meses vendrán novedades.lineamamama@gmail.com
0414-301.71.17
0414-235.96.99
FB mamama

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Versión completa del texto publicada en la revista Eme del 29.04.10

El dedo

2010-04-10T21:26:00.006-04:30

Versión libre del micro relato de Feng Meng-lung

José Cordero era un pobre diablo, de esos tontos que parecen haber nacido para perder. Por eso no me extrañó saber que la bicha con la que se casó le pidió el divorcio y lo dejó en la calle, literalmente.

Un día llegó a mi casa con una extraña historia. Me habló de que se había topado con un amigo de infancia y que éste, al saberlo tan mal, le había ofrecido su ayuda. Mi esfuerzo por contener la risa fue sobrehumano cuando me contó que el fulano amigo había convertido un ladrillo en oro al tocarlo con el dedo. ¡En oro! Por favor…

—Me lo regaló, pero le dije que eso no era suficiente. Entonces tocó el banco en el que estaba sentado, ¡y se volvió dorado! Ese también me lo ofreció.

—Y supongo que con eso resolviste tus problemas…

—¡No! ¡Le pedí el dedo!

El infeliz sacó una bolsita de terciopelo negro de su bolsillo y de su interior tomó una especie de cilindro de aspecto raro que en uno de sus extremos lucía una uña. Y es que no sólo lo había mandado a embalsamar: frente a mis ojos lo agarró cual varita mágica, tocó mi florero y, en el acto, lo transformó en el macizo y brillante metal precioso.

Sí, José Cordero era un pobre diablo, de esos tontos que parecen haber nacido para perder. Por eso tampoco me extraña que su cuerpo descanse dos metros debajo del rosal de mi jardín que, por cierto, he decorado con una pérgola de oro.

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Imagen: Pergola II de la galesa Nerys Levy.

Shutter Island y el regreso del suspenso decente

2010-04-06T16:47:00.004-04:30

Cuando recibí el material promocional de La isla siniestra, pasé al siguiente mensaje; un título como ese me hacía pensar en ese cine de susto fácil, abundante en mounstritos y efectos especiales. Luego, me tomé un momento para revisar de qué trataba el asunto, y entonces descubrí que su verdadero nombre era Shutter Island, que era de suspenso y la dirigía Martin Scorsese. Esa fue la primera señal de que el bautizo en español no le hacia honor.

Con Scorsese he vivido todas las etapas de una relación: el romance -Taxi Driver, Goodfellas, Cape Fear-, la indiferencia -Gangs of New York-, el desprecio -The Aviator- y la dulce reconciliación –The Departed-. Saberlo en un género prácticamente no explorado por él o, digamos, no de esa forma –muy psicológica-, me disparó la curiosidad.

En el reparto encontré otras razones para ir a verla. Si bien el gran nombre es el del chico Scorsese, Leonardo DiCaprio –como lo fue De Niro en algún momento-, a su lado están el siempre bueno Ben Kingsley y Mark Ruffalo, actor totalmente dual que ha pasado por ligerezas tan extremas como View from the Top, 13 Going 30, Rumor Has It o Just Like Heaven, pero como contraparte tiene particularidades como In the Cut, Eternal Sunshine of the Spotless Mind o Zodiac. Tampoco estaba nada mal ver al señor Max von Sydow y al revelador Jackie Earle Haley, mejor conocido como el sádico de Little Children o el Rorschar de Watchmen.

Por último, esa historia, la de un par de detectives (DiCaprio y Ruffalo) que en los años 50 van a investigar la desaparición de una paciente en un manicomio creado especialmente para criminales y ubicado en una isla, está basada en la novela Shutter Island de Dennis Lehane. Este autor bostoniano es experto en crear situaciones de esas que te hacen cuestionar qué es realmente lo correcto o, mejor aún, si realmente existe lo correcto; Mystic River y Gone Baby Gone son otras de sus novelas versionadas en celuloide. Sí, ver la película era una necesidad.

Shutter Island es de esas historias en las que nada es lo que parecer ser y la inesperada verdad es revelada al final, de hecho, no es innovadora y ese recurso al que apela, el gran dato escondido, ha sido usado antes; recordemos The Sixth Sense y The Others, por citar un par de nombres contemporáneos. Sin embargo, el que sea una herramienta ya existente no quiere decir que cualquiera sepa usarla, y es aquí cuando sale a relucir la maestría de Scorsese.

Desde el comienzo, la película es contrastante. Si bien inmediatamente atrae como un imán, hay detalles chocantes o forzados, como el carácter siempre exaltado de Teddy Daniels (DiCaprio), el cómo y por qué fue a la isla y sus “métodos” de investigación. La eterna cara de sorna del policía que los guía, el irrisorio forcejeo de Teddy con el doctor Naehring (von Sidow) o que la desaparecida Rachel Solando viviera en una caverna prácticamente inaccesible para cualquier mortal, también pueden hacer creer que se trata de esos filmes aderezados con elementos inverosímiles y ya. Per el asunto va por otro lado, y todas esas cosas que en algún momento hacen dudar del valor de la cinta tienen una buena explicación.

A Scorsese –y a Lehane- no se le escapó ningún detalle. Todo en Shutter Island tiene una razón de ser o de estar, aquí nada es de gratis. A lo largo del filme hay todo tipo de pistas y referencias a esa gran verdad que se oculta tras la supuesta investigación y venganza de Teddy -como la torpeza de Chuck (Ruffalo) al entregar su “pistola” o sus persuasivas sugerencias sobre los planes de su compañero-, pero son presentadas tan sutilmente que es sólo al final cuando el subconsciente de quien las ha estado presenciado empieza a rebobinar y arma la gran trama.

En esta oda a la locura presentada a través de personajes llenos de matices, música protagónica y cinematografía que nos traslada a otros tiempos, a diferencia de otras historias de finales reveladores, hasta el último momento hay dudas, incluso después de que el doctor Cawley (Kingsley) da la magistral explicación. ¿Está loco Teddy o realmente hay una componenda en su contra? ¿Todo el conflicto está en su mente o se trata de los malvados tentáculos del gobierno? Sólo en su último intercambio de palabras con Chuck es que comprobamos la verdad, esa misma que nos estuvo golpeando en la cara desde el principio.

Compromiso con la libertad individual

2010-03-23T17:53:00.004-04:30

La novela más reciente de Fedosy Santaella, para muchos, representa fielmente el caos social que se vive en la Venezuela actual; sus intenciones distan mucho de la denuncia política, sin embargo, reconoce que es difícil que sus letras sean ajenas a la realidad

Teofilus Jones vive en un país gobernado por el Soberano Supremo Omnipresente y Omnipotente en el no llueve, los embalses están vacíos y el agua y la electricidad son privilegio de pocos. Allí los extranjeros han preferidos retornar a sus respectivos países de origen, la burocracia está a la orden del día, no existe la prensa, tampoco el derecho a elegir la profesión ni la carrera a estudiar y, por decreto presidencial, los funcionarios públicos –entre otros ciudadanos- fueron declarados clones.

Cuando salió al mercado Las peripecias inéditas de Teofilus Jones no se hicieron esperar las opiniones de quienes encontraban similitudes entre ese escenario donde se desarrolla la historia del agente Jones y la realidad venezolana. Pero, si alguien piensa que la intención del autor era reflejar nuestra situación actual, se equivoca: Fedosy Santaella empezó a escribir la novela hace unos 8 años y la terminó hace 2, de manera que, cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.

“Básicamente lo que quería era mostrar la situación de un país imaginario, cómo sería el futuro en un país latinoamericano”, recuerda Santaella. “Quería contar una historia que siguiera la tradición de los grandes dictadores latinoamericanos pero, evidentemente, uno tiene que preguntarse cómo son esos grandes poderosos de la actualidad porque no puedes seguir contando sobre el dictador que fue Pinochet o La fiesta del chivo de Vargas Llosa”.

Aunque su intención no haya sido hacer una denuncia, Santaella reconoce que ningún escritor escapa del compromiso, pues éste es un ente social y cultural; por ende, es imposible que se desligue de la ética en lo que está escribiendo y que, de alguna manera, la sociedad en la que vive se vea reflejada en su obra. “Ahí, en esa necesidad de contar un continente, una situación actual, un país que está de algún modo sometido a lo que yo considero una nueva especie de tirano político, entra la realidad actual”.

Otra consecuencia de ese rol del escritor en la sociedad es que sea un crítico del entorno e, inevitablemente, hay algo de eso en el libro. “Sí, hay crítica a la estupidez del poder, a la prepotencia del poder. Un buen lector se dará cuenta, además, que no es una novela ni de oposición ni del gobierno. Esta novela es un compromiso conmigo mismo, con la literatura, con el arte de contar historias y con la libertad individual”, reflexiona.

El tema del compromiso da pie a conversar sobre la decisión que tomó cuando varios autores venezolanos decidieron retirar sus obras a concursar por el Premio Rómulo Gallegos de 2009 al cuestionar la autonomía del jurado: continuar. Aunque muchos lo criticaron, el escritor consideró que tampoco había que ceder espacios y dejar todo en manos de un solo sector.

“¿Nos vamos a salir todos y le vamos a dejar el premio a un solo sector político? Es exactamente el mismo ejemplo de lo que ocurrió con la Asamblea Nacional, cuando toda la oposición salió en cambote y se la entregó totalmente al chavismo. Parece que no queremos aprender de nuestros errores; era una crítica radical y furibunda porque yo dije que me quedaba. Creo que no necesariamente todos tenemos que pensar de la misma manera con respecto a un hecho o una actitud de poder, ni tenemos que hacer lo mismo para luchar contra eso”.

Tampoco los lectores deben pensar que estamos hablando de un escritor que se ha dedicado a generar polémica con su obra. La versatilidad es una de las características de Fedosy Santaella, quien se ha pasado por diversos géneros literarios como los libros de cuentos El elefante, Cuentos de cabecera, Postales sub sole (ganador en la Bienal Latinoamericana José Rafael Pocaterra) y Piedras lunares (muy elogiado por la crítica especializada); los cuentos para chicos Fauna de Palabras e Historias que espantan el sueño; y las novelas Rocanegras (de la cual se agotó la primera edición) y Las peripecias de Teofilus Jones. Por algo es considerado una de las plumas más interesantes de nuestra literatura actual.

La constancia y calidad en sus letras fueron reconocidas cuando fue seleccionado para participar en el Programa Internacional de Escritura de la Universidad de Iowa el año pasado. Para él, el mayor aporte que le brindó esta experiencia fue entender que el oficio del escritor es serio y respetado, así como también le hizo ver que acá todavía hay mucho trabajo por hacer.

Ahora Fedosy Santaella vive un proceso evolutivo y, tras terminar su reciente novela, se tomará una pausa, pues no tiene claro cómo será su próxima aventura literaria. Mientras, continúa su trabajo como docente universitario y coordinador de diversas ofertas de estudios literarios; éste es, quizás, su mejor aporte para colaborar con la formación de buenos escritores en el país: que cada vez haya más y mejores opciones académicas es esencial para lograrlo.

“Lo ideal es que la gente trabaje en los talleres, que escriban… No se puede enseñar escritura creativa solo por teoría. Pero hay quienes dudan que se pueda enseñar a escribir y entonces solo les dan la teoría y a los trancazos, con poca fe y eso hace mucho daño. Si esa basura va saliendo y va quedando realmente la pasión por enseñar la escritura creativa a través del trabajo constante, creo que podremos obtener mejores resultados”, explica.

Si bien es un hecho que en los últimos tiempos se está publicando más en el país, a su parecer esto no necesariamente está asociado a la calidad, “al final, el tiempo y los lectores son los que deciden, por más que tengas padrinos, te publique el gobierno o que los amigos expertos hablen de ti en medios especializados y bautizos”. Sin embargo, tampoco está reñido con el mercadeo y las relaciones públicas, “pero hay niveles que llegan al descaro. Tampoco creo en los que consideran que son herramientas del demonio, del capitalismo, del dinero… Creo que hay que encontrar un nivel medio y allí hay que manejarse”.

Otra de las máximas que Fedosy Santaella se atreve a revocar es aquella de que ‘bestseller no es literatura’. “El Quijote es vendedor, Roberto Bolaños es vendedor, Vila-Matas tiene un agente literario que lo ha colocado con Herralde y lo ha llevado a toda Latinoamérica, entonces, quien critica a Stephen King olvida que Vila-Matas o Bolaños son bestsellers. Hay mucho lugar común, mucho cliché, mucho esnobismo en torno a la publicación, al mercado, y esas cosas se tienen que ir acabando porque, si no, seguiremos siendo unos campesinos”.

Mílitza Zúpan

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Publicada en la edición de marzo de la revista Producto, sección Zona Lounge.

Fotografía: Manuel Linares

Recuerdo de infancia

2010-03-23T17:11:00.002-04:30

Era sábado en la tarde, los esperaba ansiosa y vestida con el estreno que mi mamá me había comprado para la ocasión. El día era claro y fresco, así como mi humor: Cuando se tienen pocos años, cumplir uno más es sinónimo de alegría. Con el tiempo la sensación va cambiando, pero esa es otra historia…

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Ejercicio #1: tiene 5 minutos para escribir lo primero que le venga a la mente cuando el profesor diga el tema.

Instrucciones para volverse loco en Caracas

2010-03-16T12:29:00.002-04:30

Ante todo, le aclaramos que el éxito de este método dependerá de su fuerza de voluntad y constancia a la hora de poner en práctica cada uno de los pasos siguientes; no seguirlos al pie de la letra, podría implicar que su cordura no se vea afectada. No analice ni cuestione, sólo obedezca. Si todo sale bien, calculamos que los efectos comenzarán a sentirse a menos de un mes de comenzar el tratamiento.

1- Infórmese. Lea noticias a diario; no es necesario revisar la prensa entera, puede limitarse a las fuentes de Política y Sucesos. Tampoco es necesario leer la noticia o reportaje completos, con el título y el sumario es suficiente. Sugerimos los periódicos El Universal y Vea.

2- Ocúpese de sus asuntos pendientes. Dedíquese, en el menor tiempo posible, a salir de todas esas diligencias que ha ido postergando a lo largo del tiempo, como renovar su licencia de manejar o su cédula, abrir una cuenta bancaria, sacar el RIF, pedir la cita del pasaporte o solicitar el cupo de Cadivi. Se recomienda completarlos todos en menos de 15 días.

3- Utilice su carro. Las horas pico son el momento ideal para poner en práctica este paso.

4- Utilice el transporte público. Estacione su carro de vez en cuando y entréguese a esta experiencia; las rutas deben ser variadas y los trayectos largos. Sabemos que el calor es insoportable y que puede ser asaltado, pero si lleva un abanico, agarra bien su cartera y se encomienda a Dios estará bien.

5- Haga mercado. Cada semana acérquese a su supermercado de confianza a hacer la respectiva compra doméstica. Estamos concientes de que no encontrará más del 50% de lo que busca, eso es lo de menos; caminar entre los anaqueles es buen ejercicio.

6- Distráigase. Escuchar la radio en su automóvil mientras se encuentra estacionado en una cola es determinante. Eso sí, sólo puede escuchar los programas de Martha Colomina y Mary Pili Hernández y las cadenas presidenciales; si tiene mucha suerte y lo encuentra en su dial, no debe pasar por alto “De repente con Chávez”.

7- Relájese. Al llegar a casa luego de su ajetreado y ocupado día, distráigase viendo televisión nacional; aclaramos que esta opción se limita al canal de la Asamblea y los programas “La Hojilla” y “Buenas noches”. Muy importante: los domingos no debe perderse “Aló presidente”, espacio que puede disfrutar en familia; para mejores resultados: una vez finalizado, compártalo con sus seres queridos.

8- Diviértase. Salga a caminar por la ciudad, preferiblemente por espacios como la Plaza Caracas, el centro o la zona colonial de Petare. También puede ir de compras al centro Sambil o El Recreo.

IMPORTANTE: se prohíbe el uso de Prozac, Paxil, Clonazepan o cualquier otro antidepresivo durante el tratamiento. Los ansiolíticos también están contraindicados.

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Imagen: Jack Torrance a.k.a. Jack Nicholson en The Shining (1980). De mis locos favoritos.

Deva Dásis, la "madame" del arte actual

2010-03-09T20:05:00.004-04:30

Lo ajeno suele ejercer fascinación, y no me refiero a lo que pertenece a otros sino a lo que nos resulta desconocido, distante y hasta misterioso. A mi ojos, los prostíbulos y el oficio de la prostitución en sí son un universo aparte, una realidad que va en paralelo a la nuestra, la de los mortales comunes que nos ganamos el pan “dignamente”. Confieso que no conozco ninguno y siempre me han despertado una gran curiosidad morbosa.

Quizás a Carlos Medina le ocurrió algo similar, pero él sí se metió de lleno en las entrañas de estos antros que muchos miramos de lejos, interesado en los diversos significados y significantes que conviven en esa “otra” realidad. Tanto se adentró en ese conocimiento que creó a Deva Dásis, suerte de alter ego que le ha servido para canalizar muchas de las inquietudes artísticas que surgieron a partir de la desconcertante experiencia que implicó involucrarse de esa manera con el oficio más antiguo del mundo.

Por otro lado, Carlos ha vivido en carne propia lo que es ser rechazado en diferentes salones de arte por no ser del agrado de un curador y la consiguiente frustración. Para él, hay similitud entre esta situación y la que día a día viven las trabajadoras de la noche, y lo resume así: “para subsistir, las prostitutas venden su cuerpo y Deva, su arte”.

Vistiendo la piel de esta “dama” de las noches capitalinas, el artista ha creado Deva Dásis y sus chicas un proyecto nada convencional, pues no sólo se trata de exponer su obra: como defensor del arte como vehículo de cambios sociales, invitó a 10 de esas prostitutas que conoció en sus andanzas a que se expresaran libremente sobre el papel pintando con creyones y otros materiales básicos que él mismo les ofreció. De Carlos Medina, mejor dicho, de Deva Dásis se exhiben 34 obras que abarcan diferentes estilos, técnicas y formatos; entre ellas hay homenajes a mi siempre estimado Toulouse-Lautrec (Toulouse-Lautrec Reloaded), a Antonio Espinoza Granados, conocido dibujante de cómics eróticos, y a Marcel Duchamp.

El propósito de toda esta historia es, simplemente, llamar la atención de la sociedad y que, de alguna manera, se deje de ver el oficio como algo criminal y criticable, en pocas palabras, crear conciencia.

Deva Dásis y sus chicas, la exposición, se presenta en el Celarg del 10 de marzo al 25 de abril.

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Las imágenes, por supuesto, son de Carlos Medina a.k.a Deva Dásis

El rapto de la odalisca

2010-03-01T13:50:00.006-04:30

Los recovecos de un escándalo

La periodista Marianela Balbi presenta una completa investigación sobre la polémica desaparición del cuadro de Matisse que era resguardado en los espacios del Museo de Arte Contemporáneo cuyo paradero aún de desconoce

En 2003, casi de forma casual, se descubre la desaparición de Odalisca con pantalón rojo cuadro pintado por Henri Matisse que formaba parte del patrimonio cultural que alberga la sede del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, otrora, Sofía Ímber. Y decimos que de forma casi casual porque desde hacía un buen tiempo habían empezado a surgir irregularidades que salpicaban la veracidad de la obra, pero se les había hecho caso omiso. Y así como apareció la escandalosa noticia, desapareció y se olvidó.

Al igual que otros periodistas, Marianela Balbi, que en ese entonces era jefe de Información de Cultura y Espectáculos en el diario El Nacional, cubrió el caso y esa indiferencia que sobrevino después del boom fue una de las razones que la inspiró a indagar mucho más en el asunto. Esa investigación recibió el nombre de El rapto de la odalisca y fue llevada al formato libro por editorial Aguilar

“Nadie quería saber nada de esto, todo el mundo lo dejaba como olvidado, nadie se preocupaba por retomarlo, era mejor que quedara oculto. Es un cuadro, es un patrimonio, pero es el gesto de sentirnos tan indiferentes ante lo que ocurre, de perder la capacidad de sorpresa frente a lo que pasa, y pasa todo los días, y dices ¿qué más tiene que pasar para que las cosas se remuevan y pase algo?”, expresa Balbi con un dejo de indignación en su voz.

Otra de las razones que la motivaron es el hecho de que el periodismo cultural ha quedado “como un tema para las buenas noticias, para la parte de entretenimiento y, a mi modo de ver, creo que esa es un área como cualquier otra en la que el periodismo tiene que actuar con todas sus herramientas y con toda su rigurosidad, eso no le da la licencia”. Y así lo hizo: su investigación es manejada con todo el rigor que merece cualquier fuente periodística, con un fuerte soporte y llamando las cosas por su nombre. En El rapto de la odalisca no hay complacencias.

Dadas las características del caso, la investigación no resultó nada sencilla. Por un lado, su estatus en la policía era sumarial, es decir, no sólo estaba inconclusa, tampoco era posible tener acceso al expediente. Por otro lado estaba uno de los obstáculos más difíciles que Balbi debió sortear: la renuencia a declarar de muchos y la cantidad de información off the record, algo que se convirtió en un dilema a resolver: ¿Cuáles eran los chismes? ¿Cuáles eran las verdades?

“Una de las paredes más fuertes fue romper fueron las de la lealtad que hay en el museo, porque es parte de esa cultura corporativa que se creo en el MACsi, yo creo que muy marcada por su directora Sofía Ímber, y fue difícil que la gente hablara. No estaban acostumbrados a contar nada; ahí había una historia muy oficial y muy dorada que no la niego, en el libro tampoco, y la reconoceré siempre, pero este caso puso de manifiesto unas tremendas debilidades que había que contar” explica la periodista. “Casi todos hablaron de forma anónima, me daban entrevistas y no me dejaban grabar, de hecho, no grabé casi nada”.

En medio de tanta información por confirmar y por conseguir, surgió una figura clave en la investigación: Wanda de Guebriant, experta en Matisse reconocida mundialmente, quien fue totalmente abierta en los dos encuentros que sostuvo con Balbi en Francia. En su opinión, ésta fuente significó uno de los pilares más fuertes de su investigación.

Evidentemente la dificultad para conseguir fuentes y datos certeros se tradujo en un sinnúmero de retrasos, y Balbi también carecía de tiempo para dedicarse de lleno al asunto. En total fueron casi cinco años de trabajo, sin embargo, al final eso se revirtió en su favor: el caso se enfrió y la gente dejó de sentirse tan amenazada al momento de hablar. Aparte, para beneficio de la investigación, fue publicado el informe de Contraloría, organismo que no se había pronunciado al respecto y aportó información importante.

Impresiones, intenciones y aspiraciones

Al momento de esta conversación Marianela Balbi no había recibido algún tipo de feedback sobre la publicación de El rapto de la odalisca, salvo lo que se había publicado en medios de comunicación. Más tarde se escucharon algunas voces de crítica sobre el tratamiento que se da en el mismo a algunas respetables personalidades; vale acotar que la autora se remite a las pruebas y, como bien lo dice en alguna de las páginas del libro, en esta suerte de thriller criollo hay quienes temen más a perder el prestigio que al peso de la ley.

“Claro, este es un trabajo muy particular. Cuando tú haces este tipo de investigaciones en el área cultural, obviamente, también hay un interés económico, también hay un negocio por detrás, y es diferente lo que puedes temer. Cuando tratas el tema político o económico, normalmente hay un tema de corrupción, de perder un negocio, por ejemplo, pero yo sentía que la resistencia aquí era un problema de honorabilidad, de gente que tenía una carrera intachable y que con esto se ve afectada en distintas instancias. En el área cultural a veces hay un tema más de desprestigio que de poder político o económico”.

La autora considera que hay dos puntos fundamentales que se logran con esta investigación. El primero es que permite la reconstrucción total del caso, algo muy importante en un país de memoria frágil. El segundo es asumir un tema que pasó hace algún tiempo y quedó inconcluso, y eso le da validez al esfuerzo de traerlo a la memoria en todas sus dimensiones y contradicciones; se trata de un patrimonio del país que se perdió y nadie ha dado respuestas.

“Aquí pasamos de un escándalo a otro ¡y no pasa nada! Ahí está la muestra más palpable de que las instituciones no funcionan. Tú denuncias un caso con elementos y pruebas, y no pasa nada, no tiene consecuencias, no hay trascendencia. El funcionario sigue en el mismo lugar, las cosas siguen iguales, peor, porque ahora ni siquiera tienes acceso a saber qué ocurre o qué puede pasar después. Aquí pasan casos súper concretos y los periodistas los mostramos, los decimos y no se mueve ni un pelo de la cabeza”. En su opinión los ciudadanos de este país han ido perdiendo la capacidad de asombro como consecuencia de la impunidad que forma parte de lo cotidiano, y su investigación es una prueba palpable de ello.

Una vez recorrido este extraño y polémico caso de principio a fin, Balbi concluye en que se juntaron elementos clave, comenzando por transición institucional y política que se vivía y que generaba indefiniciones. Eso estaría unido a el declive de la institución cultural, la ya citada indiferencia, las rencillas personales y, lo peor de todo, que una vez que sale a la luz el problema, no se restaura la situación, ni se logra mejorar las condiciones en los museos, “al contrario, se le agregan otros elementos que complican aun más la situación”.

Aunque el libro ya está editado y a la venta, para su autora la investigación no ha terminado y si encontrara más pistas que aporten a su desenlace, iría tras ellas. Por ahora, su principal aspiración es que, gracias a este trabajo, la gente se anime a “soltar” algo, a decir otras cosas, que se reactive el caso y que se llegue a su resolución.

Mílitza Zúpan

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Nota: esta conversación con Marianela Balbi ocurrió en noviembre de 2009, a pocos días de haber salido a la venta el libro. A principios de este año, gracias a esta investigación realizada por la periodista, el Ministerio de Cultura solicitó reabrir el caso; actualmente el Cicpc trabaja en ello.

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Entrevista publicada en la edición de febrero de la revista Producto, sección Zona Lounge.

¡A retomar el rojo!

2010-02-24T11:20:00.003-04:30

Llevo lentes rojos, teñí mi cabello de ese color durante años, me encantan las uñas “sangrientas” y una boca colorada no viene nada mal en una salida nocturna especial. He tenido zapatos, zapatillas y zapatitos rojos, así como sweters, abrigos, chaquetas, carteras y vestidos. La memoria externa de mi computadora es roja, y sillas, individuales, ollas, accesorios y una butaca en ese tono lucen en mi casa. Sí, me encanta el rojo y jamás he dejado ni dejaré de usarlo.

Pasa que no todo el mundo reacciona igual, y en los últimos tiempos más de uno ha desterrado el citado color de su guardarropa, de su hogar, de su entorno… Creo que lo peor es cuando trasladan esa aversión hasta los más pequeños y, “mejor píntalo de otro color que ese es malo” o “no te puedes comprar esa franela, más bonita es esta azul”, y los pobres inocentes lo internalizan y también lo ponen en práctica.

El rojo como fuente de inspiración y su representación simbólica es el tema que han propuesto en la convocatoria a participar en un proyecto que aplaudo: Retomando el rojo. La idea es que artistas plásticos usen el color libremente en sus obras como forma de expresión de sus visiones y planteamientos personales –y lejos de cualquier alusión política-, y presentarlas en una muestra colectiva. También se trata de inspirar a los espectadores a acercarse nuevamente a este tono y visualizarlo como algo libre y propio, aunque se haya pretendido adherirlo a cierta ideología.

Retomando el rojo se inaugura el domingo 14 de marzo a las 11:00 de la mañana en Espacio Mad (C.C. La Colinas, Los Samanes), y ese día estarán a la venta las obras participantes. Cierra el domingo 25 de abril.

¡Excelente!

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Imagen: If Love Is A Red Dress, Paul D. Robertson

Talleres de escritura y creatividad Unimet/Icrea

2010-02-12T15:24:00.004-04:30

A partir del 27 de febrero inicia un nuevo ciclo de talleres de la Universidad Metropolitana y el ICREA (Instituto de Creatividad y Comunicación) concebido pensando en la formación de la escritura y la creatividad a través de la experiencia práctica y teórica. Esta variada oferta es conducida por profesionales y artistas de destacada trayectoria.

El primer ciclo de talleres Unimet/ICREA de este año comienza el 27 de febrero con Arte no convencional, dictado por Carlos Zerpa. En cuatro sesiones se despejarán interrogantes como qué es un performance o cuál es la diferencia entre una instalación y una escenografía, buscando fomentar el estudio, la realización, la aproximación, la observación y el entendimiento de este tipo de arte contemporáneo.

Roberto Echeto ofrece El arte de la crónica no periodística desde el 6 de marzo. El propósito de este taller se basa en estudiar las distintas posibilidades expresivas que permite el género y las herramientas de escritura provenientes de la narrativa, del ensayo, del periodismo y de “la calle” que son necesarias a la hora de escribir crónicas; los participantes escribirán sus propias crónicas y las analizarán en clase.

También el 6 de marzo inicia Miramientos poéticos, taller en el que Edda Armas acercará a los asistentes al hacer poético, como lectores y como escritores. A través de un paseo ilustrado por poemas y poetas esenciales, sentará las bases para reconocer las claves de la estructura de este género literario.

A partir del sábado 20 de marzo Joaquín Ortega ofrecerá cuatro sesiones de Humor audiovisual a todos aquellos interesados en la comprensión, escritura y ejercicio del humor como género literario. Un recorrido histórico y comparativo por sus exponentes escritos, orales y audiovisuales permitirá comprender la lógica de la construcción del chiste.

Ofrecer información sobre los pasos a seguir para la construcción de un guión de cine y sobre los elementos que permiten darle forma y depurar las ideas son los objetivos del taller que dicta Robert Gómez desde el 20 de marzo: Introducción al guión cinematográfico.

Todos los talleres se dictarán los días sábados de 9:00 de la mañana a 12:00 del mediodía en la Universidad Metropolitana; al finalizar, se otorgará certificado de asistencia. Quienes deseen conocer más detalles sobre los talleres y el proceso de inscripción, pueden llamar a los teléfonos (0212) 240.35.21, 265.9491 y 266.8497, o escribir a talleresunimet-icre@unimet.edu.ve.

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Talleres sabatinos de escritura y creatividad Unimet/ICREA
Fecha: A partir del 27 de febrero de 2010
Lugar: Universidad Metropolitana
Información: (0212)240.35.21 / 265.9691 / talleresunimet-icre@unimet.edu.ve

Paisaje primordial

2010-02-04T11:18:00.007-04:30

Fotografías de Irama Gómez

Los productos pueden transformarse en deseos. Esta suele ser una regla sin excepción cuando se trata de moda y consumidoras, y la prueba más representativa son las vitrinas donde se exhiben esos objetos del deseo captando la atención de las ansiosas féminas. “En esta dialéctica de miradas, los productos devenidos en deseos proveen el material para la actuación en el espectáculo del consumo al proporcionar las máscaras con las que las personas adquieren sus distintas identidades” dice Irama Gómez, fotógrafa que se ha dedicado a observar esa suerte de circulo vicioso que se repite una y otra vez y que protagoniza su serie Paisaje Primordial.

Las imágenes de Gómez muestran vitrinas de varias ciudades que ha visitado, como Caracas, Porlamar, Bilbao, Barcelona y Nueva York, y hablan de mercancía, seducción, deseo, consumo y vacío. “Es una mirada al glamour, al ambiente que envuelve la moda y su acercamiento irremediable al mundo real”, explica la fotógrafa quien tomó el título de su exposición del libro Los pasajes de Walter Benjamin.

“El vidrio que separa los escenarios creados con maniquíes y ropas registrados en estas imágenes funciona como un espejo, en su superficie los individuos se ven reflejados, le dan significados a los productos exhibidos y se juegan la construcción de una identidad personal y social especifica”.

Me considero una fotógrafa inquieta, que desea estar aquí y en otros lugares al mismo tiempo. Mi especial fascinación por recorrer la ciudad hace parte de mi rutina de trabajo fotográfico, en donde se evidencia la diversidad de lugares y ópticas por donde he pasado. Al andar miro a mi alrededor colores, sonidos, movimientos, olores… que se traducen en imágenes, unas veces premeditadas y otras veces inconscientes, la ciudad como lugar de experiencias sensoriales e inteligibles proponiendo en la lectura de estas imágenes una estética social.

Mílitza Zúpan

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Organizando mi disco duro me encontré con las imágenes de Irama. Recuerdo que apenas las vi me engancharon, no sólo por su estética, color e impacto visual, también porque es una ruptura con la línea que la fotógrafa venía trabajando. El texto fue publicado originalmente en la revista Producto de noviembre de 2009, sección Zona Lounge, cuando la serie fue expuesta.

Un respiro en Los Chorros

2009-12-01T11:04:00.007-04:30

Aromas silvestres, sol brillante, niños jugando con listones de colores sobre el césped, gente caminando tranquilamente, más aún, disfrutando. Es un escenario simple, sí, pero cuán difícil es conseguir normalidades o simplezas en estos días y, sobre todo, en esta ciudad en la que ya no vivimos sino subsistimos.

Esa, la idílica escena que me deslumbró, ocurrió el domingo en Los Chorros, específicamente, en el Centro de Arte Los Galpones. Había ido a algún evento nocturno allí y pensaba que seguro sería un buen lugar para pasar un domingo familiar porque, además de las actividades que realizan, es tranquilo, abierto y ¡hay grama! (material orgánico en peligro de extinción por estos lares)

Tomamos la invitación a la inauguración de La experiencia sensorial del color como excusa para acercarnos. Más que una exposición, ésta es una experiencia interactiva creada por Carlos Cruz-Diez llena de luces, colores y efectos que provoca visitar una y otra vez –hasta Pablito participó y la disfrutó-. La montaron en el marco del II Festival Encuentro de las Artes España-Venezuela en el Periférico Caracas, uno de los tantos espacios que integran el lugar.

El recorrido lo haces -por caminos bordeados de grama- entre galpones enumerados, unos más grandes, otros más pequeños; de allí el nombre del lugar. Todos fungen como espacios expositivos de diferentes manifestaciones, como la galería Fernando Zubillaga, donde se presenta Vessel, individual de Lucía Pizzani; S-Espacio, que exhibe piezas de “diseño para la cotidianidad”, o la librería Kalathos, donde, además de libros, todos los fines de semana hay actividades relacionadas a la literatura.

También nos encontramos con Todos unidos por Fedora, colectiva de arte contemporáneo venezolano organizada para ayudar a la bebé de la artista Déborah Castillo, quien nació de siete meses y necesita cuidados especiales. No sé cómo les habrá ido, pero creo que fue una iniciativa admirable.

Y además del arte, el diseño, la grama y el cielo azul, hay un puesto que vende bebidas frías, café, ponquecitos y quiches muy buenos. El único detalle es que estacionar resulta algo complicado, pero vale la pena armarse de paciencia y hacer el esfuerzo. Como ven, la espera –o la caminata- es recompensada.

Centro de Arte Los Galpones. Av. Ávila con octava transversal de Los Chorros.

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Imágenes: la familia Sanguinetti Zúpan experimentando con los colores de Cruz-Diez.

Sabores para ellas

2009-11-19T16:12:00.010-04:30

Restaurantes, cafecitos, rincones y espacios con gusto y encanto, literatura gastronómica, recomendaciones y datos deliciosos que seguramente sabrás aprovechar a la hora de deleitarte con ese placer llamado comida

Oro Café Bistró Galería. “Comida caraqueña tomando como base las recetas recopiladas por Armando Scannone”; tal afirmación puede traducirse en que si quieres recordar el sabor de un bienmesabe, torta de queso criolla, mondongo, torta de jojoto o sopa de caraota, éste es el lugar. Además de las bondades culinarias, el sitio es una galería en la que hay rotación constante de fotógrafos venezolanos. La Castellana, 264.59.37

Olio Restaurante. Su propuesta es “italiana contemporánea”, es decir, no se consiguen los platos de siempre y la originalidad está a la orden del día. Lo más pedido es el risotto en cualquiera de sus presentaciones -lomito, sabores del mar, pollo y capresa-, pero quienes suelen cuidarse de las calorías pueden optar por carpaccios y ensaladas –la César con pez espada ahumado es muy popular-. Sin embargo, la estrella del menú es el postre emblema de la casa: Ravioli Di Cioccolato, ¡una delicia! El Hatillo, 963.42.44

Hirosaki Japanese Lounge. Ubicado en la parte alta de una quinta, tiene una terraza súper agradable donde se puede conversar mientras se toma un poco de sake y se disfruta de cualquiera de las especialidades que ofrecen en su cuidado menú: frías o calientes, todas tienen su encanto. Si lo que se busca es vivir la experiencia al máximo, lo mejor es visitar el salón japonés –sin zapatos- y si se quiere algo íntimo y relajado, lo más indicado es el lounge. Las Mercedes, 993.15.08.

La Guayaba Verde. Carimañolas de cazón, sopa de tostón, roti de chivo, pastel saladillo… En este menú abundan las exquisiteces criollas con fuerte acento oriental, y cada tres meses es renovado. Por supuesto, en su carta ya figura el plato navideño: hallaca tradicional caraqueña, pernil, pan de jamón, ensalada de pollo y, como postre, dulce de plátano y lechosa. La oferta gastronómica es enriquecida con la variedad de eventos que realizan todas las semanas, como conciertos, charlas literarias y exposiciones. Santa Eduvigis, 285.9345.

Vinarte. En este interesante espacio convergen dos grandes placeres: vinos y arte. Ciertamente, el gran agasajado es el vino y brindan todas las facilidades para degustarlo: sugerencias, talleres, catas, venta de utensilios y accesorios alusivos y bocadillos y tapas acordes a la ocasión. La exposición de obras de arte le otorga una atmósfera única al lugar. Centro Cultural Trasnocho, 9931325

Amuse-Bouche. Se denominan “boutique gastronómica” y sirven todo tipo de bocados salados como quiches, tartaletas de auyama, pastel de chucho y milhojas de cordero, o dulces como polvorosas de nueces o fondant de chocolate; la particularidad es que todos vienen en formato miniatura, por lo que puedes sentarte a picar lo que se te antoje o simplemente revisar la carta y hacer tu encargo. Galerías Los Naranjos, 986.26.27.

De casta. Si bien el restaurante ofrece un atractivo menú a cargo de la chef Vanessa Franco (Bodega 5, Malabar, Shayará) que incluye desayunos, almuerzos y cenas verdaderamente atractivos, su bodegón es muy interesante. Galletas, pastas, aceites, frutos del mar y cortes de carne se alternan con un amplio anaquel de vinos argentinos, chilenos y europeos, y una cava que guarda los de gran reserva. CCCT. 959.86.30.

Café Bodegón Chennai. Abrieron sus puertas hace un par de meses y, como lo indica su nombre, están ubicados en los espacios de Chennai. Gracias a esta particularidad es posible hacerse con las compras de lencería y accesorios para el hogar, a la vez que se disfruta de un almuerzo tipo casero, una merienda o una buena taza de té. Chuao, 935.88.72

Atar Creaciones Culinarias. Todo lo que aquí se consigue tiene dos grandes cualidades: ingredientes de primera y excelente preparación. La oferta es tan variada que es difícil resumirla: dulces, chocolates, mermeladas artesanales, chutneys, vinagretas, picantes, crostatas de fruta... No hay dónde sentarse y todo viene listo para llevar. La cuadra gastronómica, 285.60.81

Mercado de Chacao. Recorrer estos pasillos resulta una toda una fiesta sensorial llena de tentaciones: aromas, sabores e imágenes conspiran para que cualquiera sucumba y se deje llevar. Frutos secos, hortalizas, quesos, casabe, aceitunas, productos asiáticos, cocadas, tizanas… ¡hasta las flores resultan apetitosas! Avenida Mohedano, Chacao.

Novedad

Coco Thai & Lounge es un recién estrenado rincón asiático cuyos atributos incluyen una interesante propuesta gastronómica tailandesa y japonesa, una atractiva carta de cócteles y una deslumbrante terraza con vista sin igual. Tolón Fashion Mall, 300.85.62

Sabores on-line

Cevichadas. He aquí una alternativa para salirse de la rutina cuando se organiza una reunión. Ofrecen 12 tipos de ceviche divididos en 3 categorías: Románticos, Light y Tradicionales; los puedes encargar o, si lo deseas, te llevan al chef al lugar y los prepara en vivo. www.cevichadas.blogspot.com / 0424.109.42.74.

Camelia Casa de Té. En esta “casa” son especialistas en té gourmet; también ofrecen latas decorativas para guardarlos y utensilios. Organizan catas de té y tea breaks para empresas. www.cameliacasadete.com / 975.83.53.

Guiacongusto.com Completa guía gastronómica de Caracas con información sobre restaurantes, cafés, bodegones, escuelas de cocina y catering; también ofrecen artículos sobre chef destacados y recomendaciones.

Páginas comestibles

Sabores venezolanos
Flor Ardila de Pérez
Alfa

La gastronomía local es mostrada de una forma tan interesante y sencilla a la vez, que provoca preparar cada una de las recetas. Esta memoria gastronómica incluye información histórica y curiosidades y una selección de platos de todas las épocas y regiones del país, como arroz mantuano, pisca andina, bollitos pelones, pastel de polvorosa, mejillón carupanero, buñuelos y huevos chimbos. ¡Imprescindible!

Caracas Gourmet & Lounge
Grupo Editorial Cyngular

Sabores clásicos y nuevas tendencias son presentados en estas páginas que reúnen las mejores recetas de conocidos restaurantes y bares de Caracas, como Antigua, Il Grillo, Le Petit Bistrot de Jacques, Mokambo, Palms, Astrid y Gastón, Atlantique, Lola, Pakea, Shoga, Tarabish, Le Gourmet, Suka, 360° y Le Club. La edición es responsabilidad de Sergio Dahbar, Ángel Alayón y Juan Pablo Sucre.

Los libros de Kristina
NK Producciones

Desde hace años el nombre de Kristina Wetter se asocia, inexorablemente, a la cocina. Platos vistosos, sabrosos y muy fáciles de preparar son las grandes cualidades de sus recetas, las mismas que ha editado de forma temática bajo títulos como Abre bocas, platos que se cocinan y se sirven sin reglas; Sonrisas, cocina divertida para niños; De fiesta, ideas para celebrar sin complicaciones; o Días de semana, almuerzos cotidianos y cenas rápidas.

Manual del vino
Miro Popic
Miro Popic Editores

Este manual que no pretende formar expertos en vino, pero sí ofrecer conocimientos básicos para apreciarlo mejor. Miro Popic comenzó su cata a los seis años, ha participado en vendimias internacionales y lleva treinta años escribiendo sobre e tema. En este libro concentra información de interés para quienes deseen adentrarse en el mundo de la vinicultura.

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Esta guía salió publicada en la revista Eme de hoy, por eso va enfocada hacia las chicas. Creo que me quedó "sabrosa", así que comparto los datos por acá.

Imagen: El café nocturno y los libros amarillos de Vincent Van Gogh

Los nombres sanfelipeños

2009-11-18T23:45:00.003-04:30

Mi confeso placer morboso

Cada mañana, a eso de las 9:30, Edelweiss me da el mejor de los regalos para comenzar el día de buen humor: los nombres sanfelipeños. No sé cuándo empezó, pero presumo que sí sé cómo. Ella es una periodista barquisimetana que, por asuntos laborales, va a diario a San Felipe; supongo que al revisar la prensa se encontró con esa maravilla y sintió deseos incontenibles de compartirla para no quedarse con eso por dentro. Supongo...

Edelweis se ha dado la tarea de publicar en Twitter, religiosamente, los nombres de los sanfelipeños que reciben felicitaciones en el periódico. De entrada, es posible que esto suene aburrido, pero les aseguro que una vez que los conocen, se vuelve adictivo, tanto que es mi único motivo para revisar Twitter con puntualidad inglesa. Y si llega a decir que está muy ocupada y no sabe si tendrá tiempo para los nombres, siento pesar; lo bueno es que, a final, siempre nos complace –sí, al igual que yo, hay otros fanáticos-.

Ocmary, Bisaida, Anakarith, Erister, Justimar, Leiber, Mayery, Eibez y las hermanas: Viamney, Viamnelys y Viamnerys. Esos fueron los “nombres” de esta mañana, y no es que el día de hoy haya sido peculiar o que qué casualidad que todos fueron medio raros, no: esta es una muestra representativa de los nombres sanfelipeños contemporáneos. Lo mejor es que Edelweiss hace acotaciones importantes, como parentesco, edad o sexo –éste no siempre se reconoce-. Y también elige su protagonista del día.

Estos trabalenguas me hacen recordar un artículo que escribió Roberto Echeto, hace no sé cuántos años, que versaba sobre esa particularidad que caracteriza a los venezolanos a la hora de bautizar a sus hijos. Sin embargo, al comparar aquellos de Echeto con los sanfelipeños de hoy me da la impresión de que la degeneración ha sido progresiva.

Para muestra, un botón:

Wencibel Johanmary, Moiran, Rayolis, Dalnelciz, Olangmay, Yecenia Maibry, Jyennyfer, Nixibel Nazareth, Siuu, Luiston, Ruxeliz, Yanitza Yamileth, January, Briant, Yudalith, Rusmary Soydimar, Batny, Yohalrid, Miroscar, Griseury, Yoisikiurit, Wuiljanny
Mariotdy, Franyismar Yohannali, Dorvi, Siham Stefany, Sexsa, Detniel (hijo de Detzy y Daniel), Wilfreiyis Lefer, Krisbel Karolina, Brigitte Zulangel, Jesuannys Arabia, Yonalberth, Yonailys, Milzoly, Veyker Miguel, Estiben, Yermi, Jhonnellys Nakarith, Emmaily, Sandy y Sandry (morochos) Mariuska, Deifer, Leandry, Yaneidi, Merkis, Jeanmari Silena, Katerin Yerliani, Briyerlin, Franyerson, Yenner, Brayan Anthony, Wiston, Yuglisbeth Isamari, Lurianny, Johalex René, Yumira, Lidialis, Kaiddy Mercedes.

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Imagen: portada de Strange Days de The Doors. Creo que la explicación sobra.

2009-10-31T21:12:00.001-04:30

Nuestro nuevo inquilino

Descanso breve

2009-09-11T13:21:00.004-04:30

Días sin esmog, tráfico, ruidos, computadora, internet, celular, cable, noticias, trabajo, obligaciones, gente, desagrados... ¡qué bien caen! Difícil es retomar la marcha.

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Imagen: con Pablito en el parque tomada por su papá.

Casualidades virtuales

2009-09-01T11:19:00.003-04:30

A propósito del abuso del copy + paste

No hace falta hacer una investigación profunda sobre el tema para saber que eso de tomar el trabajo de otro como propio es algo muy antiguo. Con hacer un sencillo ejercicio de memoria es suficiente para notar que han sido –y siguen siendo- recurrentes las denuncias sobre plagios en música, literatura o periodismo, que muchísimas veces son infundadas y otras muchísimas son ciertas y que ocurre “hasta en las mejores familias”. Quizás lo peor es que, vergonzosamente, hoy el asunto está más vigente que nunca.

Son indiscutibles las bondades de Internet y las facilidades que ha aportado a la vida de todos, el problema empieza cuando se abusa de algunas de esas facilidades. Con esta afirmación me refiero, específicamente, a cómo se dispone de contenidos indiscriminadamente, sin respetar fuentes o autores; tristemente esto ocurre en escenarios que, en teoría, representan seriedad, compromiso y respeto, como aulas y salas de redacción.

Hace algunos años coordinaba la elaboración de contenidos para el newsletter mensual de un conocido canal por cable. Para seleccionar redactores cuando surgía alguna vacante, además de la respectiva entrevista, aplicaba una prueba a los aspirantes y a partir de los resultados, elegía. En alguna oportunidad me encontré con textos sacados de Internet gracias a mi buen “olfato”, y cuando se lo comenté al responsable, se limitó a un “ah, ok”, y se trataba de una periodista, graduada y hasta mayor que yo.

También hace un tiempo, siendo editora de una revista de un importante grupo, me conseguí con un par de casos similares. El primero fue el de una periodista que me entregó un artículo que me sonaba a Wikipedia y, en efecto, era de Wikipedia. El segundo fue peor: se trataba de un “señor” que tenía un cargo relevante –sólo de título-, siempre se había caracterizado por no saber escribir ni una sola línea de forma coherente e, inexplicablemente, tenía una columna. Cierta vez, su columna se me hizo sospechosa: no tenía un solo error ortográfico ni gramatical, y cuando revisé, ¡bingo! La había copiado íntegramente de un sitio web. Por supuesto, el texto no se publicó, y más allá de mi indignación, no pasó nada.

Sorprendentemente, el asunto de los plagios virtuales es visto de forma “normal” para muchas personas. Si bien unos quedamos alarmados ante ese tipo de acciones, otros no le ven mayor inconveniente. Inolvidables las frases que llegué a leer apoyando a un “periodista” que publicó un artículo en un diario capitalino cuyo verdadero autor era un bloguero, “Internet es libre”, decían.

En estos días buscando información sobre no recuerdo qué, llegué a una entrevista del fotógrafo Roberto Mata y al comenzar a leerla las palabras se me hicieron familiares. ¡Claro!, fueron escritas por mí, aunque no lo decía por ningún lado. Estaba en un blog dedicado a difundir el tema fotográfico –algo así decía- y su autora era una estudiante de comunicación social. Muy cortés, le dejo un comentario sugiriéndole que en casos de trabajos de otros autores debería colocar los créditos y que esa entrevista fue escrita por mí en el año 2005 para la revista Ocean Drive. Como respuesta, la chica restringió el acceso al blog –sólo para 100 lectores que ella autorice-, raro tratándose de un espacio dedicado a la "difusión" de algo.

El taxista

2009-08-21T19:34:00.002-04:30

La carrera es relativamente corta: CCCT – La California y aun no es hora pico. Me subo, me acomodo, me recuesto. Él empieza a subir el volumen del reproductor, yo espero un noticiero, algún programa de opinión o alguna canción desagradable y de moda resignada. Guitarra sideral, esa que te lleva a otro mundo; teclado lúgubre, ese que te remueve los demonios. No doy crédito a lo que escucho, es Kid A.

Hago memoria: jamás había viajado en taxi con Radiohead como hilo musical. Se acaba el tema, continua el otro, sigo sin creerlo. Lo detallo. Debe tener treinta y largos, franela negra y jean gris, no alcanzo a ver sus zapatos, pero se me hacen deportivos. Cabello extrañamente peinado hacia atrás, algunos hilos de plata y frente amplia, más por el correr de los años que por fisonomía. Lo oscurísimos lentes completan el cuadro.

Sigo detallando. No hay estampitas, vírgenes, escapularios ni rosarios. Tampoco hay peluchitos, perritos que asienten o adornitos colgando en el retrovisor. De hecho, no hay ningún elemento “decorativo”. Todo está pulcro, no hay rastros de malos olores de ni aromas artificiales y empalagosos. Lo único ajeno al carro parece ser un volante de ofertas de algún establecimiento de comida japonesa, una botella plástica identificada como Hit de naranja que contiene agua, brújula y discos, muchos discos cuidadosamente ordenados en el tapasol del conductor. Ahí debe haber cosas buenas, pienso.

Disfruto del trayecto. Noto con extrañeza que no adelantamos a nadie por el canal derecho y no vamos a exceso de velocidad. Tampoco me ha hecho comentario alguno ni maldice mientras conduce, incluso, se le ve sereno. La música me sigue acariciando, lamento que el viaje no sea más largo.

En el semáforo a la izquierda, en la siguiente a la izquierda, llegamos. Pago y me sonríe mientras me desea buenas tardes con gesto afable. Casi le agradezco el haberme regalado el mejor viaje en taxi de mi vida, pero la timidez me domina.

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Imagen: N.Y.C. Taxi on the Street de Red Grooms

Armin en el búnker y los niños políticos

2009-08-21T12:05:00.004-04:30

De los nazis se ha hablado hasta el cansancio. Prensa, libros, análisis de expertos, cine… cualquier medio ha servido para mostrar el fenómeno que protagonizaron el siglo pasado y a lo largo de todos estos años –a partir de 1945- el tema se ha explotado en demasía. Pero, ¿qué se hace si, lamentablemente, son la mejor forma de ilustrar todo lo que uno no quiere que vuelva a ocurrir jamás?

Estos días he recordado a Armin Lehmann, nombre que a nosotros, los de este lado, no nos dice nada. Lehmann se destacó en la industria de viajes y turismo norteamericana ocupando cargos importantes, fue profesor y autor de numerosos textos y recibió honores por esta labor. Pero también se dedicaba a otros asuntos, como hablar sobre el significado de la tolerancia y la no violencia en diferentes países –visitó más de 100-, producir un documental sobre jóvenes soldados durante la Segunda Guerra Mundial y escribir sus memorias.

Armin Lehmann fue un niño soldado en la Alemania de Hitler. Como digno miembro de la Juventud Hitleriana estaba orgulloso de su labor, así como su fanático padre lo estaba de él. Desde muy temprano cuestionaba la lealtad de sus allegados y su mayor anhelo era destacarse en su misión oficial, así tuviese que llevarse por delante a sus seres queridos: la causa estaba primero. Por ser encargado de la correspondencia, tuvo la “suerte” de vivir los últimos días del Führer en su búnker de Berlín y codearse con su siniestra plana mayor, pero en el camino abrió los ojos y, además, tuvo la dicha de sobrevivir para contarlo.

En el bunker de Hitler es uno de los libros que escribió Armin Lehhmann y trata sobre su traumática experiencia como niño al servicio de una causa política. Lo leí hace unos 3 años, el tema nazi siempre me ha interesado, y creo que este testimonio es perfecto para entender no solo el alcance del fanatismo en su peor acepción, sino lo importante de que los niños sean eso, niños, no seres preocupados por estar en línea con un pensamiento político o ser partícipes de una ideología.

Casos como éste no es exclusivo de Alemania ni de la Segunda Guerra Mundial, se ha repetido a lo largo de la historia de la humanidad en diferentes escenarios, pero siempre con resultados nefastos. Suelen comenzar porque a “alguien” se le ocurre que, por razones varias, es necesario involucrarse en estos menesteres desde temprana edad, mientras algunos como focas y otros miran y callan. No es su problema.

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La imagen que ilustra esta entrada es de los brasileros Rafaela Tasca y Latuff. Inexorable avivar estos pensamientos cuando hoy se habla de la creación de patrullas infantiles en el partido oficial con la excusa “rescatar los valores educativos de los niños”.

La secretaria

2009-07-30T20:32:00.003-04:30

-Buenas tardes. Tengo cita hoy, ¿debo anotarme en alguna lista?

-¿Pero llamó? (Espeta)

-No, no sabía que debía llamar.

-Yo le di una tarjeta la semana con todos los datos. (Evidente desdén)

-Sí, la tengo.

-Y allí salía el teléfono. (Triunfal)

-Sí, lo vi, pero no sabía que debía llamar.

-Vamos a ver qué se puede hacer. (Abre la agenda muy indulgente ella)

-Allí debo estar anotada.

-Sí, aquí está. Pero entonces tenía cita para hoy. (Aleccionadora)

-Sí, fue lo que dije apenas llegué.

-Ah bueno, pero es que yo no me acuerdo de todos los pacientes. (Mediocre)

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Imagen: A lo Lichtenstein.

Memorias infantiles y el verde prohibido

2009-07-29T21:24:00.004-04:30

No recuerdo cuando fue la última vez que la visité, pero en una época de mi vida ir a la Biblioteca Paul Harris era parte de mi rutina semanal. Allí hice títeres, trabajos en grupo, tareas, tomé clases de jazz, leí y me leyeron cuentos, preparé exposiciones para la escuela y jugué, corrí y busqué flores y “matas dormidas” en su parque, mientras que cada semana cambiaba libros. En aquel entonces esto me parecía lo máximo: tenía un carnet a “mi” nombre, yo misma elegía qué me llevaría y llenaba la “planillita mágica” –ésa en la que escribes y se marca el papel de abajo sin carbón- para poder llevarme los títulos a casa.

Hace mucho tiempo que dejé de frecuentarla: definitivamente la dinámica del adulto es otra. De lejos llegué a ver que instalaron un infocentro, que cortaron buena parte de las plantas que adornaban el parque y que luego, allí mismo, construyeron un ambulatorio (creo) y un centro de rehabilitación público.

Como otro de los escasos espacios verdes de la ciudad, el parque de la biblioteca desapareció. La grama está en peligro de extinción y eso no tiene importancia, y no se trata de criticar lo que se levanta sobre ella, sino la desconsideración total. Solo basta recordar la grandiosa idea de construir un conjunto residencial en La Carlota o en los campos de golf a expropiar. ¿Será que se sufre de verde-fobia?

El fin de semana se presentó la coral de la escuela José María Vargas de la UCV en la Paul Harris –parte de la celebración a Caracas- y fui muy animada por el reencuentro y por poder presentar mi entrañable sitio de juegos a mi esposo y a mi pequeño Pablo. La sala infantil estaba algo cambiada, pero se veía bien, no así la masa de concreto que sustituía al extinto parquecito. Una imagen fuerte.

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Imagen: Children Playing de Charles Blackman, señor pintor australiano cuyos trazos me inquietan

De cuando nos lanzamos al agua...

2009-07-21T09:03:00.004-04:30

Paparazzi, reality show, decofrutas, pétalos, cambio de ropa, familia entera, guapísimo y bellísima, la jueza Lila Morillo, firmas, champaña, montañas, terribles melodías, carne, chácharas, chocolates, despedida, noche estrellada, piedras.

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Ilustración: "el maracucho".

Ekaré

2009-07-20T09:17:00.006-04:30

30 años de buenas historias

No sabían cómo lo lograrían, pero el gran anhelo de Carmen Diana Dearden y Verónica Uribe era hacer los mejores libros infantiles. Entonces, con el apoyo de Virginia Betancourt, quien era directora del Banco del libro, el sueño se hizo realidad y fundaron Ekaré. Treinta años después, siguen disfrutándolo.

“La verdad es que cuando empezamos no teníamos idea de cómo venderlos. Sabíamos que queríamos hacer unos libros muy buenos, de calidad, que compitieran en el mercado mundial, pero nunca nos sentamos a ver, una vez que están hechos, cómo se venden. Fuimos aprendiendo en el camino”, recuerda Dearden.

Hoy Ekaré –vocablo pemón cuyo significado más simple es “cuento”- tiene una excelente reputación internacional, su catálogo suma más de 200 títulos –el 80% corresponde a autores nacionales- y sus libros se distribuyen en casi todos los países de habla hispana; también venden derechos a países como Canadá, Francia, Inglaterra, Alemania, Suiza, Brasil, Corea y Japón, y tienen sede en España. Aquel proyecto que comenzó prácticamente con dos personas, y que en un principio formaba parte del Banco del Libro, ha crecido notablemente. Pero como en todo cuento, también hay adversidades.

Las limitaciones que ha establecido el Estado para la adquisición de dólares en el sector editorial, así como otras regulaciones, han afectado notablemente su flujo de caja e inversión: los costos aumentaron, el tiraje, la exportación y la distribución disminuyeron, y a esto se suma la crisis económica nacional y mundial. Como clara consecuencia de todo lo anterior, las ventas bajaron entre 17% y 20% en el último año.

El panorama actual es preocupante y justo ahora andan buscando esa suerte de fórmula mágica que les permita ahorrar y evitar que las ventas continúen bajando. Sin embargo, no es la primera vez que estas heroínas enfrentan problemas económicos: “En Ekaré –y esto viene de la mística del Banco del libro- siempre hemos trabajado con las uñas. Siempre como que estamos haciendo un plan A, plan B, plan de contingencia… pensando creativamente a ver cómo podemos resolver. Es como estar en la cuerda floja”.

A pesar de que en esta historia hay antagonistas, sus protagonistas tienen un poder especial: la calidad de su producto. Aquí nada se toma a la ligera y cada título se elabora en, promedio, dos años, por eso anualmente editan entre 7 y 15 novedades. Esa dedicación ha sido reconocida con los más importantes premios internacionales, siendo el más reciente el Bologna Ragazzi New Horizons Award que recibió El contador de cuentos.

Lom y los nudones de Kurusa, El círculo del destino de Raja Mohanty y Sirish Rao con ilustraciones de Radhyasham Raut y Arriba en el árbol de Margareth Atwood –ganadora del Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2008- son algunos de los nuevos nombres de este año. Además, en Ekaré cuentan con lo que Dearden llama su “cervical”: las reimpresiones; cada año reimprimen entre 40 y 70 títulos, porque “una editorial no puede vivir sólo de novedades”.

Si bien han probado tragos amargos, los logros pesan mucho más para Carmen Diana Dearden. “Creo que la satisfacción más grande de todo esto es ver que de verdad nosotros, quizás muy inocentemente, pensamos ‘vamos a hacer libros lindos que todo el mundo va a querer y vamos a poder competir’, y eso es lo que ha sucedido”.

Margarita

Este poema de Rubén Darío fue uno de los primeros libros de Ekaré. Lo editaron porque lo consideraban una obra que formaba parte de la vida de toda una generación y porque sus derechos estaban libres y en esa época no tenían mucho dinero. Pronto se convirtió en uno de los más vendidos y también en uno de sus títulos emblemáticos: “en esos años nos sentíamos como la Margarita que sale decidida a realizar sus sueños”. Para celebrar sus 30 años han lanzado una edición especial del poema a color y en un formato más grande.

Mílitza Zúpan

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A propósito del Día del Niño, recuerdo este texto publicado en la edición de abril de la revista Producto. En opinión de quien escribe, se puede tomar al azar cualquier libro del catálogo Ekaré y es bueno.

Hacer mercado

2009-07-14T17:38:00.012-04:30

Ataviada con una gran bolsa de tela que parecía papel o con un carrito metálico de ruedas, mi abuela hacía mercado. A veces la acompañaba; no me gustaba mucho la zona de pescadería, menos aún la de carnicería, pero sí la de frutas: allí la convencía de que me comprara la manzana roja de Blancanieves para hacer en casa mi propio sketch del envenenamiento. El domingo pasado hicimos mercado en familia, aunque esta vez los productos eran otros...

Antes de mediodía llegamos a la 12° edición del Mercado de Diseño que, por primera vez, se realizó en el nuevo mercado de Chacao, locación que no pudo quedarle mejor. El que fuera en este lugar le dio otro aire al asunto y valores agregados, como que mi esposo -el señor de la casa- se divirtiera comprando aceitunas, cocada y agua de coco; y la idea de vender una bolsa ecológica para guardar las compras me recordó un poco ese look de mercado de las abuelas.

A mi parecer, hubo una subida en la calidad de las propuestas de esta edición –una de las metas que siempre se plantea Lucía Lizardo, su artífice-; eso, acompañado del tema ecológico fue lo más: durante los dos días que duró el evento se expusieron prototipos ecológicos realizados por los mismos expositores cuya finalidad es que puedan ser utilizados en el mismo mercado de Chacao. Sinceramente todos me gustaron, aunque por razones sentimentales voté por la silla ecológica de La Raza; Pablito dio su voto a los monstruos recicladores de Vb Caracas. ¡Lo enloquecieron!

Creo que por primera compro tanto –y sin titubear- en uno de estos eventos: franelas Kúa para Pablito –tienen una de La Naranja Mecánica encantadora-, pijama de pollito de Burun Danga –también para el pequeño-, carteras hechas de vallas recicladas de Ciudadela Creativa, prendas de Minoku -marca con ciertas reminiscencias grounge noventosas-, adornitos para llaves de Vb Caracas, más vestiditos de Pink Ponk… ¡y basta! Igual me quedé con las ganas de una cartera de Asa Celuloide, las faldas de BaráDuo y una suave franelita de Missile Clothing.
Y mientras yo revoloteaba y curucuteaba entre los puestos de ropa, accesorios y detallitos, Pablito y JJ la pasaban de lo mejor echados en un área tipo chill out que había o en un cuarto que acondicionaron especialmente para que los niños pintaran con creyones de cera. Sí, hacía calor, pero es natural en un mercado, ¿no?

…

Imágenes:

-Fragmento de la bolsa oficial del Mercado
-Exhibición de prototipos ecológicos utilitarios
-Pablo en el cuarto de dibujo y en el chill out sentado sobre la bolsa oficial

Rituales viajeros

2009-07-10T00:51:00.003-04:30

Cada destino tiene sus encantos y particularidades y cada viajero tiene sus propios intereses. Historias, diversión, realidades, aventuras, gastronomía, marcas, rebajas… Todos van en pos de algo en especial y cada viaje termina siendo una experiencia única, aunque los destinos sean los mismos.

Regresando de mi viaje más reciente, noto que siempre busco los mismos placeres en cada uno de esos paseos que trascienden fronteras y que éstos son fiel reflejo de mis manías cotidianas: No todo el mundo se dedica catar huevos revueltos cada vez que pisa otros territorios.

Me encanta probar desayunos. Husmeando descubrí que en Budapest los panes y pasteles se ven apetitosos pero no lo son, que definitivamente no me gustan los desayunos bonaerenses –caso aparte las medialunas- y que en Zagreb cualquier cosa que veas provocativa en una panadería o pastelería hace honor a su apariencia.

También soy experta en desayunos de hotel. Generalmente son tipo normal –o malosos-, aunque hay dos casos dignos de mención: Los del Casa Andina en Cusco son para chuparse los dedos –creo que el ambiente tan agradable definitivamente influye- y en el Marriott del Willemstad preparan las mejores panquecas, omelettes y tostadas francesas que he probado.

Sobre mis siempre ansiados huevos revueltos puedo decir que se me ha hecho sumamente difícil conseguir algunos decentes. Me quedo con los locales.

El café es otro asunto que me obsesiona cuando viajo, quizás por ser mi gran adicción. En líneas generales han sido algo “aguados” para mi gusto, ocupando los gringos el último lugar. Creo que una de mis peores decepciones fue cuando entré por primera vez a un Starbucks: “buen café mal preparado”, dijo alguien una vez y tenía razón. En Argentina, Perú y Panamá tiene buen sabor y hasta compré para traer –saben mejor cuando los prepara mi madre-.

Entre mis otros rituales viajeros está comprar siempre una cartera, preferiblemente que refleje la cultura del lugar –claro, en sitios como Miami o Aruba esto no es posible-; traer una postal no paisajística; buscar marca páginas curiosos –de verdad los hay-; comprar un libro de algún autor local, así se consiga aquí –le da como otro sentido- y visitar librerías, así llegué a esa maravilla llamada Gandhi en Monterrey y a su equivalente argentino: El Ateneo.

Sí, pasan los años y mis rituales no cambian.

Escritura

2009-07-09T19:59:00.003-04:30

Alguna vez escribiré con piedras,

midiendo cada una de mis frases

por su peso, volumen, movimiento.

Estoy cansado de palabras.

No más lápiz: andamios, teodolitos,

la desnudez solar del sentimiento

tatuando en lo profundo de las rocas

su música secreta.

Dibujaré con líneas de guijarros

mi nombre, la historia de mi casa

y la memoria de aquel río

que va pasando siempre y se demora

entre mis venas como sabio arquitecto.

Con piedra viva escribiré mi canto

en arcos, puentes, dólmenes, columnas,

frente a la soledad del horizonte,

como un mapa que se abra ante los ojos

de los viajeros que no regresan nunca.

Eugenio Montejo

...

Inspirador regalo de mi muy estimada compañera de taller LL.

Primera vez

2009-06-25T13:36:00.003-04:30

Esto ameritaba ser documentado y publicado: por primera vez he hecho arepas.

"Everybody Lies"

2009-06-13T17:50:00.003-04:30

Gregory House

Esperando la sexta...

Todo Tim Burton

2009-06-11T00:03:00.003-04:30

Piezas, películas y otros trabajos desarrollados por Tim Burton desde sus primeros años hasta lo más reciente, se presentarán en una súper retrospectiva que está preparando el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En este recorrido a lo largo de la carrera del artista –creo que merece el término- habrá más de 700 objetos casi desconocidos, así como dibujos, bocetos, esculturas hechas especialmente para sus filmes, fotografías instantáneas (Polaroid), figuras de sus personajes e, incluso, cuentos; y durante los cinco meses que estará abierta la exposición se proyectarán catorce cintas de Burton. Del 22 de noviembre de 2009 al 26 de abril de 2010.

Cuántas ganas de encontrarme con Jack, Sally, la novia, la bruja, el gigante Karl, los marcianos, Sparky y, especialmente, Edward.

…

Imagen: este dibujo de Tim Burton pertenece a su libro de (particular) poesía La melancólica muerte de Chico Ostra.

Eduardo Liendo

2009-06-09T09:19:00.010-04:30

En complicidad con el lector

Sus experiencias como activista, la política cultural del Estado, la literatura contemporánea local, la importancia de tomar en cuenta a quien lee y su nueva novela son algunos de los temas sobre los que el escritor conversó durante este encuentro

Corre una mañana tranquila. Pedimos dos “marrones” y, justo antes de encender el grabador, espeta que no está muy seguro de hacer la entrevista, porque “¿de qué vamos a hablar?”. Conversamos, se decide. Quizás no lo sepa, pero un personaje con su trayectoria literaria y vivencial siempre tiene algo interesante qué decir al lector.

Eduardo Liendo no sólo cuenta con una vasta obra como escritor. En su juventud participó en movimientos de izquierda y fue activista subversivo, hechos que le valieron casi seis años en prisión y otros tantos exiliado en la Unión Soviética y Checoslovaquia. Aunque aquella fue una época convulsa y no había realizado estudios literarios de ningún tipo -estuvo en el Instituto de Ciencias Sociales de Moscú haciendo estudios políticos-, se acercó a la literatura.

“Pienso que es una vocación, incluso, temprana, lo que pasa es está interrumpida por esos acontecimientos políticos. Todas esas experiencias y un poco la frustración dada por la derrota del movimiento revolucionario de izquierda, no solo en Venezuela sino en el continente, me inclinaron definitivamente a lo que yo creo que es mi vocación dominante: la escritura literaria”, reflexiona.

Paradójicamente, de aquellas experiencias algo bueno quedó, pues “una vida es el conjunto de las cosas buenas y malas que te pasan. Si yo no hubiese estado en prisión, no hubiese podido escribir algo como El round del olvido, por ejemplo, que tiene una ambientación bien marcada en ese sentido, y mucho menos Los topos, que tiene elementos testimoniales; casi toda mi literatura, de una manera u otra, está marcada por esa experiencia. Me hice un lector obsesivo en los años de prisión, creo que ese es un punto a favor de esa circunstancia”.

-Al recordar ese pasado, resulta inevitable preguntarle sobre su posición política actual.

-Soy opositor. Me parece que éste es un gobierno militarista, autoritario y se ha perdido un elemento que le costó muchísimo a este país lograr: el poder civil. Este régimen está enmascarado porque los recursos con los cuales logró el poder son legales y hay elecciones indiscutiblemente libres, pero el manejo que se ha hecho de esto es militarista, arbitrario y antidemocrático en buena medida.

-¿Y qué opinión tiene sobre la llamada Plataforma literaria creada por el gobierno?

-Estoy al margen de todo eso porque no me interesa su política cultural, la englobo en lo que te dije anteriormente. Éste es un gobierno que tiene una visión dogmática, retrógrada e “izquierdosa”, en el peor de los sentidos. De allí no se puede esperar una política cultural abierta. En este momento se ven más los riesgos que en el pasado porque hubo un momento en el que se mantenía cierta diversidad, cierta pluralidad, cierto respeto por algunas formas, pero esa actitud está dejándole paso a la intolerancia, se está viendo en el teatro, en los lugares que prestan o no prestan para determinados espectáculos, limitaciones editoriales.

-Hablando de limitaciones, ¿el hecho de que existan restricciones para importar libros ha influido en el incremento de publicaciones de autores locales?

-Creo que hay una confluencia de factores. Hay épocas en las que se produce una diversidad de publicaciones, obras relevantes. Fue lo que vivimos en América Latina con el llamado boom: no es que alguien inventó a García Márquez y otro inventó a Vargas Llosa, a Fuentes, a Cortázar, a Borges… si no que eran escritores de talento. Estaban allí y aprovecharon una circunstancia favorable para la edición en España, que fue el principal punto de promoción editorial, incluso durante la dictadura de Franco, precisamente, porque los escritores españoles estaban censurados.

“Cuando hay menos posibilidades de textos extranjeros, puede influir. Un editor arriesga más con el talento nacional y a lo mejor en otras circunstancias no lo hubiese tomado tanto en cuenta. Lo que es significativo es que hay un conjunto de narradores venezolanos de distintas generaciones que están desarrollando una obra meritoria. ¿Cuáles de esos textos van a ser definitivamente sobresalientes? Es algo que le tenemos que dejar al tiempo, porque no vamos a inventar obras maestras todos los meses. Al mismo tiempo se ha ido creando un lector menos prejuicioso y más proclive a leer a sus autores”.

-¿Y a qué cree que se deba ese cambio?

-Estos son problemas complejos y es difícil atenderlos en una entrevista, pero el alejamiento del lector venezolano de sus autores tiene mucho que ver con una actitud escritural -sobre todo en los años 60 y parte de los 70- que se desentendió de los temas, de las anécdotas, de las tramas y fundamentó casi todo el ejercicio literario en la forma. Eso creó una literatura, en algunos casos, muy interesante experimentalmente, pero también del aburrimiento porque el lector quiere que en cierto modo le cuenten algo, le interesan las dos cosas.

“Esto quiere decir que tú abandonabas al lector, y si lo haces, no puedes pedir que te lea, ni siquiera le puedes pedir al editor que te edite o al librero que te venda, porque, ¿cuál es el negocio? Al fin y al cabo, el libro es una mercancía muy singular, con unas características muy singulares, pero es una mercancía. Ahora se ha buscado un diálogo, una complicidad con el lector y eso es muy importante. Lo que trasciende es lo que toma en cuenta al otro. Claro, eso hay que manejarlo con ecuanimidad, tampoco se le puede exigir a los autores una cartilla y que la medida de la excelencia sea la comprensión masiva de un texto, sería otra aberración”.

Reediciones y novedades

El año pasado el sello editorial Alfaguara creó la Biblioteca Eduardo Liendo, la cual pretende reeditar –no reimprimir- toda su obra, además de publicar nuevos títulos. Liendo ha disfrutado mucho todo ese proceso de revisión: no tiene prejuicios a la hora de intervenir un texto ya publicado. “Es muy interesante porque da una distancia y a algunos textos los empiezas a ver como textos de otros. Ya no estás tan involucrado con aquella creación, con aquel párrafo, aquella página que no te permitía advertir tus propios gazapos”. A la reedición de El diario del enano agregó un episodio y a la de Los Platos del diablo le hizo un “toquecito”, por ejemplo.

El último fantasma es el nombre de su libro más reciente. Era una idea que le daba vueltas en la cabeza desde hacía unos dos años y, luego de descartar algunos personajes, se quedó con Lenin porque le pareció el más paradigmático de todos. “Es una novela muy contemporánea, en el sentido de lo que actualmente se hace en novelística moderna o posmoderna. Hay una combinación de elementos de ficción con autobiográficos y de investigación. Se trata de Lenin en Caracas; tiene una temporada llena de conflictos, de reclamos, explicaciones y puestas al día, en mi apartamento”.

Mílitza Zúpan

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Esta conversación con Eduardo Liendo, agradable e interesante además, ocurrió a finales del año pasado y terminó saliendo publicada en la sección cultural de la revista Producto de abril de este año.

La fotografía es de Marianela Díaz-Cardozo, periodista maracucha que ha hecho unas fotos estupendas de autores venezolanos, entre otras. Si quieren ver su trabajo, pueden visitar su espacio en Flickr

Cultura en rojo

2009-06-08T21:08:00.004-04:30

A la Feria del libro decidí no volver hace dos años; mejor ir a cualquier librería y me ahorro la molestia. Aún me asombra que la Orquesta Gran Mariscal de Ayacucho se retirara del montaje de El violinista sobre el tejado a pocos días del estreno porque su participación en una “obra judía” ponía en riesgo el subsidio que reciben del Estado. También me siguen asombrando los precios de los libros, objetos de lujo gracias a “la crisis” y a las regulaciones insólitas que ha sufrido el sector editorial. Al ministro Soto no le cuadra que la programación de los cines sea tan hollywoodense, y sí, hace falta diversidad pero, tomando en cuenta los antecedentes, es fácil imaginarse cómo sería ésta. Sigo despechada por el desalojo –y probable desaparición- del Ateneo y aterrada por el lema del Plan Nacional de Lectura: “Dime qué lees y te diré si eres libre”. Por allí se discute un proyecto de Ley de Cultura que tiene el extraño poder de erizarme la piel. Ah, y por ser periodista cultural ahora me cuesta hacer trabajos otrora sencillos porque hay gente que no quiere hablar… y no los culpo.

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Imagen: es uno de los árboles de Natasha Wescoat que tanto me gustan. No tiene nada que ver con todo este asunto, solo que ayer vi uno así como muy parecido en un cuadro pintado por un “artista” nacional.

Y caminamos...

2009-06-07T15:21:00.030-04:30

Por el medio de la calle

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Imágenes (tomadas por José Juan Sanguinetti):

Bola de reciclaje
El ventarrón
Alemán en la pared
Pablo por el medio de la calle

Por el medio de la calle

2009-06-04T23:18:00.005-04:30

Una noche al año, las calles de Chacao se transforman en un universo sensorial del que los transeúntes forman parte, y que nada tiene que envidiarle a iniciativas similares que ocurren en las grandes ciudades europeas. Esta experiencia es fruto del esfuerzo de la Fundación Plátanoverde y Cultura Chacao, y recibe el nombre de Por el medio de la calle, festival que se ha convertido en una necesaria dosis de oxígeno para los habitantes de la agobiante Caracas.

Danza, fotografía, proyecciones, música y cualquier otra manifestación inusual estarán a la orden del día en el circuito de arte urbano que recorrerá los alrededores del casco histórico de Chacao el sábado 6 de junio. Habrá más de 200 propuestas nacionales, así como internacionales. Entre las foráneas encontramos a Johan Lorbeer, artista alemán especialista en performances urbanos; el francés Ezec Le Floc´h con un singular espectáculo de danza y malabarismo, y Suso 33, español experto en live painting; también nos visitarán artistas de México, Inglaterra y Estados Unidos. Dos días antes del evento, habrá talleres con cada uno de estos invitados.

Este año Por el medio de la calle fue declarado Patrimonio Cultural del Municipio Chacao “gracias a su invaluable labor de reunir a más de doscientos artistas por un día para generar nuevas formas de expresión en los espacios públicos; y de valerse de las intervenciones culturales para hacer de Caracas una urbe cada vez más afable e incidir en su renovación”.

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Esta nota saldría en la edición de mayo de la revista Producto pero, por aquello de "entraron avisos de más", no cupo. La imagen corresponde a Johan Lorbeer de Alemania.

Adiós Kung Fu

2009-06-04T13:41:00.007-04:30

(o Bill)

De pequeña lo odiaba, quizás porque la serie carecía de atractivos para una niñita o porque prefería que mi papá jugara conmigo en lugar de verlo. De grande la cosa cambió y su imagen se convirtió en un viaje seguro a mi infancia, por eso esperé con emoción su aparición en la película de Tarantino que, además, tenía que ver con artes marciales, ¡excelente!

Hoy lo encontraron muerto en un hotel de Bangkok. Al parecer, se suicidó. Tenía 72 años.

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Imagen: David Carradine

El arrebato de Ramsés

2009-06-03T18:07:00.008-04:30

Sus ademanes, su mirada, su manera de hablar… todo en Ramsés Larzábal transpira pasión por lo que hace: arte, y ese empeño natural por expresarse lo ha convertido en un artista integral, de proyección internacional para quien aun falta todo por hacer

Un iluminado e inmaculado apartamento de decoración inusual en Los Palos Grandes es su refugio. Obras de sus amigos, muebles fabricados por él, una cámara a través de la cual mira la calle y una instalación en la que aun trabaja, forman parte de la ambientación, así como las canciones de Alejandro Sanz que salen de su iPod. Nos sentamos muy cerca de la ventana, trae dos vasos de jugo de mango recién hecho y comenzamos a hablar.

Ramsés Larzábal es cubano y, como muchos, por razones políticas abandonó la isla por el puerto de Mariel. En Venezuela vivía la familia de su madre por eso, luego de una breve pasada por Miami, eligieron este país como destino. Corría el año 1980 y sólo tenía 14 años.

Hoy Ramsés es un artista integral que bien puede hacer dibujos, pinturas, performances, textos intervenidos y otras manifestaciones que han sorprendido a más de uno. Su trabajo se ha visto en Venezuela, Estados Unidos, Perú, Rumania, Suiza y Brasil, y ha sido reconocido en el Salón Michelena, Salón Nacional de las Artes del Fuego, Salón Juan Lovera, I Bienal de Arte del Táchira, así como la Bienal del Mosaico en Argentina y la Trienal de pequeña cerámica en Croacia. No duda al afirmar que su trabajo es su vida, y es eso precisamente lo que transpira al hablar: pasión por lo que hace.

-¿Eres de esas personas que siempre supieron lo que querían ser o lo descubriste en el camino?

-Siempre. A pesar de que en mi familia no hay un antecedente artístico como tal, mi mamá tiene una vocación natural por el arte, siempre nos mantenía la casa llena de pinturas, de dibujos. Crecí viéndola trabajando la orfebrería, ropa, cortinas… en la casa todo lo hacía ella, absolutamente todo. Después entiendo que es una manera de vivir que tenemos los cubanos porque no es una cosa de voy a la tienda porque quiero cambiar esta cortina. Vivir en ciertas condiciones hace que se estimule la creatividad.

Y ciertamente la creatividad estaba latente en él. Su madre siempre lo estimulaba y llegó a inscribirlo en cursos de pintura y dibujo, pero al final se aburría y los abandonaba a los pocos meses, “porque tenía que copiar tal cosa o llevar una imagen para pintarla, pero nunca terminaba de indagar en mi curiosidad”. Ya de grande fue cuando sintió el “chispazo”, y cierto día leyendo sobre otro artista, se levantó y se inscribió en un taller de escultura.

Como era de esperarse, "el arrebato de Ramsés" –así lo han denominado sus amigos- no lo dejó estar mucho tiempo quieto y se cambió a estudiar cerámica, “y me divirtió enormemente compartir dos años con unas cuantas señoras que la pasaban muy bien hablando de novelas y llevando comiditas ricas todas las tardes. Estaba vinculado con este grupo porque era muy divertido, pero Ramsés era otra cosa”, recuerda.

En ese transitar, su mente siempre estaba inquieta, nunca pensado en esa obra que haría sino haciéndola. Y esa inquietud –que confiesa también haber heredado del lado materno- que en un principio manifestaba haciendo su propia ropa, orfebrería o creando ambientaciones para su habitación, terminó canalizándose en increíbles trabajos creativos. “A lo mejor por eso es que hoy en día hago instalaciones y es la tendencia en la que mejor me desarrollo”.

A estas alturas de la conversación es evidente la personalidad poco convencional de Ramsés, y eso se refleja en su obra. Cartones o ganchos de ropa son algunos de los materiales que ha empleado, de hecho, su primer trabajo trascendental, por decirlo de alguna maneta, fue realizado con bandejas de cartón que recogía en las calles.

“Hice una forma que parecía un carrito que, además, se elevaba y, metafóricamente, empecé a verlo como un papagayo, como volar y estar en la tierra. Había cantidad de asociaciones, porque yo trabajaba mucho con mi memoria infantil, con mis vivencias en Cuba y empecé a hacer esa analogía de la libertad que se dice que tienen lo cubanos, pero no pueden decidir cuando vuelan, literalmente, y hacía comparaciones con mi nueva vida”.

Quienes miraban la obra quedaban maravillados y más maravillado estaba él al ver la reacción: se trataba de cajas recogidas de la basura, pero a todos les parecía algo bellísimo. “Me llamó enormemente la atención cómo la gente obvió lo que tenía en frente e hizo poesía de lo que estaba viendo”. Con esa pieza lo aceptaron en el Salón Michelena y ganó el premio Armando Reverón en 1997.

-Antes de dedicarte al arte, ¿de qué vivías?

-Durante un tiempo decía que estudiaba y que hacía muchas cosas, pero, realmente, me mantenía mi mamá. Hoy una de las cosas que le reclamo es no haber tenido la mano un poquito más dura.

En su familia las peluquerías siempre han sido un negocio, entonces, cuando llegó la hora de ponerse a trabajar, se asoció con un amigo y montó la suya en La Victoria. En ese campo también fue autodidacta, su personalidad siempre sociable lo hizo relacionarse con los vecinos y así practicaba con ellos. Un tiempo luego la dejaría para abrir otra en San Antonio de los Altos. El negocio duró 18 años, y para él fue una escuela vivencial,

Mucha gente asocia las estructuras de su trabajo con su oficio de peluquero. La “pelambre” es un elemento recurrente en sus obras, como las que presentó en la exposición Gestos del silencio el año pasado (2007), por sólo mencionar un caso. “Nunca lo hice concientemente, siempre tuve mis dos trabajos separados, pero a lo mejor inconcientemente sí hay algo de eso”. Sólo una vez arte y peluquería se combinaron adrede, cuando Luis Romero y Alexander Apóstol lo invitaron a participar en 13 horas, un proyecto que organizaron en la Sala Mendoza. La propuesta de Ramsés era interactiva y consistía en recrear la experiencia de ir a una peluquería y a través de los cinco sentidos. Audios, fotografías y aromas fueron algunos de los recursos que empleó para lograrlo.

-Hablemos de algunos de tus trabajos. Había una vez es el nombre de una de tus primeras y siempre comentadas exposiciones individuales, ¿de qué trataba?

-Fue mi primera exposición en la sala Mendoza. Relacioné las obras expuestas con el título, entonces tenías que leer el título de la exposición y agregarle el de la obra, por ejemplo, Había una vez… un oco, que era una de las piezas, o un niño que viajaba solo, un sol permanente, un cielo de gelatina. Escribí textos para cada una de esas piezas, era como un libro de cuentos. Era una instalación, todo se relacionaba. Esa exposición también viajó a Cuba.

-¿Y cómo fue la experiencia de realizar la itinerante Una maleta llena?

-Soy uno de esos artistas que desea compartir con el interior, llevar nuestro trabajo a los rincones de Venezuela; con Una maleta llena estuve en Aroa y Puerto Ordaz. Era un concepto en el que decidí llenar mi maleta de juguetes y llevármela para compartirlos con todos. Previamente estudiaba un poco la zona para conocer los motivos que me pudieran interesar y crear una pieza para ese lugar. Iba creando piezas mientras se hacía el recorrido.

“Cuando fui a Aroa hice una pieza llamada Aora, nombre invertido, y tenía que ver con las líneas de ferrocarriles por donde se llevaba el cobre de las minas de la familia Bolívar. Parte de ese oro se usó en la Estatua de la Libertad. ¡Esa historia me pareció fantástica! Desde el abstraccionismo, que es mi lenguaje, creé unos rieles que parecían moverse”.

-Has participado en ferias importantes como la de Bogotá. Como artista, ¿es igual preparar una pieza que, de antemano, sabes que irá a uno de estos eventos?

-El proceso de feria tiene otra connotación. Compartes un espacio con otros artistas, con otras expresiones, no sólo eres tú quien exhibe la obra. Es una obra que, si se quiere, se piensa un poco más en ese sentido, pero yo nunca me alejo de lo que yo soy.

-¿Es importante exponer?

-Creo que para todo artista es importantísimo exponer. Para mi exponer es querer llevar la necesidad más allá de lo que uno quiere decir. Esa locura que uno tiene de estar siempre pegando un grito, diciendo cosas… es muy asfixiante decírselo solo al espejo. Una vez expuesto tienes una manera de socializar, de compartir, de decirle a otro lo que tú crees en la vida, lo que sientes, lo que padeces. En mi caso no soy de los que sufre porque tú entiendas lo que quiero decir, lo que quiero es que tú sientas lo que quieras, no lo que yo quiero que tú veas.

-Entonces no te afecta que cada quien interprete de forma diferente tu trabajo.

-No, en absoluto. Tengo una vivencia enorme. Me gusta ir al interior porque, para mí, el interior significa verdad, gente pura cuya opinión es desde sus sentimientos, no van a tener una postura de complacencia. Eso es maravilloso. Soy un medio que trata de conducir, pero eso no quiere decir que te castre. No es que no me interesa, pero no me voy a torturar porque no me entiendas. He descubierto en las interpretaciones de otros, cosas maravillosas.

-Los performances ocupan buena parte de tu trayectoria. ¿Cómo te acercas a estas manifestaciones?

-Mi primer performance fue un dolor, estuvo ligado a la muerte de mi hermano y a la enfermedad de mi madre, cáncer de mamas. Coincidió con el montaje de una exposición individual en la alcaldía de San Antonio llamada Abriría tanto un grito que podrías tocarme las campanillas. Es describir con esas palabras un acto absoluto de dolor, de un grito tan, tan profundo, literalmente, que es tan grande el gesto de abrir para poder expulsarlo que podrías verme interiormente.

Este año participó en ID Performance (2008) bajo el concepto Dueto y duelos; allí le tocó trabajar a María Teresa Hincapié, artista colombiana fallecida a principios de 2008. “Estudié su trabajo y me interesó Esta cosa es una cosa, en el que describía su relación con cada uno de los objetos con los que convivía”. Basándose es esto hizo un performance en el que se despedía de sus muertos; de alguna manera, también lo asociaba a la muerte de su hermano, pérdida que aún no ha logrado superar. “Fue como un símbolo de duelo personal”.

Los performances también le han servido para expresar una posición política, aunque no haya sido ésta su intención. Tal es el caso de Del rojo al oro, inspirado en un viaje por tierra que hizo a Carabobo: el paisaje rojo lo impactó –empleados vestidos de rojo, alcabalas pintadas de rojo, vallas con letras rojas-. Asfixiado por el rojo, decidió lavarlo, literalmente, en esta presentación realizada en Maracaibo en la que pintó su cuerpo con el citado color para luego blanquearlo con cloro.

-En la GAN presentaste Estamos servidos, también de corte político, y hay otros asociados a tu memoria infantil. Pareciera que los performances sirven para exorcizar tus demonios.

-Es muy cómico, mucha gente puede pensar eso, pero yo no lo veo así. También puedes exorcizarte echándote una buena rumba y bailando o trotando. El performance es una expresión de arte que, a lo mejor, está muchas veces ligada al dolor, pero es porque estamos usando el cuerpo directamente contra una situación. Entonces, al ser algo que se repite y se repite, nos alude a una tortura.

Y es que a Ramsés Larzábal le tiene sin cuidado el esfuerzo que deba hacer con tal de expresar lo que siente, no conoce otra forma de vida. “Mi mundo es una fantasía de hacer todo el tiempo. Para mí la vida se traduce en trabajar, y todas esas cosas son rastros de piel, de lo que soy. Mucho de lo que hago y de lo que he mostrado es mi vida, y todas esas cosas te marcan. El día que no sienta que tengo libertad para hacerlo, no haré más nada”.

Mílitza Zúpan

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Ramsés Larzábal es un tipo muy pasional y carismático. Ésta fue una colaboración que hice para la revista Ocean Drive. Si no me falla la memoria, la conversación fue a finales del año pasado y se publicó en febrero de este año.

Momentos

2009-06-01T20:07:00.004-04:30

Él no es fotógrafo ni ha hecho curso alguno sobre el tema, pero quienes han visto sus imágenes –que además hace sin mayor pretensión- dicen que tiene una excelente mirada… y me cuento entre ellos. Sean tomadas con su vieja análoga o con una digital muy sencilla, sus fotos tienen “algo”.

Hablo de mi esposo, y todo este preámbulo se debe a que Pablo, nuestro bebé, y yo fuimos su objeto en las fotografías que presentó en una exposición en la que participó recientemente. La serie se llama Momentos y cada una de las imágenes simboliza una etapa importante en la vida del autor (amor, unión, paternidad, familia).

Sobra decir que Pablito y yo estamos orgullosos y felices por este regalo.

…

Imágenes: José Juan Sanguinetti.

Vuelven los talleres Unimet-ICREA

2009-04-24T09:39:00.003-04:30

En el mes de mayo inicia un nuevo ciclo de talleres de la Universidad Metropolitana y el ICREA (Instituto de Creatividad y Comunicación). La variada oferta de cursos para la formación de la escritura y la creatividad por medio de la experiencia práctica y teórica es conducida por profesionales y artistas destacados de la actualidad.

Crónica, historias de verdad es el nombre del taller que estarán dictando Sandra La Fuente y Liza López, desde el sábado 9 de mayo. Se trata de ocho sesiones teórico-prácticas en las que se pretende comprender la crónica como género de no ficción y conocer las herramientas literarias, a través de la revisión del trabajo de cronistas venezolanos y latinoamericanos y de ejercicios puntuales de escritura.

José Tomás Angola comienza su taller de Edición el 9 de mayo con la finalidad de reproducir de manera veraz todo lo que implica el proceso editorial, desde la constitución de la empresa hasta la comercialización del libro. Son dos sesiones enfocadas de forma práctica dirigidas a todos aquellos que deseen conocer o aproximarse al trabajo del editor en Venezuela.

¿Qué es un performance? ¿Cuál es la diferencia entre una instalación y una escenografía? ¿Hay relación entre juego y aprendizaje? Estas son algunas de las interrogantes que Carlos Zerpa despejará de forma dinámica en el taller Arte no convencional. El objetivo es lograr desarrollar la visión y hasta el “olfato” para poder determinar qué es y qué no es arte, en ocho sesiones que comienzan el 12 de mayo.

Concebido como un espacio vivencial, el taller de Poesía que ofrece Edda Armas girará sobre la creación y revisión de textos propios, y de la lectura comentada de autores clásicos y contemporáneos, presentando, incluso, autores internacionales poco conocidos. Inicia el jueves 14 de mayo.

Vida, amor y muerte son los tres grandes temas de los que se desprenden ciertos elementos siempre presentes en las historias, sea en cine o teatro. Desde el 6 de junio, Robert Gómez dictará Los argumentos eternos, taller que busca identificar esos elementos recurrentes, así como sus estructuras, quién cuenta y desde dónde se cuenta y cómo se ubican en las experiencias narrativas personales.

Quienes deseen conocer más detalles sobre los talleres, horarios e inscripciones, pueden llamar al teléfono 240.35.21 o escribir a talleresunimet-icre@unimet.edu.ve. Los participantes que se inscriban en más de un taller, recibirán un descuento de 10% en cada uno. Las clases serán dictadas en las sede de la Universidad Metropolitana; se hará entrega de material de trabajo y certificado de asistencia.

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Talleres de escritura y creatividad Unimet/ICREA
Fecha: A partir del 9 de mayo
Lugar: Universidad Metropolitana
Información: (0212)240.35.21 / talleresunimet-icre@unimet.edu.ve

De libros y lectores

2009-04-23T16:51:00.009-04:30

Dicen muchos que en este país nadie lee, sin embargo, los años que llevo trabajando en la fuente cultural y como promotora de actividades de este tipo -en las que la literatura ha estado incluida-, me hacen creer que la afirmación no es tan extrema. Es cierto que no somos como Argentina o México, con sus librerías monstruosas y la respectiva avalancha de títulos, si de comparaciones se trata, pero acá sí hay un mercado editorial que se mueve, a pesar de las adversidades.

He entrevistado voceros de editoriales que hablan hasta de un plan C para superar la crisis y las tantas regulaciones impuestas al sector. También he hablado con representantes de librerías que confiesan bajas en sus ventas, pero allí continúan con el mismo ánimo. Y he conocido lectores que, aunque tengan el bolsillo golpeado, no dejar de comprar libros… justamente, eso es lo más importante.

En estos días estuve haciendo una pequeña investigación para un trabajo que fue publicado en la edición de hoy de la revista Eme, a propósito del Día del libro, y no sólo me divertí porque me gustara la temática, también me sorprendí gratamente. Como la interrogante a despejar era ¿Qué leen las mujeres?, hicimos una encuesta a un mujerero –jóvenes, mayores, casadas, solteras, conocidas y desconocidas- y todas, absolutamente todas, expresaron su gusto por la lectura.

Las encuestadas hablaron con pasión de sus gustos –les fascinan las revistas, pero los libros son insuperables-, de cómo compensan la falta de tiempo escabulléndose a leer en su hora de almuerzo o aprovechando esos minutos en la cama antes de dormir y de cuánto les gusta una novela, sea romántica o histórica. También se declararon amantes o enemigas de la autoayuda, nombraron con total familiaridad los títulos que leen o acaban de terminar y recordaron esos títulos que han marcado sus vidas –Cien años de soledad, imbatible-.

Si comparto o no los gustos de los demás, es lo de menos. Soy de las que piensan que así se trate de Paulo Coelho, la serie Crepúsculo, libros para cuaimas, novelas rosa o cuentos de suspenso, lo verdaderamente relevante es que se lea y que, precisamente, exista esa diversidad para que cada quien elija lo que guste.

Más Chácharas en el bar

2009-04-22T17:09:00.005-04:30

Y hoy continúa el ciclo de tertulias tocayas que realizan cada miércoles en Barrabar (Centro Comercial Mata de Coco) con la finalidad de "abrir un nuevo espacio para intercambio de ideas y puntos de vista" en un ambiente cordial.

Tal como lo han prometido, los temas varían en cada entrega y la de hoy tiene que ver con música: ¿Existe un verdadero auge en la producción musical venezolana actual? Las figuras contrapuestas son Alejandro Calzadilla y Caplis Chacín, y el moderador/selector es Juan Carlos Ballesta.

Se mantiene la hora: 7:00 PM

La mirada de Lisbeth Salas

2009-04-16T16:51:00.003-04:30

El ojo en la letra de Lisbeth Salas “es mucho más que un libro. Es un proyecto de largo aliento –inconcluso por su propia naturaleza-, de un valor documental inestimable y con una propuesta conceptual muy definida: retratar a aquellas personas cuyas vidas, vistas desde el prisma de la creación o la profesión, están signadas por la palabra escrita y su transmutación en libro”, cuenta su editor, Ulises Milla, en la introducción del mismo. Arturo Uslar Pietri, Laura Antillano, Edda Armas, José Pulido, Teodoro Petkoff, Eugenio Montejo, Eduardo Liendo, Adriano González León, Germán Carrera Damas, Héctor Torres son algunos de los 110 autores reunidos por la fotógrafa en las páginas publicadas por editorial Alfa.

A partir de este proyecto, interesante por demás, ha surgido una muestra fotográfica del mismo nombre que se exhibe en el Centro Cultural Chacao, del 18 de abril al 31 de mayo. Para la ocasión se hizo una selección de 50 de esos retratos de escritores iberoamericanos capturados por el lente de Salas en la que encontramos plumas contemporáneas, consagradas, locales y foráneas presentadas de forma familiar, cercana.

Amante confesa de la literatura, Lisbeth Salas se ha dedicado a retratar a escritores de diversos países durante más de una década. Actualmente, trabaja para Editorial Anagrama, Grupo Zeta y otros medios impresos en España.

El ojo en la letra, el libro, es una pieza necesaria en la colección de amantes de las letras y la fotografía. El ojo en la letra, la muestra, es un paseo inusual por la literatura en español que vale la pena dar.

…

Imagen: Eugenio Montejo, por Lisbeth Salas.

Pafuera telarañas

2009-04-14T10:25:00.003-04:30

Revisar la MP3-teca para llenar el iPod nuevo es un ejercicio interesante –que compensa el desagrado de recordar que el anterior se lo arrebataron unos salvajes a mi esposo-. Entre tantas carpetas, a veces se me van olvidando temas o discos, y reencontrarlos es una experiencia bastante grata y un buen ejercicio para la memoria.

Uno de esos casos es Pafuera telarañas, el hasta ahora único disco de la española Bebe editado en 2004 –hace un montón de años ya-. De esta exitosa y premiada producción, supongo que la mayoría de la gente debe recordar inmediatamente Malo, tema radiado hasta el cansancio que, en su momento, fue punta de lanza de campañas a favor de la no violencia contra la mujer, banda sonora de la serie Mujeres asesinas y favorito de féminas despechadas –así nadie les haya levantado la mano-.

Pero Pafuera telarañas es mucho más que Malo. Aquí hay desde ska hasta baladas súper melancólicas, buena música, ritmos pegajosos, mensajes concientizadores, una voz españolísima y, sobre todo, mucha personalidad, algo tan necesario en tiempos en los que parece que todo ha salido del mismo molde. Otro plus: las letras.

Interesantes, muy femeninas y nada rebuscadas son las composiciones de María Nieves Rebolledo, verdadero nombre de la cantante. Entre mis favoritas están Con mis manos, esperanzadora y optimista; Cuidándote, excelente traducción de “amor verdadero”; la pícara Como los olivos; Siempre me quedará, como para cortarse las venas; Revolvió, otra amorosa; Razones, un hermoso contraste entre la sutileza de la canción y la tremenda añoranza de la letra; y, por último, ese grito de liberación llamado Ella.

En casa, en la playa, en el carro en marcha, sola, acompañada… Este disco siempre cae bien, es de esos que puedo escuchar varias veces seguidas. Y justo ahora que me reencuentro con él, me entero de la buena noticia: pronto saldrá el nuevo trabajo de Bebe -quizás el mes que viene-, además, hecho por el mismo productor, Carlos Jean. ¡A esperar entonces!

In Rainbows

2009-04-09T15:32:00.003-04:30

Éste es el célebre disco de Radiohead que se podía descargar legalmente gratis de la red y que luego comenzó a comercializarse en físico. Tiene más de un año en el mercado, más o menos el mismo tiempo que tengo yo con las canciones en una carpeta de mi computadora, pero es hoy, escuchándolo una vez más, cuando me provoca escribir sobre él.

Aclaro que me gusta Radiohead desde siempre, desde el Pablo Honey del 93. Es el único grupo del cual tengo todos los discos originales -los editados en estudio más uno de EP’s, I Might Be Wrong y el Eraser de Thom Yorke- y he disfrutado cada uno de ellos hasta el cansancio (unos más que otros). Por supuesto, mi opinión es 100% subjetiva y no tengo interés alguno en ofrecer lo contrario.

In Rainbows se ha convertido en algo así como mi disco “de cabecera”, en un sonido recurrente y familiar. No digo que sea mi preferido –ese lugar lo ocupa OK Computer por siempre-, pero sí uno de ellos. Con él se me reactivó el sentimiento por Radiohead, que no es que hubiese desaparecido -eso nunca-, solo que se quedó algo aletargado con Hail To The Thief.

Con este disco regresaron con fuerza las melodías adictivas (Weird Fishes, Jigsaw Falling Into Place), las armonías lentas y desgarradoras (Nude, All I Need), los pianos melancólicos (Videotape), las canciones sencillas (House of Cards) y los juegos de voces que tanto me gustan (Reckoner). Todo muy ellos, todo muy Radiohead.

Y como valor agregado, In Rainbows no sólo integra el soundtrack de mi embarazo y me trae muchos recuerdos de este período tan especial. Ahora Pablo, mi bebé de catorce meses, se para a “bailar” apenas escucha 15 Step, el primer track.

Pascua "naif" en Croacia

2009-04-07T13:54:00.003-04:30

Para celebrar la Pascua, en la región croata de Prodavina, varios artistas han creado una serie de 16 huevos de más de dos metros de alto, intervenidos con pinturas ingenuas que evocan tradiciones, el paisaje bucólico y otros motivos propios de la zona. Lo mejor es que no sólo adornarán espacios públicos de Prodavina, también estarán presentes en otras ciudades del país y de Europa.

En Croacia es costumbre pintar los huevos de pascua para regalar a los cercanos pues, dado el marcado carácter religioso del país, dan bastante importancia a estas festividades. Los súper huevos han sido iniciativa del director de la comunidad turística del Prodavina como una forma de promover el arte naif local y el turismo en el país entero. Gracias al revuelo que ha causado esta original idea, ya anunciaron que el año que viene repetirán la experiencia.

Otra razón para querer visitar otra vez mi país favorito.

Yo soy el mundo

2009-04-02T14:12:00.005-04:30

"Yo soy el mundo, y el mundo soy yo, porque por medio de mis libros puedo ser lo que quiera. Palabras y dibujos, prosa y verso me trasladan a lugares que están cerca y a la vez lejos.

En la tierra de los sultanes y del oro, mil historias que hablan sobre todo de alfombras voladoras, genios de lámparas maravillosas, ogresas y simbades, le cuentan sus secretos a Sherezada.

Con cada palabra de cada página, viajo a través del espacio y del tiempo. Y sobre las alas de la fantasía, mi espíritu atraviesa tierra y mar.

Cuanto más leo, más comprendo que con mi libro siempre estaré en la mejor de las compañías".

...

Este hermoso texto fue creado por Hani D. El-Masri (Egipto, 1951) con motivo de la celebración del Día Internacional del Libro Infantil, hoy 2 de abril. Cada año, un país miembro del IBBY (International Board on Books for Young People) convoca a un escritor reconocido para realizar un mensaje global a los niños y a un ilustrador para diseñar el poster que lo acompañe como una forma de promoción del libro y la lectura.

La celebración del IBBY también se trata de conmemorar el nacimiento del danés Hans Christian Andersen, escritor que forma parte de la infancia de miles de personas en todo el mundo (El patito feo, El traje nuevo del Emperador, El sastrecillo valiente y La sirenita son algunos de sus muchísimos cuentos).

Chácharas en el bar

2009-03-24T21:25:00.008-04:30

Hace un rato me llegó la información sobre este evento tocayo. Se trata de un encuentro organizado por el Colegio de Periodistas, junto a otros colaboradores, dirigido, principalmente, a comunicadores sociales -pero abierto a todo público-. En su “primer capítulo” estarán conversando los periodistas Alonso Moleiro y Vladimir Villegas sobre una interrogante que en los últimos días está en la mente de más de uno: ¿Qué país tendremos luego del 15F? Y, además de la contraposición de visiones, tendrán como moderador/selector de música a Henrique Lazo.

La intención es variar el tema cada semana, invitar a las dos partes opuestas y al respectivo moderador/selector. Y se me olvidaba lo más importante, las tertulias serán en Barrabar (Centro Comercial Mata de coco) todos los miércoles a partir de mañana.

Una forma diferente -y mucho más ligera- de abordar el tema político.

...

Chácharas en el bar – Capítulo 1
Fecha: 25.03.09
Hora: 7:00 PM

Lugar Barrabar

La voz que el rock perdió

2009-03-10T15:29:00.009-04:30

Creo que las bandas que me gustan mucho, por no decir de las que soy seguidora, las conocí en el siglo XX. En los últimos ocho años he conocido varios grupos que me gustan y escucho bastante, pero no así como los de los noventa para atrás -probablemente sea algo generacional-. También creo que la única excepción a esta regla ha sido Audioslave.

Recuerdo la primera vez que los escuché. Íbamos en el carro y comenzó a sonar la “guitarrita” de Cochise; en seguida paramos el scan, luego entró la voz y fue demasiado. No tenía la menor idea de qué era lo que estábamos escuchando, pero me sonaba así como un Led Zeppelin con AC/DC. ¡Excelente!

Comencé a buscar información y me enteré del célebre cuento sobre que era una banda nueva formada por músicos viejos: Tom Morello, Tim Cormmerford y Brad Wilk de Rage Against The Machine y Chris Cornell de Soundgarden. Por allí escuché otras canciones y apenas pasé por una discotienda me llevé el CD –uno de los últimos discos que compré-.

Vino la disolución y lo lamenté, pero no me sorprendió. Ese grupo siempre me dio la sensación de que duraría poco, tal vez por aquello de los egos –no debe ser fácil mantener un “todos estrellas”-. Bien, ahora recordaría a Audioslave como la que, para mí, fue una de las mejores bandas contemporáneas del género.

En estos días escuché Part of me, el promocional del nuevo disco de Chris Cornell y no sé si pensar que habría sido mejor no conocerla jamás. El señor Cornell buscó el apoyo de Timbaland, célebre productor de estrellas quien, a su vez, también es una estrella y ¿juntos? crearon Scream. No suelo escribir para criticar negativamente el trabajo de alguien, no me gusta, pero tenía que comparitr mi pesar.

La fulana Part of me me recordó a Mark Anthony con toques de Justin Timberlake; no tengo nada en contra de Anthony o Timberlake, pero ese estilacho pop-electrónico-latino en boca de Cornell es fuerte, muy fuerte. Y para garantizar el trauma, le hicieron un videoclip “sugestivo” cuyas imágenes de cuerpos “seductores” dejándose llevar por el ritmo y la pasión me hicieron pensar en Arjona –nada como el comienzo con Cornell sentado en un bar evidentemente latino rodeado de mujerzotas-.

Supongo que los artistas desean innovar, evolucionar, cambiar o qué se yo, pero esta reinvención de Cornell como que no. Hasta he especulado con que seguramente quiso darle un vuelco a su vida tras el tormentoso divorcio –estuvo casado con una de esas locas que le hacen la vida imposible a los ex- y la disolución de Audioslave, y entonces hizo “eso”.

En fin, me da miedo escuchar el resto del disco. No creo milagros, así que los demás temas deben ser iguales o peores que Part of me. Y sí, está muy bien producido y todo eso, pero cuánto lamento que una voz como esa, que pareciera haber sido creada especialmente para el rock, ahora entone piezas pop-electrónica-latinas.

Para quienes no conocen el citado video y desean experimentar el placer mórbido que significa verlo, lo dejo por aquí.

Moda y literatura

2009-03-05T12:24:00.006-04:30

Dos temas que me encantan, moda y literatura, se reúnen en 12 trajes para Milán, muestra que se inauguró hace un par de días en el marco de la súper famosa Semana de la moda que se realiza en la sede del Instituto Cervantes en dicha ciudad. Se trata de la revisión de doce obras de escritores españoles y latinoamericanos realizada por doce diseñadores españoles.

Cinco horas con Mario del escritor español Miguel Delibes fue a inspiración para el trabajo de Alma Aguilar, Agatha Ruiz de la Prada presenta su propia visión de un texto del escritor colombiano Álvaro Mutis y Los años con Laura Díaz de Carlos Fuentes es la obra revisada por Ailanto. Y no podía faltar la famosa Cien años de soledad del famoso García Márquez, novela reinterpretada en la creación de Devota & Lomba.

Obras de Juan Gelman, José Ángel Valente, Carmen Martín Gaite, Dulce María Loynaz, Antonio Gamoneda, María Zambrano, Antonio Muñoz Molina y Rosa Chacel también son “vestidas” por Victorio & Luccino, Spastor, Duyos, Miriam Ocáriz, Davidelfin, Amaya Arzuaga, Francis Montesinos y Lydia Delgado. Además, complementa el proyecto un de cine creado especialmente para mostrar cómo ha evolucionado la moda española a través de cintas de Juan Antonio Bardem o Pedro Almodóvar.

La expo –que ya se ha presentado en Japón, China, Turquía y España- es organizada por el Instituto Cervantes, el Ministerio de Cultura de España, el Instituto Español de Comercio Exterior y la Asociación Creadores de Moda de España. Está abierta hasta el 8 de abril y la entrada es libre.

Este tipo de iniciativas me producen dos sensaciones. La primera –inmediata y automática-, ganas de viajar a disfrutar la exposición. La segunda, anhelo de que acá se hicieran cosas similares. Escritores tenemos, diseñadores también. Lamentablemente, entre la crisis económica mundial y el día a día insólito que vivimos en el país, estos tiempos como que no son los más propicios.

...

Imagen: creo, no estoy 100% segura, que corresponde al traje diseñado por Devota & Lomba.

El negocio de las letras en la red

2009-02-13T15:08:00.021-04:30

Literatura virtual

Editoriales digitales, revistas literarias, blogs… En Internet hay todo tipo de espacios dedicados a la promoción de la literatura local que han sabido aprovechar muy bien las bondades que ofrece este medio

No hay dudas: Internet es un medio consolidado. Por algo cada vez son más quienes se apoyan en la red para promocionarse, desde simples personas buscando pareja hasta grandes marcas tratando de posicionar algún producto. Entre la gran variedad de contenidos que nos ofrece la otrora llamada “autopista de la información”, la literatura se ha ganado un amplio espacio.

Si bien a escala mundial el negocio literario se mueve a grandes zancadas en la web, Venezuela no se ha quedado atrás y cada vez son más los sitios dedicados a la promoción de la literatura. En nuestro país, el pionero fue el escritor Jorge Gómez Jiménez con Letralia, tierra de letras, iniciativa creada en 1996, con sede en el estado Aragua, que hoy es una de las más sólidas.

“Letralia es la revista de los escritores hispanoamericanos en Internet. O al menos así estaba planteado al principio. Con los años las cosas crecieron y hoy en día es un portal en el que confluyen escritores y lectores del mundo entero que tienen en común el idioma español”. De esta manera Gómez Jiménez define su proyecto, el cual mensualmente recibe entre 350000 y 400000 visitas y tiene unos 7000 suscriptores.

Cuando a Gómez Jiménez se le ocurrió iniciar este negocio sonaba raro a los oídos ajenos. Él conocía el antecedente de Axxón, revista digital argentina que ya alcanza 19 años y empezó distribuyéndose en disquetes por las calles de Buenos Aires, y por eso decidió crear la revista. Pronto ésta empezó a recibir materiales, y en 1997 nació Editorial Letralia, la primera editorial virtual de Venezuela.

Como toda editorial tienen un consejo encargado de revisar los textos, que luego publican en forma de página web y en archivo PDF. En cuanto a temáticas no hay preferencias, han editado diferentes géneros, pues cada uno tiene su público; prueba de ello han sido sus exitosas antologías temáticas sobre Borges, Neruda, el Quijote o ciencia ficción. La cantidad de publicaciones varía cada año, y en lo que va de 2008 llevan unos diez títulos.

Jorge Gómez Jiménez se encarga del diseño y la administración general, y el hospedaje es aportado por el escritor argentino Daniel Ginerman y el mismo Gómez. Aparte de eso, el portal recibe ingresos por publicidad y por servicios profesionales como diseño de otras webs o edición de libros. Pero para un proyecto tan ambicioso como éste, estos ingresos “nunca serán suficientes”.

“Ésta es una tendencia mundial que seguirá en aumento. Con herramientas como Blogger o Wordpress cualquier hijo de vecino puede convertirse en comunicador. El único escollo que impide que los medios digitales se impongan como plataforma para la difusión de contenidos culturales es el hardware: el libro impreso puede llevarse al baño, es una tecnología que ha triunfado principalmente por su portabilidad. En todo lo demás ya es más práctico el medio digital, por lo que cuando éste pueda al fin emular esa característica, habrá alcanzado su impulso decisivo”, concluye Gómez Jiménez.

Promoción literaria 100% digital

Hace algunos años era impensable tener acceso a un completo directorio de autores venezolanos, información sobre novedades y eventos literarios, reseñas, cuentos, fragmentos de libros y noticias del mundo editorial disponibles en un solo lugar y de forma totalmente gratuita. Hoy es posible gracias a Ficción Breve Venezolana, sitio de difusión de la literatura venezolana que busca fomentar la generación de contenido cultural local en la red para darlo a conocer dentro y fuera del país.

Enumerar las bondades de FBV resulta fácil, pues son muchas y están claras a la vista de cualquier internauta, pero para consolidar este portal ha sido largo y sinuoso el camino recorrido por sus creadores, Héctor Torres y Lennis Rojas, y para ello han contado con la asistencia técnica de Jorge Gómez Jiménez y Daniel Pradilla, un aporte invalorable. Hoy, tienen una media de 6000 visitas mensuales provenientes de 50 países, y sus boletines semanales llegan a unos 1250 suscriptores directos.

Mantener un portal como FBV implica costos, los cuales han tratado de reducir en medida de lo posible a través de intercambios. Sus costos imprescindibles no son elevados, y su programa de patrocinio les ha permitido recibir el ingreso necesario para su operatividad. “Nuestro primer patrocinante fue Econoinvest; Centro Cultural Chacao, Password Consultores, Fundación Bigott, Sacven y Alfaguara, han sido algunos de nuestros aliados en diversos años y el más reciente es Inversiones Veneblue. Esperamos que se sumen algunas editoriales con las que hemos estado conversando”, nos explicó Torres.

Para Torres vale la pena concentrar sus esfuerzos en la web porque en Latinoamérica se lee lo que publican los grandes grupos editoriales, que tienen sede en España, “los cuales deciden qué autores colombianos, mexicanos, argentinos, son los que conoceremos. Si proyectos como éste se consolidaran en otros países del continente, tendríamos ventanas para la difusión y el conocimiento de las voces emergentes de cada país”.

Blogs, una excelente alternativa

En la red hay un par de chinos que han hecho de la suyas: han abierto todo tipo de negocios y dicen saber de cine, cómics y masajes. Lo curioso es que estos hermanos, de apellido Chang e inconfundible acento oriental, son nacidos en Venezuela. Detrás de Los hermanos Chang están José Urriola –periodista- y Fedosy Santaella –escritor-, quienes idearon esta suerte de revista temática virtual que puede leerse en un blog cada dos meses.

Santaella tenía la inquietud de crear algún espacio literario virtual que no fuese una página web, porque le resultaba algo complicado y tenía que saber de programación; un blog era ideal. Le habló de su idea a Urriola y decidieron comenzar con algo que no fuera muy tedioso. Entonces se les ocurrió ponerle “Taller” al proyecto, “¿y quién lleva el taller? Unos chinos. ¿Y cómo se llaman los chinos? ¡Hermanos Chang!”, recuerda Santaella.

Y ese humor tan particular se convirtió en una de las grandes cualidades de los Chang desde que aparecieron en la red, hace dos años. Otro de sus atractivos es tener colaboradores tan conocidos como Israel Centeno, Oscar Marcano, Roberto Echeto, Enrique Enríquez, Carlos Zerpa, Juan Carlos Chirinos, Edda Armas o Jacqueline Goldberg.

Para su sorpresa, sus visitantes aumentaron vertiginosamente y hoy promedian entre 3000 y 4000 al mes; además, el año pasado fueron invitados a participar en la quinta edición de “Seis visionarios de la comunicación”. Todo esto ha sido gracias a la promoción que corrió de boca en boca, que “es la que todo producto en el mundo desea, y afortunadamente nosotros la tuvimos”.

Hay planes concretos de salir en papel, ya que cuentan con el apoyo de un mecenas, “pero nos hemos visto trancados por los permisos del Milco. Él tiene la posibilidad de imprimir fuera del país para traerlo acá porque le saldría más económico, porque al fin y al cabo lo que quiere es hacer negocio, más allá de disfrutar una edición impresa de Los hermanos Chang”.

Compras on-line

Ignacio Alvarado es ingeniero eléctrico con postgrados en Economía y Administración, ha tenido diversos negocios pero, al final, se dejó llevar por su gusto por la literatura. Hace cuatro años, abrió su propia librería, física y virtualmente: Libroria. En ambas el objetivo es el mismo: vender libros, pero hacerlo vía Internet no ha sido tan fácil como en un principio pensó.

“La idea original era sólo vender libros por Internet, pero muy rápidamente decidí vender también al público directamente. Me di cuenta de que la venta de Internet es mucho menor de lo que yo estimaba. Se venden unos 30 libros al mes”. Son muchas las razones que justifican esta demanda tan baja, una de ellas es lo difícil que puede resultar a un internauta comprar libros de forma on-line con tarjeta de crédito en nuestro país. Por otro lado está la programación, ya que no son muchas las compañías que dan este servicio y los costos son altos.

Alvarado atribuye a la suma de todos esos factores el hecho de que existan tan pocas librerías que ofrezcan ventas on-line en nuestro país. “En Venezuela todo es difícil, pero creo que, eventualmente, la gente se acostumbrará y habrá más facilidades de servicios de programación y bancarios. Esa tiene que ser la tendencia, no hay duda de que para allá vamos”.

Lecturas y cambalaches

Hace dos años un grupo de personas afines a la literatura decidió emprender un proyecto, apoyados por el escritor Federico Vegas. Su principal intención era crear un espacio de encuentro entre lectores y escritores, pero no se trataba de un espacio físico sino de una página web. Así empezó ReLectura, colectivo integrado por Rodrigo Blanco, Paola Romero, Enza García, Adriana Bertorelli, Salvador Fleján y Luis Yslas, que se ha vuelto bastante popular.

“Inicialmente queríamos que los grupos de lectura se inscribieran y se pusieran en contacto con los escritores de nuestra página para que se reunieran con ellos y conversaran sobre libros”, nos explica Luis Yslas, director de la asociación. Sin embargo, también tienen un programa radial que transmite la Emisora cultural de Caracas y organizan eventos literarios, como recitales o los ya famosos cambalaches de libros. Para mantenerse han hecho alianzas estratégicas con Ron Estelar, Liven, Marvenca, Sodexho Pass, Promotora Casarapa, Centro Cultural Chacao y la Alcaldía de Chacao.

En ReLectura están concientes de que el fuerte de su promoción ha sido la red, y para Islas su efectividad es un hecho. “Creo que mientras la gente sea más dependiente de los medios tecnológicos, se va a mantener este boom. No tengo ningún prejuicio en cuanto a que esto siga creciendo porque si la gente se acerca a través de Internet a la palabra escrita, pues bienvenidos sean estos medios”.

...

Recuerdo este texto, publicado en la edición de octubre de 2008 de la revista Producto, a propósito del Premio Nacional del Libro de Venezuela que obtuvo Letralia como "mejor sitio electrónico que promociona el libro y la lectura".

Música impuesta

2009-02-09T19:17:00.004-04:30

Mañana dominguera, hace frío, la cama está muy cómoda. Me despierto con sueño aún y me debato entre continuar durmiendo plácidamente o levantarme. La opción más atractiva es la primera, evidentemente; me reacomodo… Y comenzó a sonar: Watanegui consup, iupipati, iupipati… Mi cerebro grita: ¡¿Quién puede estar escuchando Sopa de caracol un domingo en la mañana?! Preferí levantarme a recoger los juguetes de Pablo antes de seguir sometida a esa tortura.

Hay música que buscamos porque nos gusta o nos interesa conocerla. Otra nos llega de manos de amigos o cercanos que saben que puede gustarnos y nos la recomiendan. Pero está la tercera modalidad, la peor: la impuesta, es decir, esa música que escuchamos a juro en la calle, carritos por puesto, oficinas o en nuestra casa gracias los vecinos.

¿Por qué siempre que se nos para un carro al lado con los decibeles por las nubes se trata de una canción que no nos gusta? ¿Por qué la gente en las oficinas escucha su música a todo dar asumiendo que al de al lado también le agrada? En el caso de los carritos por puesto no vale la pena adentrarse, y con el de los vecinos doy el beneficio de que están en sus casas y allí cada quien que escuche lo que quiera –pero podrían moderar el volumen, ¿no?-.

Tengo recuerdos aterradores de cuando trabajaba en oficinas: casi todas las tardes me torturaban con los éxitos de la emisora romántica y los respectivos tarareos. Ah, también estaba el que escuchaba canciones de moda con audífonos, pero tan alto que se escuchaba en mi puesto y remataba canturreando y dándole golpecitos a su escritorio, supuestamente siguiendo el compás. Muy aterrador.

Mis vecinos suelen ser tranquilos. El silencio que caracteriza mi casa sólo es interrumpido cuando hay alguna fiesta adolescente y suena un reguetón salvaje o cuando el chico que vive en la parte de atrás decide ensayar –tiene un grupo de versiones y más de una vez me ha torturado con Maná o La ley durante una tarde entera-. Hay una vecina que durante un buen tiempo escuchaba Enrique Iglesias y Andrea Bocelli todos los sábados en la mañana, pero, gracias a Dios, la fiebre se le pasó.

Ahora hay otro elemento pertubador: los vigilantes. Sí, vivir cerca de una caseta de vigilancia no es fácil. Salsa brava, salsa rastrera, salsa erótica, vallenatos y otros lamentos suelen sonar en su radiecito, muchas veces acompañados de sus desafinadas voces. A alguno de ellos le atribuyo la “sopa” de ayer.

Últimamente salgo poco a pie y he descansado de los ritmos callejeros, pero cuando iba a la universidad llegué a aprenderme El baile del pescao completita y los coros de Sin bandera, gracias a los choferes de la línea de autobuses que nos llevaba. Allí también conocí una serie de canciones escabrosas que no deseo recordar.

Entre mis peores experiencias con la música impuesta, no puedo olvidar la vez que iba caminando por una de las avenidas principales de Budapest y pasó un deportivo –de esos que no tienen techo- escuchando algo que me hizo dar un traspié: Aventura. Ése fue un golpe bajo.

Reconozco que soy maniática: escucho música cuando estoy sola o cuando estoy acompañada de alguien a quien sé que también le gusta. Tampoco suelo abusar del volumen por eso mismo de no imponer a mis vecinos algo que no les agrade. Cada quien es libre de escuchar lo que quiera cuando quiera, claro, pero sería tan bueno poder evitar la musiquita ajena…

Instrucciones para usar un ascensor

2009-01-22T14:40:00.001-04:30

Primero que nada, debe pisar el botón para llamarlo. Si es un modelo viejo, pise el único botón visible. Si es un modelo más actual, puede ser algo complicado, pero no se preocupe, preste atención y seguro logrará que el aparato llegue a buscarlo.

Los modelos más actuales o modernos suelen tener dos botones, uno encima del otro, identificados con una flecha que sube y otra que baja, respectivamente. Si usted desea subir, pise el botón con la flecha que mira hacia arriba. Si usted desea bajar, haga lo propio con la flecha que mira hacia abajo.

Si usted desea subir y pisa el botón con la flecha que mira abajo, el ascensor se detendrá, pero lo llevará a un piso inferior; lo mismo pasará en el caso contrario, es decir, si desea bajar y pisa la flecha que sube, subirá. Sabemos que esto también puede ser muy, pero muy complicado, pero recuerde: las flechas indican la dirección que lleva el ascensor.

Si hay alguien parado frente al ascensor cuando usted llegue, lo más probable es que ya lo haya llamado (a menos que el sujeto en cuestión practique “meditación frente a un ascensor”). Podrá comprobarlo mirando si el botón está encendido. Si lo está, quiere decir que ya lo llamó: NO hace falta que vuelva a pisar el botón. Solo en un modelo viejo quedará la duda y se justifica que pise el botón: éstos no se iluminan.

Si el ascensor demora, sea paciente. Pisando una y otra vez el botón no logrará que éste acelere. Quizás en un futuro muy cercano, el pisar insistentemente el botón de llamada aumentará considerablemente la velocidad del aparato, pero aún la tecnología no ha avanzado tanto.

Una vez dentro, debe pisar el botón identificado con el número del piso al cual se dirige. Por ejemplo, si va al piso 2, oprima el botón que lleva grabado un número 2.

Cuando desee que el ascensor se detenga con las puertas abiertas para que entre o salga alguien, será muy sencillo de lograr, siempre y cuando sea un modelo viejo: oprima el botón rojo identificado como ALTO.

Nuevamente, si es un modelo más actual encontrará dos botones, uno con dos flechas que se apuntan entre sí y otro con dos flechas que miran en direcciones opuestas. Esto tiene que ver con el movimiento de las puertas: si las flechas van hacia adentro, cierran; si las flechas miran hacia afuera, abren. Sabemos que también puede ser muy complicado; en caso de que no logre dominar la técnica, puede optar por el viejo método de meter la mano entre las dos puertas.

Estamos plenamente concientes de las dificultades que implica aprender a usar un ascensor, por eso le recomendamos leer con detenimiento las instrucciones y, si es necesario, hacer varias veces. Así no sólo podrá llegar a cualquier piso de cualquier edificio, también colaborará con sus compañeros de viaje.

Nota de amor para comenzar el año

2009-01-13T11:33:00.004-04:30

De niñas nos encantaban los cuentos de hadas y todo su romanticismo, quizás por eso, de grandes todas buscamos al “príncipe azul”. Al mío lo imaginaba apuesto, valiente, inteligente, gentil y de buen corazón; capaz de sorprenderme con un sólo detalle, de hacer reír sólo con un gesto, de alegrarme los días grises y de enseñarme que la vida tiene cosas maravillosas. Lo mejor de todo es que hace unos cuantos años lo encontré y le entregué mi corazón para siempre.

Nobles causas

2008-11-16T01:03:00.008-04:30

El jueves fue el bautizo de Cinco sentidos en acción 2009, calendario que ha editado por segundo año consecutivo Socieven (Sordociegos de Venezuela), cuyas imágenes son fruto de las tantas actividades que realizó la fundación durante este año con el fin de ofrecer oportunidades creativas a las personas sordociegas. Esta iniciativa contó con la participación de algunos de sus embajadores, como Edgar Ramírez, Pastor Oviedo, Gustavo Dudamel, Luis Perdomo, Carlos Coste y Daniella Acquatella, y de los fotógrafos Aníbal Mestre, Ramón Lepage, el estimado Francesco Spotorno, Patrick Dolande, Nicola Coppola y Carmen Mayta, entre otros. El concepto del proyecto fue creado por Tactus Pro, organización presidida por Anabella Troconis, que desde sus inicios ha estado trabajando a favor de esta causa.

En el evento exhibieron un audiovisual en el que aparecían algunas de las vivencias de los embajadores y las personas sordociegas con quienes compartieron, momentos que quedaron reflejados en las hojas del calendario. Dicen que las imágenes valen más que las palabras; creo que, en este caso en particular, apoyo totalmente dicha afirmación: no es lo mismo leer o escuchar sobre la población sordociega y las buena sintenciones de Socieven a presenciarlo a través de imágenes en movimiento.

Acercarse un poco a situaciones como ésta –que siempre miramos como de lejos- lleva a la inevitable reflexión: Ojalá todas las personas que se involucraran con estas causas –no sólo la de Socieven- o que andan pregonando mensajes que invitan a tomar conciencia, lo hicieran de forma genuina, no sólo por proyectar su imagen ni como cliché. Y no se trata de ser un ejemplo a seguir, sólo de “vivir” lo que se dice.

Insólito es cuando te encuentras a un devoto de Krishna que se ufana de lo poco importante que le resulta lo material pero, si puede, mete “gato por liebre” para quedarse con algo ajeno. O el que en público se preocupa por el alto índice de maltratos a la mujer y, al llegar a casa, no duda en darle un pescozón a quien lo espera porque la cena no estuvo a tiempo. O quien apoya la no violencia hacia el hombre, la mujer, los niños o el perro, pero en su día a día figuran gritos, insultos, arañazos y golpes. Lamentable, pero tan común...

Sí, los charlatanes son muchos.

...

Imagen: Paloma de la paz, de Pablo Picasso

Re-visiones

2008-11-06T18:56:00.007-04:30

Me reencuentro con mi blog hablando de un proyecto que me ha gustado muchísimo; se trata de Re-visiones, serie de fotografías intervenidas. Dicho así suena de lo más normal, lo interesante es que la intervención es hecha a mano con guache sobre la foto en papel. Nada de programas de diseño ni retoques. Nada digital ni virtual.

José Ramírez, el fotógrafo, y Cynthia Bustillos, la ilustradora, desarrollaron este trabajo como un ejercicio para comprobar las diferentes lecturas que puede tener una misma imagen. Él tomó las fotos, sin pensar en que luego serían modificadas, y ella las reinterpretó libremente; así ambas visiones quedan contrapuestas en cada una de las imágenes que integran la serie.

Ramírez dice que en Re-visiones apostaron al proceso que ocurre en el cerebro instintivamente cuando observamos una imagen y a partir de ésta se nos ocurre una historia. Otro punto que desean resaltar es que, aunque lo intentaran, nunca podrían volver a hacer la misma imagen, es decir, son piezas únicas.

José Ramírez es consultor de empresas, escribe y fotografía. Estudió en el taller de Roberto Mata y sus trabajos han sido expuestos en el Salón Juan Lovera 2007 y 2008, Salón de arte de Baruta 2007 y Salón Nacional de arte de Aragua 2008; también tiene un blog (http://tempusloquendi.blogspot.com/). Cynthia Bustillos es artista plástico e ilustradora, y hace sólo unos días su trabajo en el libro infantil Abecedario temerario (Camelia Ediciones) fue reconocido con una nominación en la Lista de Honor IBBY 2008; este título también resultó ganador en Los Mejores Libros para Niños y Jóvenes del Banco del Libro.

Re-visiones se presenta del 6 de noviembre al 1 de diciembre en Photomatón en la avenida Andrés Bello de Los palos Grandes. Aquí dejo un par de muestras.

2x2

2008-10-08T15:39:00.007-04:30

2x2 es el nombre de una serie fotográfica realizada por Mariana Green a partir de su experiencia como madre y compañera de cuatro niños, sus dos hijos y los dos de su pareja. Ella se ha acercado a las diferentes facetas de los pequeños y las ha atrapado con su lente, imprimiéndoles un toque íntimo y muy femenino que se siente al observar sus imágenes.

El viernes 10 de octubre se inaugura esta muestra en El paredón de Photomatón, tienda fotográfica ubicada en la avenida Andrés Bello de Los Palos Grandes, donde constantemente se realizan exposiciones. En este caso realmente se trata de una pequeña muestra, porque las 10 fotografías que se exhiben forman parte de Cuatro a bordo, un trabajo mucho más grande que Green está realizando a largo a plazo cuyo nombre nos da una idea clara de hacian dónde va.

"Trascender el simple recuerdo", esa es la intención de Mariana Green al hacer estas imágenes, y quienes somos madres sabemos exactamente a qué se refiere -cuando fotografías a un hijo quieres guardar, literalmente, ese momento para que no se te escape jamás-. Pero más allá del sentir materno, como simple expectadora debo decir que me gustó bastante este trabajo que muestra de forma sencilla la esencia de la niñez.

...

2x2, fotografías de Mariana Green
Fecha de inicio: 10 de octubre de 2008
Hora: 7:00 PM
Fecha de cierre: 3 de noviembre de 2008
Horario de visitas: Lunes a viernes, de 9:00 AM a 6:00 PM. Sábados, de 10:00 AM a 2:00 PM.
Lugar: Photomatón, Avenida Andrés Bello, entre tercera y cuarta transversal, Edif. Mansión Estoril, Los Palos Grandes.

Made in Maracaibo

2008-10-03T00:12:00.004-04:30

El fin de semana estuvimos de paseo familiar en Creadiseño, feria dedicada a la promoción de indumentaria hecha en Venezuela que reunió durante 4 días a más de 60 expositores. Aprovechando que aun no llegaba la avalancha de gente, me dediqué a husmear con calma en cada stand.

Como siempre hubo propuestas que no me gustaron, más allá del estilo o la afinidad, por la calidad: parece que, a la primera de cambio, la pieza de deshace. También había cosas que parecían gritar: ¡mira qué creativo y audaz soy!, y terminaban siendo recargadas o de mal gusto. Mejor hablar de lo bueno.

En Creadiseño encontré cosas muy, muy buenas, de calidad y con personalidad, desde los infaltables accesorios y ropa hasta libros infantiles. Por supuesto, aproveché para hacer algunas compras, una de ellas los súper cómodos zapatitos importados directamente desde Maracaibo de nombre Veruca que ilustran esta entrada.

Apenas escuchabas hablar a las chicas que atendían ese puesto sabías que de Caracas no eran y, con un poquito de atención, captabas el inconfundible acento zuliano. Además de los zapatos y sandalias Veruca en múltiples combinaciones de colores –todos me encantaron, me costó decidir-, en el stand estaba la Fábrica de Bloops. ¿Que qué son los Bloops? Unos muñecos de tela hechos a mano en diferentes colores y tamaños; lo mejor es que cada uno viene con nombre y personalidad propia.

El puesto de las maracuchas tenía encanto. Me comentaron que trajeron una pequeña muestra para esta feria a ver cómo les iba y que, en vista de la aceptación –el sitio se llenó y no volvió a quedar solo-, pronto vuelven a Caracas con más “detallitos”. Y aquí las estaré esperando para comprar un Bloop para Pablito y otras Verucas para su mamá.

Quien quiera conocer estas propuestas marabinas, sólo debe buscar Veruca Estilo y Fábrica de Bloops en Facebook.

El golpe

2008-09-29T20:04:00.003-04:30

Johnny Hooker es un inexperto estafador que, tras el asesinato de su compañero de aventuras, busca venganza. Henry Gondorff es el hombre que se las sabe todas en el mundo de los robos y es a él a quien acude Hooker para plantearle su tentador y ambicioso plan: darle el gran golpe al gángster más poderoso –y peligroso- de Chicago.

Ambientada en el Chicago de los años 30, El golpe (The Sting, 1973) es una película obligatoria. La historia es buena –muy buena- y dinámica, tiene escenas memorables y un par de protagonistas únicos: Robert Redford como el joven Hooker y Paul Newman como el experimentado Gondorff. El complemento perfecto es su banda sonora, en la que figura The Entertainer, pieza compuesta por Scott Joplin y versionada por Marvin Hamlish para esta cinta, de las más recordadas en la historia del cine.

Gracias a mi papá, vi El golpe cuando tenía unos 10 años; me encantó y me sigue encantando –además, me enamoré de Redford perdidamente-. Este fin de semana, inevitablemente, la recordé al saber de la muerte de Newman. Ahora comienzo la cacería de su versión en DVD; definitivamente es indispensable para mi colección.

Cantemos con los niños

2008-09-12T18:52:00.005-04:30

“Esta canción se la saben todos los niños de Venezuela, sin necesidad de que la pongan en la radio”. Así presentó Serenata Guayanesa, durante su presentación del sábado pasado en el Teresa Carreño, su súper conocida La pulga y el piojo, tema incluido en su disco Cantemos con los niños Vol.8, editado en 1982. Y eso también lo recordaron: “ese fue el primer disco infantil que hicimos, hace ya más de 25 años”. “¡¿Más de 25 años?!”, me dije yo. Y sí, son exactamente 26.

Detalles como éste ponen a funcionar mi máquina del tiempo personal. Inmediatamente recordé aquellos viajes de vacaciones familiares –la mayoría de las veces a Margarita-, cuando mi hermanita y yo íbamos echadas en el asiento de atrás del carro, escuchando el casete de Serenata Guayanesa que nos había comprado mi papá que se había convertido en un miembro más de la familia: no faltaba en ninguna salida.

Lado A, lado B, lado A, lado B… La cinta daba la vuelta una y otra vez mientras Katy y yo cantábamos, dormíamos, despertábamos y volvíamos a cantar. A la una, El papagayo, Este niño Don Simón o nuestra archi favorita La pulga y el piojo; todas nos gustaban y nos las sabíamos de principio a fin. Y creo que muchos de los que pasaron su infancia en los 80 vivieron experiencias similares con el mismo disco.

Sinceramente me asombró que al escuchar algunos de estos temas en el concierto recordaba sus letras, a pesar de que después de que me volví “grande” no había vuelto a saber de ellas. Cosas como éstas siempre me hacen pensar en que todos los mensajes que recibimos durante la infancia quedan grabados, son “archivos” que no se deterioran: queda lo bueno y queda lo malo. Y precisamente por eso es que, como padres, hay que ser tan cuidadosos con lo que se dice y hace delante de esos ojitos que nos siguen a todas partes.

Fue muy, muy agradable ese rato que pasamos en la presentación de Serenata Guayanesa, junto a Ensamble Gurrufío y Alfredo Naranjo. Más allá de mis nostalgias infantiles, musicalmente hablando fue excelente.

La huella del Bisonte

2008-08-27T00:44:00.004-04:30

El hombre, tan civilizado, tan racional, tan… hombre. Pero cuán rápido se desprende de todo eso que lo “diferencia” de los animales y recurre a sus instintos más básicos al llegar el deslumbramiento. Cuán predecible puede ser.

Creo que es necesario decir que empecé a leer La huella del bisonte una mañana tan calurosa que parecía que Caracas pronto alcanzaría su punto de ebullición. Me refugié en la primera peluquería que encontré a mi paso y, mientras me atendían, saqué mi lectura; llevaba pocas páginas cuando dos de las señoritas que allí trabajan comenzaron una pelea verbal. Sin embargo, estaba conociendo a Karla y eso pesaba más que la algarabía peluqueril que terminó haciendo mutis en mi mente.

Sólo basta leer unas cuantas líneas para saber que Karlita es de esas personas que arrastra consigo algo negativo de lo que nunca se desprenderá; se siente, se intuye, quizás porque Héctor Torres te lo susurra entre líneas o porque simplemente hay muchas Karlitas por allí y ya has conocido alguna. Y esa es una de las cualidades de esta historia, sus personajes se te hacen familiares desde el primer momento.

En La huella del bisonte te saltas esa parte -casi obligatoria en la mayoría de los libros- de ir conociendo a los personajes. Aquí no hacen falta muchos detalles para lograr visualizar al trío de protagonistas, ni a quienes los acompañan. Seguramente muchos ya hemos conocido a algún Mario renuente a soltar su juventud, así luzca marchito interpretando su sempiterno rol; a su hija Gabriela, capaz de equivocarse y seguir adelante con dignidad, o a alguna Raquel quien está más pendiente de ser mujer que la madre de Karla.

Mario se encontró de frente con el bisonte, que en esta oportunidad tenía forma de provocadora “mujer a medio terminar”, y quedó inmerso en un juego que hizo florecer lo más primitivo de su ser, hasta rozar la decadencia. Y así como el bisonte -ese que marcó un hito en la prehistoria- se transformó en Karla y en sus prefabricadas maneras seductoras, también puede tomar otras formas o incluso ser incorpóreo –dinero, poder, odio, envidia, celos-, no sólo tiene que ver con una cruda sexualidad.

Sí, creo todos somos vulnerables a “eso” capaz de trastocarte la vida que tan bien refleja Héctor Torres en su obra –de forma agradablemente erótica, porque nunca cae en lo burdo-. Todos, en un momento dado, podemos sentir ese “sacudón” inesperado, probar el veneno, perder la brújula, quedar en una suerte de limbo si se nos presenta ese bisonte, al que prefiero llamar deslumbramiento, y que puede tener mil caras, mil formas, mil aromas, mil sabores... Nadie está exento.

Las piedras de Fedosy Santaella

2008-08-09T19:28:00.002-04:30

En mi semana de supuesto descanso en la playa –si vas con un bebé, es lo que menos haces- me impuse dos misiones literarias, y hablo de imposición porque desde que soy madre mi otrora hábito de la lectura se transformó en un proceso a planificar, con todo y opciones de contingencia. Sólo pude cumplir con una de ellas, la otra esta en pleno desarrollo; se trata de Piedras lunares de Fedosy Santaella, libro que recibí poco antes de irme gracias al diligente escritor. Y como en un blog no existe esa cosa antipática del espacio y los caracteres, pues escribo un poco sobre él.

Piedras lunares es uno de esos libros que se leen en una sola sentada, por su sencillez y porque te engancha rapidito. De entrada, tres palabras en la dedicatoria llamaron mi atención: locura, sangre y violencia. Para quienes han –hemos- tenido la desdicha de conocer alguna de las tres –o todas- siempre resulta interesante meterse en el tema, así sea a través de la ficción.

En los once cuentos que integran la más reciente obra de Santaella hay sangre en abundancia, no en balde su título hace honores a La piedra lunar de Wilkie Collins, la primera o una de las primeras novelas inglesas del género policial. Y ese tinte rojo es derramado por manos dementes que, como suele suceder en la vida real, son normales en apariencia.

Un tal William a quien no le tiembla el pulso a la hora de apretar el gatillo porque su espíritu se ha redimido, la versión criolla de Bela Lugosi reinando en los bajos fondos, el retorcido placer de una mujer que cree compartir pareja con su mejor amiga, el inocente testimonio de una chiquilla que jura que su adorable tía no es una asesina y dos hombres que se van de paseo por las entrañas de la ciudad y encuentran la muerte, son algunos de los personajes e historias “cotidianas” que encontramos en estas páginas.

La ligereza y humor de la narración contrastan con ese contenido abundante en locura y muerte. Sí, por momentos sientes como si el propio Fedosy te habla de cerca y te va contando cómo un hombre va perdiendo los estribos por culpa de la bruja de su vecina o te describe lo insoportable de cierto olor bajo la mesa de dominó.

El jueves en la noche aproveché que andaba cerca e hice un toque técnico con mi combo familiar –mamá, papá y bebé- en la librería El Buscón, donde se bautizaba el libro. Allí, las palabras del mismo Santaella me confirmaron el gusto por las Piedras: sin caer en palabrerías inútiles y tediosas, dijo que lo escribió porque quiso, porque le provocó, porque quería entretenerse él y entretener a los lectores, y ya. Cuando un libro se escribe así, por gusto y sin pretender impresionar, es auténtico.

Warhol - 80 años

2008-08-06T18:49:00.006-04:30

Hoy habría cumplido 80 años el padre del Pop-Art: Andy Warhol, el hombre que popularizó los rostros de Marilyn Monroe, el Ché Guevara, Mick Jagger, Mao Tse Tung, Elizabeth Taylor y Elvis Presley en forma de serigrafías multicolor reproducidas en serie.

Desde hace años soy amante declarada de la obra de Warhol: una de las paredes de mi sala luce una composición con varios de sus trabajos -que, además captaron la atención de mi hijo cuando apenas tenía días de nacido-, he coleccionado sus calendarios, afiches, franelas y creo que la primera vez que proble una sopa Campbell fue solo para tener la famosa lata en mis manos.

Entre mis pertenencias favoritas están el Velvet Underground & Nico -no sólo por la banana en la portada, es un disco increíble- y un bolso con la serie de Marilyn que me regaló mi esposo en una fecha especial hace un par de años.

En sí me encanta el pop art y muchos de sus exponentes -los clásicos Roy Lichtenstein y Keith Haring o los contemporáneos Romero Britto y Fernando Sucre-, pero ninguno como Warhola.

Las zapatillas de Bocca

2008-08-04T21:26:00.006-04:30

¡Bailarina de ballet! Esa era mi respuesta resuelta cuando me preguntaban la infaltable “¿qué quieres ser cuando seas grande?”. Recreaba mi sueño infantil danzando cuando estaba a solas en mi cuarto con música imaginaria o con la de un cofrecito de esos que tienen una bailarinita girando adentro. A mis cinco años le pedí a mi costurera oficial de disfraces, es decir, mi abuela, que me hiciera uno de bailarina –por supuesto-, y cada diciembre esperaba ansiosa El Cascanueces para ver a Clara bailar.

El tiempo pasó y jamás practiqué ballet, pero el gusto me quedó. Por algo hoy guardo recuerdos especiales de los montajes de El Lago de los Cines y El Cascanueces de Vicente Nebrada, siento debilidad por la serie de bailarinas de Degas y mi libreta favorita tiene a la Verde –o basculante- en la portada. Y no puedo negar que de cuando en cuando se me escapa algún suspiro al ver unas zapatillas de ballet.

¿Qué a qué viene toda esta retahíla? A que la semana pasada tuve el inmenso placer, la inmensa dicha, de ser invitada a un almuerzo con Julio Bocca, con motivo de la celebración del Festival Viva Nebrada. Aunque suene a quinceañera, fue emocionante.

Bocca ya no luce aquella melena que lo caracterizó durante buena parte de su carrera, pero sí esa gracia natural que lo ha acompañado dentro y fuera de los escenarios. Contrario a lo que uno pueda imaginar al saber que es -o fue- uno de los mejores bailarines del mundo, el hombre es sencillísimo, amable, cordial y, muy importante, educado.

En el almuerzo había varios periodistas –no más de diez- y Bocca se fue paseando de puesto en puesto para conversar con cada uno. Llegó mi turno, le hice las preguntas de rigor y al final aproveché para confirmar –con cierta ilusión oculta- si era cierto que había participado en un espectáculo de ballet en Buenos Aires hace un par de meses. Pues sí, es cierto, pero no alberguemos falsas esperanzas, “eso no se va a repetir”, me dijo con una sonrisa.

Bocca está disfrutando de lo cotidiano, de no llevar agenda, de ser desordenado… Está feliz y no busca disimularlo. Este es su año de descanso, y hasta su labor en el Ballet Argentino –su compañía- está en receso. En 2009 esperar retomar el trabajo en el Ballet y comenzar nuevas facetas, eso sí, nada sobre los escenarios –sin titubeos-. Sí, así el mundo clame por su regreso, sus zapatillas permanecerán colgadas.

…

Imagen: Bailarina basculando, Edgar Degas, 1877. También se conoce como Bailarina verde.

366 días...

2008-07-21T08:06:00.006-04:30

Que pasaron volando y que quisiera retener en mi mente por siempre por todo lo maravilloso que trajeron consigo, por lo que significaron y seguirán significando a lo largo del tiempo. Retrocedo la cinta de mi memoria y se me hace difícil atrapar tantos recuerdos emocionantes. Son 366 días que pueden traducirse en alegrías, gratas sorpresas y momentos únicos.

¡Felices 366 días!

…

Imagen: de mis favoritas, Les Amoureux de Marc Chagall

Roberto Mata: Un portafolio de vivencias

2008-07-10T17:48:00.007-04:30

Con más de 20 años de carrera, su trabajo se ha visto en la Bienal Christian Dior, en las páginas de Gatopardo y en importantes campañas corporativas; hoy sólo hace lo que le gusta y prefiere los trabajos con contenido humano

Este fotógrafo valenciano comenzó su labor detrás del lente siendo prácticamente un niño. A lo largo de su exitosa carrera ha hecho fotografía publicitaria, corporativa y artística. De su taller han egresado nombres como Maritza Tortorelo, Felipe Di Lodovico y Ricardo Peña. Lo curioso de su historia es que nunca realizó estudios formales de fotografía, todo lo aprendió gracias a la práctica y a una vieja Enciclopedia Labor, y en todo este tiempo jamás ha organizado su portafolio, el cual -dice- está lleno de vivencias.

-¿Cuándo empezó tu interés por la fotografía?

-A los 12 años trabajaba como peón en una hacienda de la familia para ganar dinero durante las vacaciones. Recuerdo que mi primo llegó con una cámara y nos dedicamos a fotografiar todo lo que encontráramos a nuestro paso. Era apasionante. Al finalizar las vacaciones decidí comprar una cámara.

Para poder costear su hobbie se convirtió en el fotógrafo oficial de su colegio, y cuando terminó el bachillerato, se vino a Caracas y se hizo asistente de un fotógrafo. Al poco tiempo entró a trabajar como fotógrafo en Pandora, una revista de El Nacional.

-¿Cuál ha sido el trabajo más significativo de tu carrera?

-Más que trabajos, son etapas. He hecho cosas que me han marcado, como el haber entrado a trabajar en El Nacional cuando tenía 18 años, bajo la dirección de Soledad Mendoza –a quien respeto mucho pero no es una persona fácil- y bajo la tutela de un gran fotógrafo como lo fue José Sigala. La experiencia me enriqueció mucho, me formó como fotógrafo.
También recuerdo especialmente el trabajo que hice para la industria petrolera; fueron más de 10 años de viajes por muchos lugares haciendo la imagen corporativa de PDVSA y todas sus empresas filiales. Eso me marcó porque fue muy enriquecedor y me enseñó a conocer más nuestro país.

-¿Qué haces actualmente?

-Trabajo en la publicación de Locatel, +Salud, porque me brinda la oportunidad de tener mi propia sección llamada Galería, y en ella puedo hacer retratos con libertad total. He fotografiado desde niños con síndrome de down hasta cinco mujeres con cáncer que están en diferentes etapas de la enfermedad. Son trabajos que te conmueven, que te compenetran con la gente. Es fuerte, a veces uno está nervioso y son ellos mismos quienes te dan confianza. De una u otra manera siento que estoy ayudando a una persona que está pasando por un proceso difícil.

Roberto también es colaborador de la revista Gatopardo, y su trabajo más reciente fue retratar a la artista venezolana Mariana Monteagudo. Da clases en su taller y próximamente retomará la fotografía corporativa con la empresa SINCOR.

-¿Cómo surge la idea de incursionar en la docencia?

-Hace más de 15 años un amigo me pidió que preparara a su hijo en fotografía. Luego el muchacho les contó a sus amigos acerca de las clases y se corrió la voz. En poco tiempo había dado como 15 cursos individuales, se convirtió en un vicio. Finalmente le di forma a la idea y nació Roberto Mata – Taller de Fotografía. La docencia es una experiencia súper valiosa gracias a todo lo que puedes aprender de los alumnos.

-En 1995 obtuviste el segundo lugar en la Bienal Christian Dior con una fotografía de María Teresa Govea tomada en el lago de Maracaibo, ¿volverías a hacer trabajos de moda?

Tengo muchos años sin realizar este tipo de trabajo, pero no lo descarto. Hace poco iba por Los Naranjos y me quedé pensando en que el autocine de allí está intacto. ¡Esa sería una locación increíble para hacer un buen trabajo de moda!

-¿Algún proyecto pendiente?

No tengo pensado algo en particular, sólo son cosas que se me van ocurriendo. Creo que en algún momento no muy lejano me gustaría exponer una retrospectiva de mis retratos, o que alguna editorial me encargara un libro, pero un libro diferente, no acerca de los temas de siempre. También quiero seguir haciendo trabajos que me involucren con lo humano, que me acerquen a la gente. Si hay algo que he aprendido en todo este tiempo es que lo más importante es hacer lo que me gusta.

Mílitza Zúpan

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A propósito de los 15 años de Roberto Mata Taller de Fotografía desempolvé esta entrevista publicada en la extinta Fashion TV Mag en febrero de 2006.

Fotografía tomada por mi buen amigo Matica.

Pedro León Zapata: Venezolano que fue mexicano

2008-07-09T23:42:00.006-04:30

Pocos se imaginan lo cerca que estuvo el conocido caricaturista quedarse en otro país, pero, gracias a ‘esas cosas de la vida’, regresó a su hogar y desde ese entonces por su cabeza no ha vuelto a pasar la idea de partir

Cuando se abren las puertas de la casa de Pedro León Zapata, inmediatamente Dora, una perrita negra, sale a dar la bienvenida; pero no se limita al simple saludo, te lleva hasta el sofá y espera allí pacientemente mientras el señor de la casa termina su desayuno. En ese momento notas que no solo está Dora, también aparece Rumba, otra perrita, y unos cinco gatos te rodean con mirada intimidante; queda claro que estás usurpando su lugar. “Son como diez gatos y en el piso de arriba hay tres perros más”, explicaría Pedro León más adelante. Su esposa, la periodista Mara Comerlati, es amante de los animales y más de una vez ha recogido gatos o perros atropellados en la calle.

-Entonces le gustan los animales.

-Sí claro, no me queda otra –responde entre risas-. A ella le gustan los gatos, no es que a mi me disgusten pero no soy yo quien los trae.

Pedro León y Mara tienen más de veinte años de casado, se conocieron cuando ambos trabajaban en El Nacional y tienen dos hijos fruto de esa unión. Él también tiene tres hijos de su primer matrimonio, el cual fue con una mexicana que conoció mientras estudiaba en la Escuela de Arte de La Esmeralda en México. Había recibido una beca para estudiar pintura y luego empezó a trabajar. Terminó quedándose 10 años.

-¿Pensó en quedarse allá definitivamente?

-Sí como no, yo era mexicano y actuaba como tal. Yo era un profesor que daba clases, nunca me dijeron tú eres venezolano. Incluso, en ese último año que pasé en México hubo una gran bienal de arte mundial con artistas como Jackson Pollock. Paralelamente organizaron un salón de pintura mexicana como para calmar los ánimos, porque los pintores mexicanos que participaban en la bienal eran escogidos a dedo: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, los grandes. Para que los menos grandes no se ofendieran crearon ese salón.

“Yo mandé una obra. Luego, uno de los jurados, que además era mi profesor, Orozco Romero, contó que consideraron mi cuadro para darle el premio, pero resultó que él mismo dijo: ‘pero hay un detalle, él es venezolano y este es un salón que estamos haciendo para mexicanos’. Nadie se acordaba de eso, entonces me dieron una mención que recibí de manos de David Alfaro Siqueiros y de un gran pintor mexicano que se llamaba Francisco Goitía; él era un señor venerable, como un Reverón. Es decir, yo llegué a ser tan mexicano que hubo quien se lo creyó.

Zapata recuerda que la beca era precaria e irregular; a veces tardaba mucho tiempo en llegar el dinero, entonces comía “fiado” en los restaurantes, sobrevivía con lo mínimo. Al casarse fue cuando empezó a trabajar como profesor de la Escuela de Bellas Artes en Acapulco. Hasta que un día le dijeron “se acabó” y, en efecto, se acabó la beca, pero sin pasaje de regreso. Para completar el panorama, Venezuela estaba en plena dictadura de Marcos Pérez Jiménez, así que veía su regreso como algo muy lejano.

-¿Por qué decide regresar si estaba tan aclimatado?

-La caída de Pérez Jiménez despertó el deseo de estar aquí. Cuando estuvo en dictadura no me daban ganas de regresar, hay que tener en cuenta eso, estuve fuera todo el tiempo que duró la dictadura. Prefería seguir viviendo en México pero sin olvidar el país, porque a uno nunca se le olvida el país. Curiosamente, con todo y eso de que hablaba y actuaba como mexicano, nunca se me olvidaba que yo era venezolano, en todo momento tenía presente que no era de allí. Es como una conciencia que te lo repite siempre y me imagino que eso le pasa a toda persona que vive fuera de su país.

-¿Y cómo hizo para volver?

-Al caer la dictadura de Pérez Jiménez y el gobierno que vino luego creó un fondo para pasajes para el montón de exiliados que había allá; todos regresaron porque el consulado les pagó el pasaje. Cuando hablé con el cónsul le quedaban dos pasajes, y con esos nos vinimos mi esposa y yo.

Regresando de México fue cuando Zapata se dedica a hacer caricaturas formalmente, primero en un semanario llamado Dominguito y luego vendrían los legendarios Zapatazos de El Nacional. “Pensaba que la caricatura iba a salir una vez a la semana y de vez en cuando llevaba una, hasta que Ramón Velásquez me dijo: ‘mira la caricatura es diaria’. Yo tenía días trabajando salteadito, hasta me sorprendía que publicaran tan rápido. Comencé a llevarlas todos los días y me di cuenta de que era un caricaturista con todas las de la ley. Muchos lectores y amigos creían que me censuraban las caricaturas porque salían de vez en cuando y era que yo las llevaba de vez en cuando, no por inconvenientes políticos”.

Sin embargo, el mismo Zapata recuerda con cierto asombro que sus primeras caricaturas datan de cuando estaba en quinto grado. “Ahora fue cuando me vine a percatar de que mis primeros dibujos en el periódico Mural del colegio fueron caricaturas. Recuerdo con gran precisión una, porque el Dr. Luis Beltrán Prieto tenía un cargo en el Ministerio de Educación y fue al colegio como inspector. Cuando la vio le llamó la atención y preguntó: ‘¿Y esto a qué se debe?’. El director le explicó lo que quería decir, era una caricatura contra él mismo, contra la dirección de la escuela. Fíjate qué casualidad, fue la primera caricatura que recuerdo, fue la primera caricatura que fue vista por alguien importante y fue una caricatura contra el propio gobierno de la escuela”.

-Entonces, desde niño tenía una visión crítica.

-Inevitablemente, porque cuando uno hace caricaturas siempre tiene que ser así, si uno está muy conforme con lo bonito que es el mundo, bueno, uno se vuelve paisajista y se pone a pintar paisajes. Cuando uno recurre a caricaturas es porque tiene la necesidad de hacer una crítica, es porque uno no está conforme con la belleza del mundo.

-¿En algún momento pensó en volverse a ir fuera del país?

-Pienso en eso y creo que nunca he sentido deseos de irme de Venezuela. Recuerdo que estuve en París unos tres meses y sí sentía como ganas de quedarme, me gustaba tanto, me pareció tan extraordinario aquello. Pero me regresé, no me quedé, y me sentí muy bien, tanto que no he vuelto a sentir más nunca el deseo de vivir en otra parte. Yo creo que, con todo y la inconformidad con infinidad de cosas que pasan en el país, yo donde mejor me siento es en Venezuela.

“Voy a decir algo todavía más exagerado: así como García Márquez dice que él es colombiano de Macondo, ese puntito que además no existe y que lo ha universalizado, yo, no por imitarlo sino por coincidencia, diría que hay un puntito de Venezuela que es mi Macondo que es aquí donde trabajo: la mesa y el caballete donde pongo los cuadros. Ahí está mi patria, ése es mi país y no me quiero despegar de allí. Mi vida gira alrededor de ese punto en donde está mi material de trabajo, en donde hay cosas por terminar y en donde, además, tengo la posibilidad de hacer algo nuevo todos los días”.

Mílitza Zúpan

...

Fruto de una agradable mañana conversando entre gatos y dibujos.

Publicado en la edición aniversario de la revista Producto, julio 2007.

Ilustración de Pedro León Zapata tomada de la web de El Nacional